Sommaire :

Les précisions avant de commencer.

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place.

De la 150éme à la 126éme place.

De la 125éme à la 101éme place.

De la 100éme à la 76éme place.

De la 75éme à la 51éme place.

De la 50éme à la 26éme place.

De la 25éme à la 11éme place.

De la 10éme à la 1ère place.

10. La Saga de La Panthère rose, de La Panthère Rose jusqu’à A la recherche de la Panthère Rose (Blake Edwards, 1963, 1964, 1975, 1976, 1978, 1982) :

« Oui mais, si on danse ? »

Dans la besace de beaucoup de cinéphiles, il y a une œuvre ou une saga culte atypique. Un délire extrêmement personnel. J’ai trouvé le mien à l’adolescence. Il s’agit des films « La Panthère Rose », ceux avec Peter Sellers dans le rôle principal bien sûr, les remakes avec Steve Martin n’étant qu’une pâle copie (pour rester très poli) ne méritant qu’indifférence. Et oui, si le personnage animé de « La Panthère Rose » est aujourd’hui célèbre, rares sont ceux qui savent qu’il vient à la base du générique d’un film portant son nom, signé Blake Edwards, et sorti en 1963. Multipliant les facéties lors dudit générique sur le thème fameux d’Henry Mancini, le félin n’apparaît plus de tout le film (en prise de vue réelles), la « Panthère Rose » y désignant un diamant. On y suit les aventures de l’Inspecteur Clouseau, version gagesque et gafeuse des grands détectives à la Hercule Poirot. Celui-ci est incarné par le mythique Peter Sellers, plus que prodigieux. C’est le gag « tarte à la crème » élevé au rang de sublime. Des gens tombent dans des escaliers, et c’est fantastique. Sens du timing et de la surprise impeccable, patte d’un bijoutier du genre (Blake Edwards), comique de situation travaillé au cordeau et surtout le personnage de Clouseau, dont l’assurance permanente tout en morgue et en certitude, souligne au mieux toute cette drôlerie : voilà quelques un des ingrédients de la recette. Gageons également que pour le public nord-américain, le pastiche d’accent français de Peter Sellers a eu son pesant de charme. Le succès du premier opus fut tel qu’il y eut quatre suites avec Peter Sellers dont « L’Inspecteur s’emmêle », deuxième volet, à mes yeux le plus génial. Car si le premier opus ne faisait qu’introduire le personnage de Clouseau, dont le succès n’était pas prévu, « L’Inspecteur s’emmêle » se concentre pleinement sur lui, pour mon plus grand bonheur. Aussi, il introduit deux extraordinaires personnages récurrents : Cato, le valet de Clouseau avec lequel celui-ci s’entraîne à l’attaque surprise, et le Commissaire Dreyfus, progressivement rendu fou par les actions du détective. Mais ces quatre suites ne sont pas tout ! Il y eut aussi un film tourné après la mort de Peter Sellers utilisant des images d’archives, un autre avec un nouvel acteur, un film avec le fils de Clouseau joué par Roberto Begnini, et donc les films avec Steven Martin. Tout ceci est de moins mémorable mémoire mais montre bien à quel point tout ceci, bien qu’aujourd’hui méconnu, fut à l’époque un incroyable succès. Ah, et bien entendu, le personnage dessiné du générique a eu un tel succès qu’il a eu droit à un dessin-animé aujourd’hui plus célèbre que les films ! En ce qui me concerne, beaucoup de choses peuvent me faire rire mais pour me faire hurler de rire, il y a des chemins privilégiés comme l’absurde (comme par exemple celui des Monty Pythons), la bêtise sublime (comme par exemple celle dans la série « Kaamelott »), une tirade d’un personnage haut en couleur (je pense à celles d’Hervé dans la série « Dix pour cent ») et donc un gag impeccable comme ceux des films « La Panthère Rose ». C’est simple, en grande partie grâce à ces films, Peter Sellers est encore aujourd’hui mon acteur préféré toute époque et nationalité confondu. C’est vous dire mon amour pour les films de cette saga où il est présent. Bien sûr, une partie de moi se demande si tout cela aurait le même charme en revoyant les films maintenant, mais au fond qu’importe, ce qui compte c’est tout le bonheur qu’ils m’ont déjà procuré.

La scène : Dans « L’Inspecteur s’emmêle », le moment où Clouseau s’entraîne avec Cato à l’attaque surprise, qui me rendait plus qu’hilare à chaque fois que je la regardais.

 9. Old Boy (Park Chan-Wook, 2003) : 

« Toi, je vais te dévorer. »

Un choc. Un coup de poing. Un uppercut. Un direct du droit dans le ventre. Une torsion des viscères. Voilà quelque peu « Old Boy ». En tant que spectateur, j’ai clairement un côté masochiste, je l’avoue. J’aime être malmené. Ce n’est pas pour rien que ma série favorite est l’immense, la prodigieuse série « Black Mirror » (saison 5 non incluse). Alors, certes, je n’aime pas avoir peur et sursauter, mais écarquiller les yeux, sentir mon corps se tordre de répulsion, ouvrir grand la bouche, me mordre les doigts, trembler de tout mon corps, grimacer, haleter, rester scotché, suer, être choqué dans le bon sens, avoir l’impression que mon cerveau a été grillé l’espace de quelques secondes, rester silencieux et hagard de longs instants après la fin d’un film, les yeux dans le vague, voilà parmi mes plus grands plaisirs de spectateurs. Il est incroyable que le cinéma, comme d’autres arts, puissent être attirant précisément pour des choses que l’on rejetterait dans la vie de tous les jours. Il y a quelque chose de fascinant dans cette capacité à provoquer un appétit pour le désagréable. A cet égard « Old Boy » est un sommet. Un modèle. Le film qui a provoqué chez moi les plus intenses de ces sensations. Je ne risque pas d’oublier mon état à la fin de ce film. Je me souviens parfaitement où je l’ai vu, et il me semble avoir comme une photo de la scène, alors que le générique se déroulait devant moi. Le film du génial Park Chan-Wook est un prodige. Rien ne prépare au tourbillon qui nous frappe en le regardant. L’histoire est démente, l’esthétique monumentale. Et surtout, il y a cette fin, cette fin qui vient nous hanter longtemps, très longtemps après. Tout le film est construit comme une lente montée, avec de gros pics d’adrénalines, jusqu’à cette conclusion. Pas à pas, la tension se construit comme un tableau terrible, par petites touches ou gros coups de pinceaux, et quand on regarde toute l’œuvre, il est déjà trop tard pour notre tranquillité mentale. Le cinéma coréen, maintenant sur le devant de la scène avec « Parasite » est, pour ceux qui ne connaissent pas, un monde à découvrir, mais en connaissance de cause. Rempli de chefs d’œuvres, c’est aussi la catharsis d’une société oppressante et codifié, avec tout ce que cela suppose de violence et de déchainement. Et le film de Park Chan-Wook, à cet égard, est une forme d’apogée. Porté par la prestation fabuleuse de ces interprètes et notamment Min-sik Choï, le personnage principal, habité, et Yoo Ji-tae, l’antagoniste incroyable, « Old Boy » est à découvrir l’estomac bien accroché. Un père de famille est enfermé pendant quinze ans puis libéré, sans explications. Et comme le dit la bande-annonce du remake américain (que je n’ai pas vu par crainte de déception et parce que je n’avais pas besoin de revoir quoi que ce soit à ce niveau) la vraie question n’est pas : pourquoi a-t-il été enfermé, mais pourquoi a-t-il été délivré ? Vous n’êtes pas prêts pour la réponse.

La scène : la fin, s’il est encore besoin de le répéter.

8. Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979) :

« On m’avait dit que c’était détente cette cure de bain de boue ! »

Il y a dans ce film comme une impression de shot de cinéma pur. Tout y est démesure, et les conditions de tournage hors du commun (présenté notamment dans un documentaire qu’un jour il faudra que je regarde : « Au cœur des ténèbres : l’Apocalypse d’un metteur en scène ») ne font que rendre tout ceci encore plus mythique. Oui, tout est démesure : les plans, les scènes, la photographie, les décors, les interprétations de tout le casting. C’est une folie, presque au vrai sens du mot. Comme si, pour toucher au plus près la démence de la guerre, il avait fallu à Coppola quitter la raison dans la construction de sa création. Le résultat n’est ni une masterclass, ni un exemple, car le suivre c’est tout risquer. Personne ne souhaite vivre ce qu’a vécu Coppola, sauf à tenir un discours presque fanatique sur la souffrance comme seul vecteur d’art, une idée aux très nombreuses limites et contre-arguments. Non, il n’y a pas lieu de tirer des conclusions. Juste à regarder et ressentir, ce qui est déjà plus que suffisant. On regarde tout ceci et on se dit : « alors quelqu’un a réussi à faire ça ». « Apocalypse Now » provoque un émerveillement et une fascination cinéphilique comme peu d’œuvres. C’est l’histoire d’un capitaine (incroyable Martin Sheen) envoyé exécuter un colonel (insensé Marlon Brando) dont les méthodes sont jugées « malsaines » par les services secrets américains. « Apocalypse Now » est un voyage pour le spectateur, comme le film est une odyssée bien particulière pour ses personnages. Les monstres ne sont pas les cyclopes et les sirènes, mais les hommes et les armes. Traversée du Vietnam en guerre jusqu’au plus profond de la folie, c’est l’œuvre la plus puissante sur une guerre qui a pourtant longtemps fasciné le cinéma.  Le Vietnam est un des sommets de la mythologie artistique américaine, ou plutôt l’une des crevasses les plus profondes. Mais bien entendu, limiter « Apocalypse Now » à cet événement historique est réducteur. C’est donc un film sur la guerre, mais cela aussi est réducteur, car la guerre est presque un décor, traversé par l’équipe de fortune, elle est comme une toile de fond. Le vrai sujet, ce sont les ténèbres, comme le dit le titre du livre de Conrad qui a inspiré le film. Les ténèbres humaines, la noirceur du genre humain. Sans fard, ni jugement simpliste, juste une présentation pas vraiment diluée et malgré tout complexe, qui englobe tout sur son passage, tous les personnages. Quant au colonel, ce n’est qu’un miroir de l’horreur. Ah, et ce n’est pas un secret pour beaucoup, la bande-originale, des Doors à Wagner, est monumentale.

La scène : la tirade du colonel Kurtz, d’autant plus dingue que Brando, qui ne connaissait pas son texte en arrivant sur le tournage, improvise à moitié à partir de ce qui lui souffle Coppola.

7. La Trilogie du Seigneur des Anneaux : La Communauté de l’Anneau, Les Deux Tours et Le Retour du Roi (Peter Jackson, 2001, 2002, 2003) : 

« Je déteste jouer à cache-cache avec vous ! »

La question des adaptations littéraires au cinéma est un incontournable du monde du 7éme art. Pas un grand succès littéraire grand public ne vient sans au moins la question d’un projet de version audiovisuelle. Et l’héroïc-fantasy est bien sûr un modèle. Mais dès lors une interrogation vient, même si on gage que beaucoup de producteurs attirés par l’appât du gain n’ont pas daigné se la poser : comment faire une bonne adaptation ? Après tout, une œuvre existe déjà, et pour remplacer tous les imaginaires singuliers que se sont construits dans leur coin chaque lecteur par un seul (car soyons honnête, une fois que nous avons vu une adaptation, c’est son univers qui reste), il faut une bonne raison. Sur ce sujet, j’ai ma petite idée et c’est à la fois toute bête et bien entendu pas si simple. Il faut un réel parti pris artistique. Pas une adaptation gratuite, type mise en image des mots du livre (coucou l’adaptation de « Narnia »).  Il faut comprendre qu’on a pas choisi le cinéma pour rien et identifier ce qui dans le livre s’adapte le mieux à ce médium. Tout en ne mettant pas tout sur l’esthétique et en conservant la substantifique moelle, au risque de tout priver de sa saveur (coucou la première adaptation de « A la croisée des mondes »). Etre conscient que cela implique de faire des choix, bien sûr, qui ne manqueront pas de provoquer la tristesse des fans (c’est comme ça, un fan, c’est souvent chagrin). D’ailleurs ce n’est pas pour rien que les séries deviennent aujourd’hui des vecteurs plus privilégiés, tout simplement parce qu’elles permettent de prendre le temps. Et donc adapter. Adapter selon une vision d’artiste. On reconnaît très vite les adaptations où un vrai metteur en scène a pu mettre sa patte. Quitte à vraiment adapter, mais tant mieux ! Je préfère toujours une réelle prise de risque à quelque chose de désastreusement plat (coucou l’adaptation d’ « Eragon »). J’ai besoin de sentir un artiste derrière et pas juste une adaptation commerciale basique dont on a la gênante impression qu’elle est seulement là pour soutirer au geek, vaches à laits du cinéma moderne, quelques deniers (coucou l’adaptation d’ « Harry Potter ». Oui, je vais me faire frapper mais j’assume mon avis). Je peux avoir l’air prétentieux et théseux en expliquant tout cela, et je suis conscient qu’adapter n’est pas si facile. La question est beaucoup plus complexe. Combien de films que j’ai adorés ont été adapté de livres ? Beaucoup, et je me demande si je les aimerai autant si j’avais lu lesdits livres avant. Néanmoins, l’idée de se demander qu’est-ce que le cinéma, spécifiquement, va apporter à un récit et le faire avec un point de vue artistique fort, reste pour moi essentiel. Etsi j’explique tout cela, ce n’est pas parce que moi je le dis, c’est parce que Peter Jackson le montre. Il n’est pas seul bien sûr, mais c’est le plus bel exemple. Le néo-zélandais a compris ce qui dans « Le Seigneur des Anneaux » faisait sens au cinéma : l’épique. Et il l’a porté à un niveau que plus personne depuis, n’a atteint, et surtout pas ces crèves-cœurs que sont les adaptations du Hobbit, dont on a peine à croire qu’ils sont du même metteur en scène. La trilogie de Jackson est donc une démonstration sur l’épique au cinéma, c’est pourquoi je les regarde, c’est pourquoi je les adore. Et l’amour du style littéraire, il l’a laissé aux fans du bouquin, qui personnellement me tombe un peu des mains quand Tolkien commence à décrire ce qui s’est passé dans un ruisseau sur dix générations précédentes (caricature facile, bien sûr et j’ai en vérité un grand respect pour l’œuvre, ne serait-ce que pour son world-building). Par ailleurs, cette concentration sur le grandiose est un parti pris artistique fort. Elle amène en soi une réalisation à la puissance détonante, ni trop tape à l’œil, ni trop absente, focalisé sur la transmission la plus brute possible de sensations fortes. Voilà donc la plus grande réussite de cette œuvre : être une des adaptations qui fait le plus l’unanimité. Pour le reste, est-il vraiment besoin d’expliquer ce que j’aime dans ces films ? La même chose que la plupart des autres : presque tout, car presque tout est culte. A regarder en version longue (même si celle du premier et du deuxième ont de belles longueurs), car une telle œuvre de cinéma s’apprécie dans son entier.

La scène : Qu’on me pardonne de ne pas choisir « Vous ne passerez pas » même si comme de nombreuses personnes cette scène a eu sur ma jeunesse un effet incroyable, mais en l’honneur du fait que « Le Retour du Roi » est mon favori des trois, je vais choisir le discours d’Aragorn devant la Porte Noire.

6. Star Wars, Episode I : La Menace Fantôme, Episode II : L’Attaque des Clones, Episode III : La Revanche des Siths, Episode IV : Un Nouvel Espoir, Episode V : L’Empire Contre-attaque et Episode VI : Le Retour du Jedi (George Lucas, Irvin Kershner, Richard Marquand, par ordre chronologique de sortie des films, 1977, 1980, 1983, 1999, 2002, 2005) : 

« J’ai un mauvais pressentiment à propos de cette nouvelle trilogie ! »

Etablir un classement entre « Star Wars » et « Le Seigneur des Anneaux », pour le joyeux geek que je suis, est une entreprise extrêmement difficile. Ce n’est pas comme choisir entre mon père et ma mère (n’exagérons rien), mais tout de même, c’est complexe. Il faut faire confiance à une sorte de sentiment instinctif sur ce qui résonne le plus à l’intérieur de son être de fan. A ce petit jeu, la Galaxie lointaine, très lointaine, dépasse d’une courte tête la Terre du Milieu. Bon, autant le dire tout de suite, la nouvelle trilogie n’est pas incluse. Si je pouvais défendre, et ait défendu, le nommé comme tel Episode VII et même le nommé comme tel Episode VIII, le désastre grotesque qu’est le nommé comme tel Episode IX, plus grand calvaire de spectateur devançant même l’ultime saison de Game of Thrones, m’a fait me rendre compte de ce que je ne voulais pas voir. A mes yeux, il n’y a rien là-dedans qu’une monumentale opération commerciale que quelques tentatives intéressantes ne rattrapent pas. Poubelle. Restons avec George Lucas. Prélogie incluse. Ah, voilà de nouveau un débat, et on ne manquera pas de me le reprocher. Tant pis, je persiste et signe, si je pourfends la nouvelle trilogie, je défends la prélogie, ne serait-ce que parce que c’est toujours l’auteur originel aux manettes. Et en reconnaissant bien volontiers les défauts de celle-ci, concentré par ailleurs principalement dans l’Episode II aux scènes d’amours il est vrai assez nanar. De toute façon, les fans hardcore de Star Wars sont les pires de tous, capable de jeter tout un film pour un seul personnage (j’aimais bien Jar Jar Binks moi, bordel) et les seuls à ma connaissance avec ceux de Matrix a rejeter la majeure partie des œuvres cinémas de l’univers qu’ils adorent (certains allant même jusqu’à critiquer « Le Retour du Jedi » à cause des ewoks), je ne peux que provoquer leur courroux. Allons-y gaiement donc. Si la prélogie est à mes yeux fascinante, ce n’est pas seulement pour le plaisir intense de type « pop-corn » qu’elle provoque, fan-services compris (Yoda qui tire son sabre, j’étais fou), c’est parce qu’à la fin, les méchants gagnent. Aussi, si on regarde tous les films signés Lucas à la suite, on se rend compte que tout ceci devient l’histoire de Dark Vador, sur un modèle en opposition avec le récit initiatique classique (le « Voyage du Héros » devenant « La Chute du Tyran »). Et c’est passionnant. D’ailleurs, de nombreux détracteurs de la prélogie défendent plus volontiers l’Episode III, apogée de cette logique, fascinant de par son côté sombre. On sait tous plus ou moins ce qu’il va s’y passer mais il n’empêche, c’est extraordinaire. Et, n’en déplaise à certains, l’Episode I et l’Episode II ont d’indéniables qualités, de scènes, de personnages, de musique et de world-building. Bon, bien entendu, il ne faut pas seulement parler de la prélogie et reconnaître, évidemment,  que le cœur de Star Wars réside dans les trois films originaux. Si l’épisode IV a malheureusement mal vieilli et si on y voit bien qu’à l’époque pas grand monde du casting n’y croyait à fond, il reste l’origine d’une telle mythologie qu’il ne peut que forcer le respect. Sur l’Episode V, tout a déjà été dit et il faut bien reconnaître qu’il est légendaire. Mais, c’est ainsi, mon petit préféré reste l’Episode VI conclusion génialissime de toute cette histoire (et ce n’est pas seulement parce qu’il y a l’Amiral Akbar).

La scène : « It’s a trap », Amiral Akbar forever.

5. OSS 117 : Le Caire Nid d’Espions et OSS 117 : Rio ne répond plus (Michel Hazanavicius, 2006 et 2009) : 

« Excusez la tenue, je sors de la douche ! »

Il y a toujours ce film. Ou ces films. Le délire maximal avec ses amis. Celui dont on a, ensemble, poncé jusqu’aux moindres détails. On aime se balancer des répliques célèbres, mais ces répliques là c’est encore le niveau au-dessus. On les intègre à notre vie, on les répète encore et encore. On connaît certaines scènes par cœur. Parfois, on les rejoue ensemble. Et, si c’est une comédie, on rigole encore et encore. Plus le délire s’accentue, plus on rigole en fait. Ce ou ces œuvres font partie(s) du décor de certaines de nos amitiés. Mais pas question d’être exclusif. Si on croise au hasard d’une discussion d’autres adeptes, quelqu’un qui fait un clin d’œil ou qui en comprend un, alors on est ravi et ça part sans faute en enchainement de punchlines. Ce n’est certainement pas un secret pour beaucoup de mes amis qu’en ce qui me concerne, il s’agit des deux volets de « OSS 117 ». Je ne compte plus le nombre de fois où j’ai balancé une de ses phrases ou refait carrément un moment entier que je connais, bien sûr, sur le bout des doigts. Les complices de ce délire se reconnaîtront aisément s’ils lisent ces lignes. Comment ne pas être autant attaché à quelque chose qui nous a procuré autant de bons moments entre amis ? Ce qui est d’autant plus extraordinaire, c’est que le premier visionnage du « Caire, nid d’espions » m’avait laissé une impression « sympathique » (pour reprendre le mot d’Hubert), mais sans plus. « Rio ne réponds plus », en revanche, fut un coup de cœur au premier regard, mais en même temps, je commençais déjà à délirer sur le premier volet. Evidemment, le débat se pose souvent : quel est le meilleur des deux opus ? Il y a l’école du Caire et celle de Rio, même si aucune d’entre elles ne crachent sur l’autre. On a sa préférence mais on respecte celle des autres. Moi, je fais partie de ceux, sans doute une majorité, qui refusent de choisir. Je suis autant attiré par la patte plus « absurde » du premier que par la patte plus « humour noir » du deuxième. Tout ceci étant dit, les qualités de « OSS 117 » vont bien au-delà du simple délire entre amis. Il y a bien le côté pastiche « camembert / baguette » de James Bond, mais c’est encore plus fort que cela. L’une des choses les plus jouissives des deux films à mes yeux est en effet ce défonçage en règle du complexe de supériorité français et de beaucoup de manies insupportables de notre peuple. C’est une entreprise d’autodérision formidable. Et c’est elle qui permet tout le reste. Le génie des auteurs de « OSS 117 » est là : avoir établi un bouffon qui peut tout se permettre leur permet d’aller extrêmement loin dans l’humour noir et le second degré. On peut profiter de la catharsis formidable de ce rire en bonne conscience, puisqu’on sait que le dindon de la farce à la fin c’est toujours Hubert. Hubert qui, bien sûr, ne peut être séparé de Jean Dujardin, dont la rencontre avec ce personnage fait partie d’une alchimie rare. Son talent comique est ici tel qu’on comprend parfaitement que certaines scènes aient été difficiles à tourner pour ses camarades, sérieux à garder oblige. Attention, néanmoins, qu’on n’accuse pas « OSS 117 » de simplisme. Les répliques sont un travail d’orfèvre et les situations touchent au sublime. Encore une illustration que oui, on peut rire de tout, mais pas n’importe comment. J’en ai été d’autant plus attristé de voir Hazanavicius professer que l’ambiance n’était plus à ce type d’humour (j’ai même écrit une tribune dans un site contributif de l’Obs pour m’en récrier). Au contraire, mon cher Michel, au contraire. Enfin, un troisième volet se fera sans lui, que j’attends avec circonspection, comme de juste, mais avec l’espoir pas vraiment secret qu’il viendra enrichir le délire.

La scène : le choix est incroyablement difficile, mais je le porte sur la scène de l’ambassade allemande dans « Rio ne répond plus », extrêmement représentatif du génie comique particulier de ces films.

4. La Trilogie Matrix : Matrix, Matrix Reloaded et Matrix Revolutions  (Larry devenu Lana Wachowski et Andy devenu Lilly Wachowski, 1999 pour le premier film et 2003 pour les deux autres) : 

Cuir.

A toutes sagas, il faut un sommet et voilà donc le mien. Et c’est peu dire qu’affirmer que mon amour pour celle-ci n’a pas été atteint d’une quelconque manière pendant mon plus récent visionnage. Au contraire. Là où certains iront vers « Le Seigneur des Anneaux », d’autres vers « Star Wars » et d’autres encore vers « Harry Potter » (on est riche de nos différences), mon choix est fait : ma saga grand public culture préférée, c’est « Matrix ». Et tous les Matrix, je le répète et je l’affirme, encore et encore. Car, si je peux comprendre certaines réserves concernant la prélogie de « Star Wars », les critiques à l’égard de « Reloaded » et « Revolutions » me donnent des envies de débats passionnés. Certes, je peux imaginer qu’une fois le choc du premier opus passé, pour certains la suite soit plus fade. L’effet de surprise est passé. Mais l’histoire de « Matrix » se conçoit tellement du début jusqu’à la fin des trois films, qu’il est inimaginable pour moi de les séparer. J’imagine aussi qu’on m’affirmera que « Reloaded » et « Revolutions » cèdent plus au grand spectacle. Peut-être, et alors ? C’est tellement bien fait que ça ne me dérange absolument pas. Il y a aussi la critique dite « on comprend rien, ça ne veut rien dire ». Bon, je ne m’engagerai pas sur le terrain de « ce n’est pas parce qu’on ne comprend pas que ça ne veut rien dire » (bon en fait vu que je l’ai dit, je m’engage un peu sur ce terrain, hi hi), mais simplement dire qu’il n’y a rien de si obscur dans les deuxième et troisième opus. Juste différents niveaux de lecture, ce qui est loin d’être un défaut pour une œuvre. De plus, le vertige y devient encore plus passionnant, comme par exemple à travers la conversation avec l’Architecte. Et même la différence de qualité ne tient pas. Même si « Matrix » est excellent, « Reloaded » et « Revolutions » amènent des personnages incroyables, des scènes fabuleuses, une musique dingue et une réalisation plus qu’à la hauteur. Cette défense de la trilogie passée, parlons de pourquoi cette saga est pour moi un sommet. C’est un sommet parce que, j’ai employé le mot plus haut, c’est un vertige. Narrativement, le choc de « Matrix » est un des plus grands de l’histoire des fictions, pas seulement du cinéma. Les Wachowski n’ont rien inventé, me dira-t-on, mais on n’invente jamais rien totalement. Et une telle symbiose d’inspirations, particulièrement spirituelles et littéraires au sens large, est magnifique. En rajoutant la touche personnelle des auteurs, on arrive à un tel séisme. La force dramaturgique du réveil de Néo est gigantesque. L’idée de la Matrice est un coup de génie. Rarement la découverte de quelque chose dans un film, dont les prémices sont distillées habilement tout au long du début du premier opus, a été aussi incroyable. C’est le point de départ, et tout derrière depuis les Agents jusqu’à Zion, vient de là et se rajoute comme autant d’idées extraordinaires pour colorer ce tableau. Il y en eut, pour moi, des rêves agités et fiévreux la nuit ayant suivi ce visionnage. Une fois un tel potentiel posé, encore fallait-il suivre derrière. On a déjà vu ce que j’en pensais. Reste à rendre hommage aussi à la rupture provoquée dans le cinéma d’action : si aujourd’hui, on a tous vu un peu partout des gens faire du « Matrix », il faut se représenter le coup de poing que cela a été à l’époque. Dans ce domaine-là comme tous les autres, il a été immense. Un quatrième volet est en préparation. Je ne peux pas m’empêcher de l’attendre avec un grand pessimisme. Il faut se rendre compte quand on a bien fini quelque chose.

La scène : Elle concerne bien sûr le meilleur personnage de la trilogie, l’Agent Smith, merveilleusement interprété par le génial Hugo Weaving : il s’agit de celle où il explique pourquoi selon lui l’humanité est « un virus ». Un discours terrible, mais qui n’en finit pas de résonner.

3. Big Fish (Tim Burton, 2003) : 

« Qu’est-ce qui te fait dire que j’aime les fleurs jaunes ? »

Voilà donc le podium, et il commence avec un gros poisson. Tim Burton a eu beau avoir une carrière assez erratique depuis lors, et m’avoir franchement déçu avec son « Alice », au fond ce n’est pas si grave et je lui pardonne, car il est l’homme qui a fait « Big Fish ». Il y a certains films, certaines œuvres en général d’ailleurs, qui semblent comme s’adresser directement à votre âme. « Big Fish » m’a procuré cette sensation. Il est impossible de décrire précisément, de manière juste, à quel point et comment cette histoire m’a autant touché. Mais je peux essayer de l’expliquer au moins en partie. Cela repose bien sûr sur cette histoire : un fils fatigué des récits abracadabrantesques permanent de son père, apprend à mieux le connaître à la fin de sa vie, découvrant en même temps que le spectateur son existence raconté sous forme de nombreux contes. Ici, je dois faire un pas de côté, et raconter à mon tour une histoire personnelle, où se trouvent aussi des géants. Lors d’un voyage familial en Irlande, nous nous rendons à un endroit célèbre nommé « La Chaussée des géants ». Mes parents, à l’aide d’un guide, nous explique deux versions de l’histoire. La première veut qu’un géant ait construit l’endroit en forme de pont pour aller se battre avec un autre, mais constatant, à cause de la perspective, que son ennemi était beaucoup plus grand que ce qu’il pensait, il détruisit la majeure partie du pont. La deuxième était une explication assez complexe sur de la géologie que bizarrement je n’ai pas retenu, mais où certains auraient pu trouver, pourquoi pas, une autre forme de magie (je le dis très sérieusement). En tout cas, mon frère, très jeune à l’époque, fit une réflexion, qui m’a beaucoup marqué. Il expliqua que, même s’il savait pertinemment que la vérité était du côté de la géologie, l’histoire des géants était plus amusante et c’est à celle-ci qu’il préférait croire. Il y a beaucoup de « Big Fish » dans cette manière de penser. Oui, les récits du père sont extravagants, mais ils sont beaux et rendent la vie plus belle. Et par ailleurs, comme le découvrira son fils, ils ne sont pas faits que de mensonges, seulement d’exagérations. Il sera temps alors, de reprendre le flambeau des histoires pour accompagner son père vers la mort, puis les transmettre aux nouvelles générations. C’est une histoire merveilleuse sur le merveilleux. C’est une fable sublime sur l’enchantement à trouver dans le quotidien. Un conte sur la force de l’imaginaire. Un vibrant plaidoyer pour l’émerveillement. Tout ceci à la fois et c’est ce qui le rend si beau. « Big Fish » nous dit : inventez des histoires partout et tout le temps, faites de votre vie un récit, rêvez éveillé, imaginez. Qu’importe que tout cela ne soit pas totalement vrai ou même pas vrai du tout, tant qu’au fond vous en avez conscience. Et puis, il parait que quand la légende est plus belle que la vérité, on imprime la légende. Le tout est, comme mon frère, de le faire en conscience et de savoir pourquoi on le fait. Parce que c’est plus amusant, parce que c’est plus beau. « Big Fish », l’affirme avec un sourire radieux aux lèvres. Voilà comment au mieux raconter comment cette splendeur m’a touché au plus profond de mon être.

La scène : celle où le père demande à son fils de terminer son histoire. Combien de larmes ai-je pu pleurer à ce moment je n’en sais rien, mais beaucoup.

2. The Dark Knight : Le Chevalier Noir (Christopher Nolan, 2008) : 

« Attendez votre crayon est bloqué, je vais l’enlever ! »

Si le film suivant est mon film préféré, « The Dark Knight » est mon film culte. La différence, d’ordre assez instinctive, n’est pas aisée à expliquer, mais l’une des meilleures manières de le faire serait de dire qu’il y a dans le film culte quelque chose majoritairement lié au jouissif. C’est un plaisir pur et brut. Regarder « The Dark Knight » pour moi, c’est redevenir un adolescent, voire même un gosse. Je pourrai applaudir certaines scènes seul devant mon écran, sautiller comme un cabri tout excité face à d’autres, me prendre au jeu encore et encore alors que je sais pertinemment ce qui va se passer, rire d’un rire de contentement profond, dire un tas de répliques avant même qu’elles soient prononcées et ce sans aucune forme d’arrière-pensée ou de distance. Plaisir décérébré ? Certainement pas ! Je pourrai expliquer en long en large et en travers pourquoi, il s’agit, au-delà d’un film de super-héros, d’un film formidable. L’avant et l’après que marque ce film va chercher beaucoup plus loin que son seul genre. Au rang des raisons les plus notables : la passionnante variation sur le personnage du héros, pris dans sa confrontation avec son plus grand adversaire. Superbement crépusculaire, l’histoire de « The Dark Knight » n’est pas pour autant désespéré. Elle est simplement crue, et tente de parler du monde tel qu’il est plutôt que de le fantasmer. D’une force beaucoup plus importante que « Batman Begins » et moins ampoulé dans son discours que « The Dark Knight Rises » (les deux étant plaisant, mais à mes yeux bien moins notables et d’ailleurs absents du classement), « The Dark Knight » est une bombe. Après, il faut que je sois honnête. Certes, ce que je viens de dire, je le pense clairement : ce film est passionnant à analyser. Certes, la réalisation de Christopher Nolan est toujours aussi dingo. Certes, la musique d’Hans Zimmer et de James Newton Howard est ma préférée de tous les temps. Certes, tout le casting est impeccable. Mais la principale raison de mon amour pour ce film, c’est bien entendu la présence du plus grand méchant de l’histoire du cinéma, du personnage le plus génial qu’il m’ait été donné de voir sur un écran : le Joker de Heath Ledger. Depuis mon mémoire académique sur « Le personnage du méchant au cinéma » jusqu’à mon classement des plus grands méchants du 7éme art où il truste la première place, j’ai tout dit sur ce personnage. Cependant, force est d’avouer qu’il est le pilier de mon amour pour ce film. Il provoque les répliques et les scènes les plus mémorables. Il amène l’histoire à un immense niveau de délice. C’est un jeu d’acteur comme une déflagration. Une performance dont je ne peux me lasser. Et si on ajoute à cela qu’il y a de nombreuses parties improvisées dans tout cela… Dire qu’en allant voir le film pour la première fois (en VF, faute de VO à Marseille pour les films grands publics, à l’époque, le croyez-vous ? Bon, j’ai bien évidemment savouré la VO ensuite, rassurez-vous), le personnage du Joker m’attirait beaucoup, le traitement réaliste promis attirait mon attention, mais je n’étais que vaguement fan de Batman et n’avait pas vu beaucoup d’images du film. Oui, il y a eu un avant et un après. En sortant de la salle, je savais qu’un film venait de faire une entrée fracassante dans mon panthéon culturel.

La scène : « Why so serious ? ».

1. Le Voyage de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001) : 

Face à un autre monde qui reste à découvrir.

Quand on annonce un classement culturel, la première place fait bien entendu l’objet du plus grand intérêt. On se demande ce qui fait que telle ou telle œuvre en vient à remporter la médaille d’or. Pourtant, en ce qui me concerne, il y a toujours eu dans cette première place une forme d’évidence. Il était même beaucoup plus facile de l’identifier que de réaliser le reste du classement. Vu la présence importante de nombreux films de Miyazaki, ce n’était pas un secret que « Le Voyage de Chihiro » allait finir par pointer son nez à un moment ou un autre. Il a fallu attendre la toute dernière marche. Alors, voilà, c’est donc ce film qui est mon film préféré tous genres confondus. Oui, et comme je le disais, il y a une forme d’évidence. Car aucun film n’a atteint le choc de spectateur qu’a été « Le Voyage de Chihiro ». Le choc le plus hors du commun que j’ai connu. D’ailleurs, sans exagération et avec tout l’amour profond que je porte aux autres films du classement, aucun ne s’en est réellement approché, si ce n’est « The Dark Knight » mais pour de toutes autres raisons. Oui, « Le Voyage de Chihiro » est ma merveille des merveilles. C’est peut-être même mon œuvre d’art préféré, s’il fallait prendre l’art dans son ensemble, voire mon œuvre préféré tout court en incluant la littérature. Car il n’y a pas une seule seconde de ce film, de la première jusqu’à la dernière, qui ne soit pour moi une splendeur. Il y a quelque chose d’incroyable dans le fait de sentir une admiration pareille. Tout est marqué d’une telle poésie, d’une telle beauté, d’une telle force, d’une telle inventivité, que lorsque que je le regarde, c’est comme si mon être entrait en symbiose avec ce film et quelque chose à ce point-là, je ne le retrouve dans aucun autre. Je m’arrête là pour ce niveau d’éloges, seulement de crainte de placer des attentes trop élevés dans l’esprit de ceux ne l’ayant pas encore vu (les chanceux, quelle découverte ils peuvent faire). On pouvait néanmoins se douter que pour un passionné comme moi, ledit éloge allait partir dans de telles hauteurs. Il y a bien sûr une part extrêmement personnelle dans tout cela. Ce n’est pas pour rien que « Le Voyage de Chihiro » est reconnu par une grande majorité comme l’un des plus grands chefs d’œuvres cinématographiques mais s’il se trouve à la première place de mon classement, il y a forcément quelque chose de l’ordre du rapport personnel à une œuvre (l’occasion de rappeler encore le côté subjectif de ce classement). On pourrait y voir mon rapport très particulier à Miyazaki, et c’est juste, mais même dans ceci « Le Voyage de Chihiro » en est le point de départ. C’est ce film qui, après la séance compliqué de « Princesse Mononoké » a lancé mon amour profond pour ce cinéaste, et pourtant, vu l’expérience précédente, j’y suis sans doute allé à reculons. Ainsi, pas d’effet « fan de Miyazaki », du moins pour le premier visionnage. Alors quoi ? Les thèmes, bien entendu, me touchent énormément. Le dessin est à mes yeux sublimes. L’imaginaire déployé me fait rêver de manière incroyable. L’histoire, variation d’ « Alice aux pays des merveilles » sans en être, est pour moi un fabuleux voyage. Et puis, il y a tout un tas de choses qui ne s’explique que peu, voire pas du tout et qui simplement se ressentent dans l’être de quelqu’un. C’est pour moi, au fond, une belle manière de terminer ce classement : dans toute expérience de spectateur il y a quelque chose qui appartient à chacun. J’espère avoir pu vous transmettre au mieux mon amour de tous ces films, mais il restera tout un ensemble de choses qui resteront personnelles. A vous de vous faire vos propres souvenirs en découvrant les films de ce classement que vous ne connaissez pas. A vous aussi, de vous replonger dans vos propres souvenirs et d’en goûter de nouveau toute la saveur. Vive la beauté du cinéma.

La scène : à film préféré, scène préféré et pour moi il s’agit donc de celle du train sur l’eau, merveille de simplicité poétique qui résonne de manière sublime après le foisonnement magnifique de tout ce qui s’est passé avant, apportant une note de calme rendant la symphonie encore plus belle, marquant mon imaginaire d’une fabuleuse image. Un cadeau, le plus beau de tous les merveilleux cadeaux que m’a offert le cinéma.

Voilà c’est la fin de ce voyage amoureux au sein de ma filmographie, j’espère qu’il vous a plu !

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place.

De la 150éme à la 126éme place. 

De la 125éme à la 101éme place. 

De la 100éme à la 76éme place. 

De la 75éme à la 51éme place. 

De la 50éme à la 26éme place.

De la 25éme à la 11éme place.

25. Memento (Christopher Nolan, 2000) : 

« Alors, 1 kilo de farine… »

Avant de débarquer en « drift roue arrière » sur le terrain du blockbuster, Christopher Nolan a notamment réalisé « Memento ». Un film dont le pitch suffit à rendre bouchée bée. C’est simple, au niveau de l’audace scénaristique, c’est le premier film de mon classement. Pourquoi ? Parce que c’est un film à l’envers. A l’exception de certaines scènes en noir et blanc, toutes les scènes en couleur sont montées en ordre chronologique inversé. Le personnage principal a subi un traumatisme qui l’a privé de sa mémoire à court terme. Du coup, il oublie tout ce qu’il vient de se passer au bout de quelques minutes. Ainsi, le film, co-scénarisé avec son frangin, à qui il faut aussi rendre hommage, colle au plus près de ce handicap dans sa construction. Et cela donne une masterclaque. Si un jeune scénariste expliquait cette idée pour convaincre un producteur, il y a fort à parier qu’il ne récolterait pour tout financement qu’un éclat de rire. Christopher lui, est tombé sur un doux dingue qui a dit « banco ». Et Christopher les a posé sur la table, dans le plus grand des calmes. C’est peut-être dans « Memento » que réside l’apogée de deux obsessions du réalisateur, intimement liées : la distorsion du temps et la distorsion du récit. Aussi, il s’agit définitivement d’un incontournable dans sa filmographie. Il est fastidieux et inutile d’en dire beaucoup plus notamment par rapport à l’histoire. Si vous avez vu « Memento » vous connaissez sans doute le choc. Si vous ne l’avez pas vu, il ne vous reste plus qu’à le vivre.

La scène : la fin du film, en forme de tarte dans la gueule, où on comprend tout le caractère terrible de l’histoire qu’on vient de voir et qui nous laisse en réflexion un long moment pour bien appréhender.

24. Les Lumières de la ville (Charlie Chaplin, 1931) : 

« Un, non, deux policiers. Ah ah c’est rigolo on dirait des jumeaux ! »

Moins connu que d’autres réalisations du géant Chaplin, « Les Lumières de la ville » n’en est pas moins une splendeur. C’est un équilibre absolument impeccable entre comédie et drame. Les moments de bravoures s’enchainent. On rit, on pleure, ou peut-être les deux à la fois, on ne sait plus. C’est la vie en plus grand qui irradie de l’écran. Tout à la fois histoire d’amour formidable, comédie hilarante, film si touchant, merveille de jeu d’acteur, c’est un voyage émotionnel formidable. Il y a tout à la fois la magie du meilleur burlesque et une histoire bouleversante. Sublimation du personnage de vagabond magnifique qu’était Charlot, « Les Lumières de la ville » est le premier film sonore de Chaplin, mais sans dialogue. C’est ainsi mon film muet préféré, et de loin. Il fait partie de ces films où on sent toute la saveur d’une certaine époque, d’une beauté perdue, certes remplacée par une autre (on ne me trouvera pas dans le camp des « c’était mieux avant »), mais si particulière. Pépite de nostalgie douce, c’est tout à la fois une défense superbement désespérée d’une pantomime qu’on abandonne partout ailleurs, et une bouleversante déclaration d’adieu à celle-ci. Alors que tout le monde s’enthousiasme pour le parlant, Chaplin persiste et signe une dernière fois, de manière incroyable. Il sera ensuite temps d’accepter le changement pour de nouvelles merveilles. Laissant « Les Lumières de la ville » sur son propre sommet, aussi immense que son auteur-réalisateur, c’est-à-dire plus que gigantesque.

La scène : la fin, l’illustration la plus sublime que les moments les plus beaux peuvent se passer de paroles.

23. Le Roi et l’Oiseau (Paul Grimault, 1980) : 

Un peu plus que deux tours.

Enfant, alors que la plupart des autres gosses revoyaient encore et encore les classiques Disney, je faisais mon original. Oh bien sûr, vous l’avez compris en lissant ce classement, je n’ai pas du tout été insensible aux charmes des films de Walt. Mais nombre d’entre eux, pourtant de grands classiques, ont échappé à mes jeunes années (j’ai par exemple vu « Le Roi Lion » à vingt ans pour la première fois, oui, oui !). Pendant ce temps-là, j’allais chercher d’autres merveilles. Et l’une des plus belles était le dessin-animé « Le Roi et l’Oiseau », assez loin dans son style des productions américaines. En bon gamin passionné je ne me lassais pas de voir et revoir. Aujourd’hui, je m’en souviens avec tendresse, et je conseille à n’importe qui, de tout âge, de voir cette fable politique et sociale appréciable par tous. Parce qu’à l’œil, c’est tout simplement une merveille. Parce qu’il est marqué dans ses textes par la géniale folie de Jacques Prévert. Parce qu’il est d’une inventivité visuelle et scénaristique extraordinaire. Parce qu’il a inspiré rien de moins qu’Hayao Miyazaki. Et pour pleins d’autres raisons. Premier long métrage d’animation français mis en chantier, commencé en 1946, après la première sortie désavouée par ses auteurs, il a été achevé en 1980 (!), notamment pour des questions budgétaires. Face à tant d’originalité, face à tant de poésie, face à tant d’images marquantes, face à la beauté de cette histoire, on se dit que l’attente en valait plus que la peine. A voir et à revoir avec la même saveur délicate et douce qui transporte tout le film.

La scène : Les feux d’artifices ou l’atelier de poterie à l’effigie du roi m’ont beaucoup marqué, le moment où la bergère et le ramoneur s’anime ou la chanson de l’Oiseau de même, mais le moment le plus extraordinaire est à mes yeux la fin incroyable avec le géant de fer.

22. L’Etrange Noël de Monsieur Jack (Henry Selick, 1993) : 

« Nom d’un squelette, où ai-je mis les croquettes spectrales ? »

Le voilà, l’autre classique atypique de mon enfance. Quand beaucoup de gamins connaissaient par cœur les chansons Disney du « Roi Lion », moi mes chansons favorites venaient de « L’Etrange Noël de Mister Jack ». Depuis la géniale chanson d’ouverture « Bienvenue à Halloween » jusqu’à « Que Vois-Je ? », en passant par la lamentation de Jack, le kidnapping du « Perce-Oreille », la chanson d’Oogie Boogie, celle de Sally ou la complainte vers la fin, je ne me lassais pas de ces pépites composées par le génial Dany Elfman. Avant bien sûr de découvrir avec un plaisir équivalent les versions anglaises une fois grand. Mais les qualités de « L’Etrange Noël de Mister Jack », ne s’arrêtent évidemment pas à la musique. L’identité visuelle du film, délicieuse, annonce à merveille le style si particulier du réalisateur Henry Selick (et oui, Tim Burton n’est « que » l’inventeur de l’histoire), dont c’est le premier film. Quant à l’histoire de Tim, follement originale, elle est tout bonnement géniale. L’idée de base, des villes correspondant à chaque fête, est déjà excellente. Sa mise en œuvre, remplie de trouvailles et de moments grandioses, est incroyablement prenante, mais aussi très touchante.  On suit avec un plaisir immense Jack dans sa quête impossible pour remplacer le Père Noël. Les personnages, notamment ceux de la ville d’Halloween sont fabuleux. A nouveau, bien qu’œuvre à priori jeunesse, « L’Etrange Noël de Mister Jack » se déguste à tout âge. Ne serait-ce que parce que tout le monde peut apprécier cette fable sur l’acceptation de qui on est. Mais en tout cas, oui, gosse, je préférai un monde gothique peuplé de monstres à des contes de fées de princes et princesses. Chacun ses goûts, et je pense que je n’étais pas seul. Team « Roi des citrouilles », les loulous. Big up à ceux qui savent.

La scène : c’était très difficile de trancher avec « Que Vois-Je ? » mais la chanson « Bienvenue à Halloween » est un must.

21.  Monty Python : Le Sens de la Vie (Terry Jones, 1983) : 

« C’est ici la soirée ? »

L’absurde, c’est le dada des Monty Pythons. Et dans tous les longs-métrages qu’ils nous ont offerts, « Le Sens de la Vie » est un sommet d’absurde. Aucune autre de leurs œuvres cinématographiques n’atteint ce sommet d’inattendue et de décalage. C’est simple, l’enchainement des moments comiques de ce film m’a tout simplement mis à terre, en bas de mon canapé, hilare. Succession de sketchs sur l’existence suivant une vie humaine, « Le Sens de la Vie » est tout simplement le plus grand tour de force réalisé par la troupe de comiques à mes yeux. Seul bémol, sans lequel il serait encore plus haut dans le classement, la saveur des gags et des situations résidant principalement sur l’absurdité totale, le film devient moins appréciable au deuxième visionnage, une fois l’effet de surprise passé. Mais ce n’est certainement pas une raison pour bouder « Le Sens de la Vie », ses chansons incroyables (notamment « Every Sperm is Sacred », délicieusement provocatrice vis-à-vis du dogme catholique concernant les naissances) et ses moments inoubliables (dont un particulièrement dégoutant). Suicide de feuille morte, mousse de saumon empoisonnée, match de rugby déloyal, dérision des défilés militaires… c’est tout bonnement délicieux. Il y a même l’attaque d’un court-métrage sur le long-métrage. Oui, l’attaque d’un court-métrage sur le long-métrage. Ces gens sont des génies. C’est incroyable, c’est génial, n’en jetez plus, bravo, merci, bonsoir.

La scène : Dans tout ce monument d’absurde, il y a un sommet encore plus absurde que les autres moments : la scène où il faut trouver le poisson dans un endroit où il y a des personnages délirants. Une dinguerie totale qui m’a rendu hilare, et le mot est faible.

20. Il était une fois dans l’Ouest (Sergio Leone, 1968) : 

Elles ont changé, les illusions d’optique de France Télévisions.

Pour beaucoup, le sommet du western spaghetti, c’est « Le Bon, la Brute et le Truand ». Pour moi, c’est « Il était une fois dans l’Ouest ». Sommet du western spaghetti, et sommet du western tout court, d’ailleurs. Rarement un film aura pour moi autant transcendé un genre, depuis la formidable scène d’ouverture à la gare, tout en silences, attentes, tension et gueules, jusqu’à la tant attendu confrontation finale. Geste merveilleuse porté par un souffle permanent, habité jusqu’aux pupilles, « Il était une fois dans l’Ouest » confirme définitivement l’aspect presque mythologique des films de Leone. Tout y est formidable. L’histoire, l’une des meilleures du style, transcendant l’habituelle rengaine sur la quête de la vengeance et de la justice. Les personnages, mythiques, comme ce fameux tueur à l’harmonica. La musique, bien entendu, en symbiose comme rarement avec le film. Les décors, raconteurs de légende.  Le talent des interprètes, évidemment, au premier rang desquels l’immense Claudia Cardinale, Charles Bronson, tout en charisme et en silence et surtout Henry Fonda, juste dément de talent dans ce rôle de salopard à contre-emploi. Tout à la fois conte de la bassesse de l’homme, mais aussi de sa rédemption, et mise en scène éclatante de paysages, « Il était une fois dans l’Ouest » confirme qu’avant d’être un faiseur de western, Sergio Leone est un immense cinéaste. Plus qu’une pépite d’un genre, il s’agit là d’une œuvre splendide dotée d’une force incroyable.

La scène : le terrible flashback où l’on comprend les motivations de Harmonica.

19. La La Land (Damien Chazelle, 2016) : 

Choré Bison Fûté.

A chacun sa comédie musicale culte. Les puristes diront « Chantons sous la pluie » ou « West side story », les délurés « Rocky Horror Picture Show » ou « Blues Brother », les romantiques « Grease » ou « Moulin Rouge ! », les nostalgiques « Les Demoiselles de Rochefort » ou « Hair ». Pour moi, c’est « La La Land ». Voir ce film fut comme entrer dans un tourbillon. J’en sorti hébété, puis en larmes. La puissance cinématographique qui en émane est fabuleuse. Merveille visuelle, aux images composées comme des tableaux, aux chorégraphies magnifiques, « La La Land » est une grande œuvre de cinéma. N’en déplaise aux ronchons, sans doute (légitimement) énervés par le tintouin autour de sa sortie (proclamer « le meilleur film de l’année » alors que nous étions en Janvier, c’est pas très malin) l’ont boudé. L’histoire, bien sûr, est romantique et incroyable. Elle n’en reste pas moins touchante, moderne, complexe et même pleine d’inattendue, esquivant notamment le « happy end » classique. Loin d’être juste un bonbon sans profondeur, « La La Land » est l’occasion pour Chazelle de poursuivre son obsession : le surhumain et l’humain. Qu’il dépeigne un musicien aspirant dans « Whiplash » et son mentor horrible, qu’il s’intéresse à la folie de la conquête de la Lune dans « First Man » ou bien qu’il constate la mort d’un couple sur l’autel des carrières de chacun, Chazelle poursuit une réflexion semblable. C’est-à-dire, pour faire simple : quels sacrifices pour arriver à des objectifs démesurés ?  Aussi, avec « La La Land », ce bon vieux Damien acheva de devenir l’un de mes quatre chouchous parmi les réalisateurs du XXIéme siécle, ceux-ci étant Villeneuve, Nolan, Park Chan-Wook et donc Chazelle. Si vous ajoutez à cela une bande-son époustouflante de Justin Hurwitz (qui fut le coloc’ de Chazelle !) à écouter en boucle et sur laquelle délirer avec ses amis, comme il se doit dans une bonne comédie musicale, alors je suis conquis. Si vous rajoutez en plus Emma Stone, alors je suis envahi.

La scène : « Another Day of Sun » est un fabuleux moment cinématographique et musical, « Someone in the crowd » est ma chanson préférée du film, le concert avec John Legend est incroyable, l’ « Audition » d’Emma Stone est très touchante, mais la scène la plus folle reste, accompagnée par le morceau « Epilogue », la fin.

18. Princesse Mononoké (Hayao Miyazaki, 1997) : 

Le calme avant la tempête.

Si Hayao Miyazaki est devenu, à la faveur de ce dessin-animé, un maître de l’animation mondialement reconnu, ce n’est certes pas pour rien. On oubliera pas que c’est « Princesse Mononoké » dont le succès a permis la sortie en France de toutes les autres œuvres du génie japonais, y compris celles déjà connues du Japon depuis longtemps. Et pour cause ! Cette œuvre, unanimement reconnu comme l’une des plus grandes de l’un des plus grands, est de celle pour qui le mot merveille paraît presque être un euphémisme. A titre personnel, mon premier visionnage fut assez triste : terrorisé par la violence à laquelle j’étais allergique à l’époque, j’ai vite quitté la salle. Mais une fois devenu grand et plus vacciné à l’hémoglobine, je m’y suis remis. Et quelle claque ! On a déjà tout dit sur ce chef d’œuvre, il ne me reste plus qu’à paraphraser. Dire que les dessins sont sublimes. Que le film est une leçon fabuleuse, sans didactisme et moralisme (ce qui est incroyable !), sur la nature, le pacifisme, mais aussi le féminisme ou l’humanisme. Et qu’en réalité, c’est encore plus profond que cela. « Princesse Mononoké », c’est aussi un modèle d’anti-manichéisme. Miyazaki, à rebours de la plupart des dessins-animés et des films grands publics, marque par son acharnement à vouloir rendre complexes et compréhensibles tous les points de vues. Et bien entendu, c’en est d’autant plus marquant. Epopée marquée d’animisme, se déroulant dans un Japon médiéval mais pourtant si actuelle, « Princesse Mononoké » est de ces films qui marquent l’imaginaire pour toute une vie. On oublie pas ces moments grandioses, ces tableaux. On oublie pas ces personnages incroyables. San la princesse-loup bien sûr, première modèle pour les jeunes filles lassées des sempiternelles princesses, bien avant Katniss ou Arya, mais aussi le charismatique Ashitaka, la fascinante Dame Eboshi, Moro la louve géante, les petits Esprits des Arbres, le Dieu-Sanglier, l’Esprit de la Forêt, tous ont des couleur qui nous marquent pour toute une existence. Oui, merveille, le mot est faible.

La scène : au milieu de toutes ces scènes extraordinaires, celle des lépreux est celle qui m’a le plus marqué, car elle vient établir avec une force folle le message suivant : il n’y aura pas de simplisme dans ce récit.

17. Alice au pays des merveilles (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson et Hamilton Luske, 1951) : 

Chicha, FIFA et ça repart.

Le voilà donc mon Disney préféré. « Alice au pays des merveilles », bien sûr, tout sauf une surprise pour ceux qui me connaissent. Si je suis de manière générale pour relativiser les clichés dont souffrent les films Disney, accusées parfois un peu gratuitement de niaiserie et de platitude, je n’en reviens toujours pas que ce studio ait fait ce dessin-animé « Alice au pays des merveilles ». Il est assez incroyable que ce soit dans la fabrique de Walt qu’ait vu le jour la meilleure adaptation cinématographique du livre de Lewis Caroll et, sinon la plus fidèle (encore que !), au moins la plus proche adaptation de la folie de l’œuvre originale. Bien sûr, la plupart des calembours et jeux de mots, si littéraires et quasi-impossibles à retranscrire à l’écran, ont disparu. Mais au fond, qu’importe ! Pour cela on a toujours le livre. Et pour une vulgarisation jouissive, on a ce film ! Quelle dinguerie, mes amis. Quel plaisir. C’est délicieusement dément. Tout est fou, tout est culte. Le Lapin Blanc, les mets qui font grandir, le Dodo, Alice dans la maison, Tweedle Dee et Tweedle Dum, le Charpentier et Monsieur Morse, la Chenille, le Chat du Cheshire (ouiiiiii !), un Thé chez les fous (ouiiiii ! bis), les Fleurs, Alice perdue (snif), la Reine de Cœur… c’est incroyable. On a peine à croire que cela date des années 1950 et que c’était destiné à des enfants, même si ceux-ci peuvent y aller sans aucun souci. Je m’y suis dopé étant gosse et chacun y verra le résultat qu’il veut. Pour les adultes, il convient autant aux les amoureux de substances illicites, c’est-à-dire les gens qui consomment la drogue (qui ont d’ailleurs donné à ce film une seconde jeunesse à la fin des années 1960), qu’aux doux-dingues qui n’en consomment pas. Qu’importe que Walt Disney ait désavoué le film. Qu’importe que les critiques l’aient pour beaucoup démolies. Pour moi, c’est du génie en barres. Beaucoup plus fascinant et beaucoup moins sage que la daube sans saveur signée Tim Burton en 2010. Au lieu de me souvenir de ce qui fut l’une de mes plus grandes déceptions cinématographique, je préfère rester sur le kiff de ce dessin-animé.

La scène : Un joyeux non-anniversaire mon cheeeeeeeeeer.

16. Dans ses yeux (Juan José Campanella, 2009) : 

« Le TGV destination ‘Peine d’Amour’ partira voie… »

Bien que méconnu, « Dans ses yeux » est pour moi l’un des meilleurs policiers de l’histoire du cinéma et mon favori de ce style. Merveille des merveilles du cinéma argentin, « El Secreto de sus Ojos » en VO, est une œuvre fascinante qui résonne dans votre esprit de nombreuses heures après que vous l’ayez vu. C’est au cours de mon année universitaire en Argentine que j’ai compris les références culturelles sous-tendu par l’histoire, mais je vous assure qu’il n’y a pas besoin de les avoir pour apprécier. Certainement pas. Car l’histoire de « Dans ses yeux » sait toucher à l’universel. Evoquant aussi bien la petite histoire rencontrant la grande que l’impunité terrible, c’est d’abord et avant tout un film sur l’obsession de la justice et sur l’amour. Amour contrariée, amour terrible, amour qui rend fou, amour grandiose, tous ces amours-là donnent à cette histoire une force hallucinante. Quant à la justice… nul n’est besoin de trop en révéler, si ce n’est de dire que la fin du film, littéraire au sens fort, est à la hauteur des révélations les plus marquantes qu’ait connues et le cinéma. C’est aussi l’occasion d’une masterclass de deux des plus grands noms du cinéma argentin. Ricardo Darín, la superstar albiceleste, qui fait ici usage de tout son talent. Guillermo Francella, clown auguste devenu pour l’occasion clown blanc sublime dans le rôle de Sandoval, plus beau personnage du film, tout aussi touchant qu’hilarant (il faut un petit moment au public avant de saisir toutes ses excuses téléphoniques pour ne pas travailler). Mais il serait injuste d’oublier le reste d’un casting phénoménal, que ce soit la juge, l’amoureux brisé ou l’affreux tueur. Voilà bien une œuvre a conseillé à tous : autant aux cinéphiles en quête de nouvelles découvertes qu’à un grand public curieux. A priori, personne ne sera déçu. La force du récit de « Dans ses yeux » y veillera.

La scène : Bien sûr la fin est inoubliable, mais la plus belle scène du film est celle de la sublimissime tirade sur la passion, reprise d’un proverbe argentin, qui s’ouvre sur la plus grande action de bravoure cinématographique de l’œuvre : un plan-séquence dans un stade plein à craquer.

15. Le Dictateur (Charlie Chaplin, 1940) :

Bataille de tartes à la crème : next level.

Il a bien attendu Charlie Chaplin avant de se lancer dans le parlant. Il a bien pris son élan. Et il a bien fait, déjà parce qu’il a pu offrir au muet de nouvelles merveilles. Et ensuite parce que quand il s’est décidé à sauter, il ne l’a pas fait à moitié. On a peine à croire que « Le Dictateur » est le premier film parlant d’un homme qui ne voulait pas des dialogues au cinéma. Oh bien sûr, il y a encore dans ce film, tout ce qui fait le génie de la pantomime de Chaplin, avec des scènes qui n’ont pas besoin de mots pour être mémorables (on pense notamment au globe terrestre) et une attention toute particulière portée au mouvement, aux expressions, aux silences, aux situations, etc… Mais quand Chaplin prend la plume et, le temps d’un discours, nous offre ce qui est peut-être le texte le plus magnifique de l’histoire du cinéma, on se dit : « c’est donc cela, le parlant selon Chaplin ». « Le Dictateur » est plus que mémorable à bien des égards. Déjà, c’est une belle preuve que oui, on peut rire de tout, ou plutôt dans ce cas présent, que tous les sujets peuvent faire l’objet d’une comédie à condition de le faire bien (ce que beaucoup semblent oublier en rabâchant encore et toujours, si bêtement, la liberté d’expression de l’humour). Si « Le Dictateur » marche, c’est parce qu’il fait de l’humour une arme sublime, faisant la preuve éclatante que pour décrédibiliser quelque chose, rien ne vaut cette arme-ci. Rien ne vaut le ridicule. Ensuite, c’est un modèle d’inventivité de l’humour, justement transcendant jusqu’au gag classique (la confusion entre deux personnes). Bien sûr, en plus de la comédie, c’est une œuvre brûlante d’humanisme, mettant à bas l’intolérance et le fanatisme.  Enfin, et c’est l’une des choses les plus belles qu’on peut dire de ce film, c’est une marque de courage. On n’oubliera pas que Chaplin sort « Le Dictateur » en 1940, à une époque où beaucoup aux Etats-Unis hésitent encore quand à l’opportunité d’intervenir dans la Seconde Guerre Mondiale, voire regardent Hitler du meilleur œil. Monument du cinéma, « Le Dictateur » n’a rien perdu de sa force et de sa flamme.

La scène : le fabuleux discours bien entendu, je l’ai dit et je le redit : peut-être le texte le plus magnifique de l’histoire du cinéma.

 14. Little Miss Sunshine (Jonathan Dayton et Valerie Faris, 2006) : 

« On prend un apéritif ? »

En 2006, un duo composé des époux Jonathan Dayton et Valerie Faris débarque en chamboule-tout dans le monde du cinéma indépendant. Leur œuvre ? « Little Miss Sunshine » définition même du mot « bijou » sur grand écran. Rien que le pitch est incroyable : suite au rêve d’une fille ne correspondant que peu aux canons de beauté de participer à un concours de miss, toute la famille s’embarque dans un délirant road-movie pour la mener à bon port. Dans cet équipage hétéroclite que seul le mot famille semble réunir on trouve deux parents (superbes Greg Kinnear et Toni Colette), un oncle suicidaire et spécialiste de Proust (délicieux Steve Carell), un frère mutique (formidable Paul Dano, révélé par le film), un grand-père provocateur (savoureux Alan Arkin) et bien sûr la petite (fabuleuse Abigail Breslin). Bien entendu, ce voyage est l’occasion pour toute cette famille de se confronter chacun à soi-même et aux autres. Cliché ? Que nenni. « Little Miss Sunshine » est tout sauf grands violons et gros sabots. Les moments rocambolesques s’enchaînent sans répit avec une bravoure à l’image des personnages : humble mais pleine de panache. C’est le petit de l’existence, le petit d’une famille, qui touche au sublime. Dans le jouissif de l’exceptionnel, se reflète en creux le magique de l’universel. Il y a quelque chose d’extraordinaire de ce concentré d’humanité qui se déploie devant nos yeux. Tous les sentiments s’y mêlent, du rire aux larmes. La subtilité ne quitte pas un instant l’écran. On est touché au plus profond de notre cœur, au plus profond de notre âme. En regardant tout cela, on se dit que malgré tout, il y a quelque chose de beau dans l’humanité et dans la vie. « Little Miss Sunshine », incarne les lettres de noblesse du feel-good movie. Vous trouvez que j’exagère ? Regardez ce film, et jugez par vous-même.

La scène : le moment de la danse pendant le concours de Miss, probablement l’une des scènes les plus jouissives de l’histoire du cinéma.

13. Les Voyages de Gulliver (Charles Sturridge, 1996) : 

« Trop cool le nouveau spot de la rave party ! »

Comme « Duel », « Les Voyages de Gulliver » est un atypique de ce classement car c’est en réalité un téléfilm, ou plutôt une mini-série en deux épisodes. Que ? Quoi ? Comment ? Qu’est-ce ? Une mini-série dans ce classement, mais c’est tricher ! Tranquille mimile. Si « Les Voyages de Gulliver » se trouvent ici c’est parce que je ne les ai jamais regardé que comme un film. Enregistré sur une vieille VHS (ouh yeah la nostalgie) par mes parents, cette œuvre n’a jamais été rien d’autre pour moi et je n’ai découvert ce côté sériel qu’en écrivant ces lignes (promis). Alors, tant pis, n’oublions pas que je fais un peu ce que je veux ici. De toute façon, le DVD dont je dispose actuellement a édité l’œuvre en un seul morceau, aussi « Les Voyages de Gulliver » restera pour moi un film. Enfant, ce récit de tout de même plus de trois heures, avait pour moi le côté mythique d’une œuvre à la longueur démesurée, que je rêvais de pouvoir visionner en entier mais qu’il me fallait toujours regarder en plusieurs fois. C’est un de mes plus grands souvenirs de gosse en tant que spectateur. J’étais fasciné par ces aventures, émerveillé devant elles. Je ne m’en lassais pas. Il faut dire que l’œuvre de Charles Sturridge a deux immenses mérites. La première c’est l’exhaustivité. On y retrouve non seulement les célèbres lilliputiens et les géants, mais nombre d’histoires beaucoup plus méconnues et tout aussi géniales : l’île-volante de Laputa, des savants fous, un homme obsédé par l’Histoire, des immortels et une civilisation de chevaux, entre autres. Ainsi, c’est sans doute l’adaptation la plus fidèle du roman de Jonathan Swift. Deuxième mérite : croiser les voyages et le retour de Gulliver, faisant de l’histoire encore plus qu’auparavant, une réécriture splendide de l’Odyssée, en y incluant d’une certaine manière le retour d’Ulysse. Pris pour fou en racontant ses aventures, Gulliver est interné. Entre le combat de sa famille, ainsi que sa vie à l’asile, et son récit, l’aller-retour devient constant, jusqu’à une bouleversante résolution finale, où comme le dirait Aznavour « on voit confondu les coquins dans une histoire un peu triste où tout s’arrange à la fin ». En redécouvrant, des années plus tard, cette petite merveille, j’ai éprouvé une délicieuse impression de madeleine de Proust. Je me suis aperçu que la musique résonnait encore à mes oreilles et que de nombreuses répliques étaient restées gravées dans ma mémoire.

La scène : l’examen de Gulliver en public, avec la magnifique tirade de sa femme et l’arrivée de son fils, en parallèle de son expérience chez les chevaux.

 12. Les Ogres (Léa Fehner, 2015) : 

Pause.

Si, en sortant de la séance de cinéma, je proclamai qu’il allait être difficile pour un autre film de venir détrôner dans mon cœur « Les Ogres » cette année-là, ce n’était pas pure enflammade. On s’en rend bien compte en retrouvant ce film aussi haut dans le classement. Et pourtant, j’aurai parfaitement pu passer complétement à côté, au vu de sa « fame » assez réduite malgré de belles critiques presses comme spectateurs, sur les différents agrégateurs de notes de ce concept informatique qu’on appelle le web. Mais, intrigué par les affiches placardées, sans doute tenté par le côté théâtre, je suis allé le voir au cinoche. Et je me suis pris une belle patate dans la gueule. Cette plongée dans la vie d’une troupe de théâtre itinérante, inspirée par celles des propres parents de la réalisatrice Léa Fehner (qui jouent d’ailleurs dans le film), est un monument à découvrir d’urgence. Ode sublime à la vie déchainée, « Les Ogres » annonce la couleur dès son titre. Il sera ici question de gens « trop », mangeant l’existence à pleines dents, s’y brûlant parfois et y retournant de plus belle. « Les Ogres », c’est toute la complexité de ces gens qui n’ont rien de commun. C’est toute la beauté de leur vie à part, encore bohème, paraissant appartenir à un autre temps, celui du tréteau et des caravanes de troubadours. On a tout à la fois envie de les rejoindre, et aucune envie de le faire. C’est là toute la force de ce film, présenter l’entier, pas le réduit, pas la partie, non. Présenter tout, brut, énorme, brûlant, gargantuesque et dire : « voilà les ogres ». Les comédiens (dont Adèle Haenel à l’époque encore peu connue) sont tous extraordinaires. Mention spéciale pour le fabuleux Marc Barbé, interprète de l’incroyable personnage de Déloyal, tout ensemble odieux et magnifique. On y trouve aussi une chanson très belle : « Une Femme » aux paroles poétiques et subtiles. Bien sûr, il est aussi question de théâtre, et un amoureux du théâtre comme moi, ne pouvait qu’être touché aussi intensément par cette déclaration d’amour effarouché à cet art. Bref, « Les Ogres » est à voir et je me prive pas de le conseiller, quitte à être moqué par certains de mes amis pour mon insistance. Ce n’est pas grave, si un jour ils passent outre, ils verront j’espère que je n’avais pas tort d’en faire autant. Cela dure 2H20 et on ne voit pas le temps passer.

La scène : il y a beaucoup, beaucoup, de scènes exceptionnelles, comme une très marquante scène dans un restaurant de couscous, mais je vais choisir la course-poursuite entre véhicules du début parce qu’elle donne le « la » du film.

11. Monty Python : Sacré Graal ! (Terry Jones et Terry Gilliam, 1975) : 

« Bonjour, c’est ici pour le Air BnB ? »

S’il y a eu la première folie des Monty Pythons (leur premier films), il y a aussi pour moi leur plus belle : « Sacré Graal ! ». Certes « Le Sens de la Vie » m’aura fait encore plus rire (ce qui est quelque chose !) mais « Sacré Graal ! » a en plus le côté culte (sans mauvais jeu de mot). Dans le monde entier se trouvent des gens pour connaître ses répliques et ses scènes. Or le plaisir de pouvoir délirer d’un film, que ce soit avec ses amis ou avec quelqu’un qu’on vient de rencontrer, est quelque chose d’inestimable. Voilà la plus belle réussite de la bande de comique : avoir réuni tant de monde, de tant de nations différentes, sur un seul et même rire. Ajoutons que l’ingéniosité de la troupe semble à son sommet dans ce film, les bruits de chevaux remplacés par des noix de coco, faute de budget, en étant une belle métaphore. Rarement, on a exploité aussi bien tout le potentiel comique d’une époque historique. Rarement, on est allé aussi loin dans la finesse de l’absurde. Communauté autogérée en plein milieu de l’Angleterre médiévale, français grossiers, château de Arrrrrrgh, chevalier noir, chevaliers du « Ni ! », jugement de sorcière, lapin tueur, homme à trois têtes, les questions du pont de la Mort bien sûr, Lancelot tuant tout le monde à une noce, « I’m not dead », interlude musical, le barde, dessinateur mourant d’une crise cardiaque, vache volante, les dessins de Gilliam, la tentation de Galahad, fin totalement inattendue (même pour les Monty Pythons)…  La liste est délicieusement longue. De deux choses l’une : soit vous souriez d’un air entendu en lisant tout cela, et vous avez bien raison. Soit vous n’y comprenez rien et vous pouvez vous estimer heureux. Il vous reste un chef d’œuvre absolu de la comédie à regarder. Massez vos zygomatiques. Installez-vous confortablement. Profitez, ça va être bien. Ça va être très bien. Petit veinard.

La scène : déterminer la scène de « Sacré Graal ! » est presque aussi fou que les Monty Pythons, mais puisqu’il faut être dingue, alors c’est parti, va pour le lapin tueur (mdr, j’avais marqué « pain » genre un « pain tueur », c’est pas mal non plus ah ah. Bises).

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place.

De la 150éme à la 126éme place. 

De la 125éme à la 101éme place. 

De la 100éme à la 76éme place. 

De la 75éme à la 51éme place. 

De la 50éme à la 26éme place.

50. Coraline (Henry Selick, 2009) :

« Joyeux anniversaire, nos vœux les moins sincères ! »

« Coraline », et c’est bien dommage, n’est pas devenu aussi célèbre, aussi culte que d’autres dessin-animés. Pourtant, à mes yeux, il n’a pas grand-chose à leur envier, et reste dans le cœur de la majorité des gens qui l’ont vu comme un petit bijou. Adapté d’un roman de Neil Gaiman, porté à l’écran par Henry Selick (le « vrai » réalisateur de l’Etrange Noël de Mister Jack, on en reparlera plus tard, teaser, spoiler !), c’est une œuvre qu’on retient comme une gourmandise et qui n’en est pourtant pas moins dénué de profondeur et de sérieux, voire même de moments franchement prenant, voire angoissants. Mettons ce côté « friandise » sur l’aspect visuel du film, tourbillon magique et entraînant, possédant le style propre et magnifique des productions de Selick et sur le bouillonnement d’imaginaire extraordinaire du tout. Mais il ne faudrait pas oublier pour autant que cette histoire où une gamine déprimé découvre une autre dimension où tout semble merveilleux est, elle, marquante d’une toute autre manière. Etonnant conte que celui de cet « autre-monde » où tout est « trop » beau, « trop » parfait, pour être honnête. On en dira pas plus et on se contentera de saluer un travail d’adaptation excellent donnant lieu à une belle réflexion sur l’adolescence, questionnant à travers une parabole subtile son entêtement premier à vouloir « mieux » que sa vie. Entêtement qui peut être un piège terrible, à l’image de ce papillon qui, en voulant s’approcher de la lumière, se brûle ou termine dans une toile d’araignée. Attention, « Coraline » n’en est pas pour autant un film donneur de leçons, simplement un conte, qui parviendra à la fois à divertir les plus jeunes et n’en offrira pas moins différents niveaux de lecture à qui voudra les rechercher. C’est à cela qu’on reconnaît les plus grandes œuvres jeune public.

La scène : quand on découvre la vérité sur « l’Autre Mère ».

49. Le Château dans le ciel (Hayao Miyazaki, 1986) : 

Ceci n’est pas « Le Géant de fer ».

Miyazaki, génie absolue et maître incontesté, semble avoir deux amours à l’heure de réaliser ses chefs d’œuvres : le foisonnement magnifique et la poésie épurée. Si certains de ses dessins-animés mêlent superbement les deux, « Le Château dans le ciel » est lui, clairement, de la deuxième catégorie. On reste bouche-bée devant la beauté de son dessin, notamment les décors de Laputa, tous de roches et de végétations, véritables peintures à l’écran. D’une force visuelle hallucinante, « Le Château dans le ciel », sorti en France 17 ans après sa création grâce au succès des autres œuvres de Miyazaki, est un modèle dans la filmographie du japonais. Comme dans tous ses autres dessins-animés, on y trouve les vibrantes obsessions miyazakiennes (le rapport des humains à la technologie, la guerre, le pouvoir, la nature…) et on y retrouve des personnages, des dessins qui nous en rappellent d’autre. Comme dans tous ses autres dessin-animés, « Le Château dans le ciel » a aussi sa superbe singularité, dans cette simplicité du style, dans ses moments de calme. Cela tient à son élément : l’air. Aérien par définition, c’est l’occasion de mettre toute l’imagination du maître au service de la construction d’un univers volant, avec ses forteresses aériennes, ses pirates de l’air, ect… Si on admet que les œuvres de Miyazaki ont pour la plupart un élément (au sens large) « dominant » (l’eau pour « Ponyo », la végétation pour « Mononoké »…), force est de constater que celles qui tiennent le plus de l’air (« Porco Rosso », « Le Vent se lève », notamment) sont les plus épurées, les plus tranquilles, avec le moins de monstres et de fourmillement. C’est ce qui fait leur beauté propre. Reste à dire que ce film est aussi l’un des plus triste dans sa manière frontale d’aborder les adieux, à la fois ceux au robot et ceux aux pirates. Réecriture magique d’un passage du livre « Les Voyages de Gulliver », porté par l’une des plus belles compositions du compagnon de route Joe Hisaishi (ce thème principal, quelle merveille !), « Le Château dans le ciel » vibre fort et haut dans le panthéon de Ghibli.

La scène : l’arrivée sur Laputa.

48. Porco Rosso (Hayao Miyazaki, 1992) : 

Pépouze.

On enchaîne directement avec un autre Miyazaki, et quel Miyazaki ! C’est incroyable comme la simple évocation du nom de « Porco Rosso » chez ceux qui l’ont vu suffit généralement à allumer une constellation d’étoiles dans leurs yeux. C’est incroyable, mais ce n’est pas étonant, tant cette œuvre vibre d’une humanité magnifique et déchirante, porté par ce personnage principal sublime. Parvenir à nous faire adorer autant un homme à tête de cochon, il n’y avait peut-être qu’Hayao Miyazaki pour le réussir. Comme « Le Château dans le ciel » que l’on vient d’évoquer, « Porco Rosso » brille par la poésie tranquille de sa simplicité. Une crique loin de tout où se repose le pilote, un bâtiment au milieu d’un lac où l’on chante « Le Temps des Cerises » en japonais et voilà que des décors qui n’ont rien de surnaturels prennent la couleur du fantastique à la grâce du dessin de Miyazaki. Œuvre d’une extraordinaire force sur la rédemption et sur l’amour, elle est aussi l’occasion de constater, bien avant « Le Vent se lève » l’amour de l’air et des pilotes que porte en lui le maître. Si l’écologie est un peu relégué au second plan, l’humanisme, la lutte contre le totalitarisme, le pacifisme, les rêves des hommes, tous ces thèmes chers à Miyazaki sont présents et donnent encore plus de force à la déclaration d’amour à la vie qu’est sa filmographie. Chaque personnage y trouve sa justesse, fut-elle dramatique ou comique, et sa complexité, homme et femme confondue (on ne se lassera jamais de rendre grâce à Hayao Miyazaki pour cela). Les méchants en apparence (les vrais ennemis du film restent le régime fasciste) sont finalement attachants, comme les héros bourrus, et rendent justice dans leur construction à la complexité de l’humanité (on ne se lassera jamais de rendre grâce à Hayao Miyazaki pour cela). Une autre merveille de dessin et de propos.

La scène : Une, inoubliable, se détache de manière incroyablement marquante : celle où le héros raconte la fois, où, pendant la première guerre mondiale, il a vu ses camarades morts rejoindre un ruban formé de tous les pilotes tombés au combat. Un moment déchirant comme il y en a peu.

47. Les Sentiers de la Gloire (Stanley Kubrick, 1957) : 

« Ah Barbara, quelle connerie la guerre… »

C’est peut-être le film antimilitariste par excellence, ou en tout cas, une œuvre qui s’en rapproche beaucoup. Porté par le génie de Kubrick et par l’immense Kirk Douglas, acteur au charisme extraordinaire et homme à la conscience éclairé, dans un splendide noir et blanc, « Les Sentiers de la gloire », inspiré de faits réels, raconte l’histoire de trois soldats fusillés « pour l’exemple » car tiré au hasard dans des compagnies ayant refusé d’attaquer sans préparatifs ni renforts une colline fortifiée, et la tentative désespéré d’un colonel pour les défendre et leur permettre d’échapper à leur triste sort. Dénonciation féroce du cynisme et de l’arrivisme au prix du sang (l’attaque presque suicidaire est décidée à cause de la promesse d’un avancement pour l’un des chefs militaires), hommage appuyé à ceux qui se battent contre l’injustice, l’œuvre de Kubrick écœure autant qu’elle émeut. D’un côté ces chefs barbares qui envoient à la boucherie pour leur gloire personnel, de l’autre ce magnifique Colonel Dax qui, porté simplement par l’humanisme, se bat « sans force et sans armure » comme dirait Brel, contre une administration militaire implacable. Un combat presque à la Don Quichotte mais qui n’en est pas moins sublime. D’une grande noirceur dans son constat final (puisqu’aucun des trois hommes n’échappera à sa condamnation), « Les Sentiers de la gloire » rappelle quelle horreur innommable fut la première des guerres mondiales, où furent précipité dans le feu des millions d’hommes, pour la domination territoriale et les intérêts économiques, c’est-à-dire pour rien. On est atterré de lire que sous la pression veule de l’administration et de l’armée française (car c’est d’elle dont il est question dans le film, même si c’est bien toutes les armées qui sont en cause), la production qui n’en était pas moins lâche s’autocensura, reculant la sortie en France à 18 années plus tard… Qu’est-ce que c’est bête, l’orgueil d’une nation. De toute façon, c’est Prévert qui avait raison : « quelle connerie la guerre ».
La scène : Ce moment à la toute fin du film où une allemande moqué par les soldats français les fait taire par son chant avant qu’ils retournent au front. C’est un moment incroyable, comme hors de l’histoire principale, et pourtant c’est une autre manière de parler de l’humanité au combat.

46. American Beauty (Sam Mendes, 1999) : 

Cinq secondes avant l’impact du mouvement Me Too.

Un travail d’école de théâtre que j’ai réalisé en équipe autour de ce film, et qui m’a d’ailleurs permis de le redécouvrir et de l’appréhender bieeeeen en détail, provoque évidemment un attachement particulier à cet œuvre. Pour autant, c’est avant tout pour ses qualités cinématographiques propres qu’ « American Beauty » vient se classer aussi haut. C’est le premier film de Sam Mendes (aujourd’hui connu pour « Skyfall ») et comme on dit, pour un coup d’essai, c’est un coup de maître. Destruction en règle du rêve américain « pavillonnaire », le film dézingue joyeusement cet univers d’apparence et de faux-semblant qu’est la banlieue résidentielle des Etats-Unis. L’histoire est la suivante : Lester Burnham, père de famille frustré et englué dans la routine, part complétement en vrille lorsqu’il rencontre Angela, une très jeune amie de sa fille, dont il tombe amoureux (oui, c’est assez malsain mais rassurez-vous, le film ne l’est pas). Annette Bening en mère au sourire colgate et Kevin Spacey (avant de devenir parjure) en américain moyen en pleine crise existentielle sont tous les deux exceptionnels. Tous les personnages secondaires sont par ailleurs impeccables dans leur genre, depuis le colonel fascisant jusqu’à l’agent immobilier bellâtre, pour parfaire le tableau de ce monde où tout est fake et où le pétage de plomb du personnage principal va faire voler en éclats tous les faux semblants. On y rit pas mal, mais souvent jaune. Esquivant habilement tous les pièges et les attendus de son histoire, « Americain Beauty » est une œuvre fascinante, parfois un peu étrange, maline, marquante sans trop en faire et qui a aussi pour grande qualité un travail visuel résolument chiadé. On en sort avec le sentiment étrange d’avoir vu un film qui ne ressemble pas à beaucoup d’autre. Il faut dire que commencer par annoncer dès le début la mort de son personnage principal, annoncé par le personnage principal lui-même, autant dire révéler la fin dès le commencement, ce n’est déjà en soi pas banal. En tout cas, c’est un coup de génie, puisque le public ne peut que se demander « comment ? », tout le long du film. Mais il n’aura la réponse qu’à la toute fin, désolé pour lui.
La scène : Le moment terrible entre le colonel et Lester, dans le parking.

45. Interstellar (Christopher Nolan, 2014) : 

« Amenez moi Rick et Morty ! »

« Interstellar » fait partie de ces films qui me rappellent à quel point le cinéma peut nous transcender. Grand spectacle au sens noble du terme, « Interstellar » est un voyage autant pour ses personnages que pour son public. On en ressort fiévreux, envahi d’une sensation d’irréel en sortant de la salle de cinéma, cette sensation qui ne trompe jamais sur la qualité d’un film. Le film de Nolan fait partie de ces œuvres pour lesquelles le cinéma doit avant tout se vivre dans une salle noire avec un grand écran et un système son savoureux. Et l’histoire n’est pas en reste : vertigineuse odyssée aux confins de l’univers connu, « Interstellar » transcende l’aspect mythique de l’espace au cinéma. On se sent infime dans ces plans de vide transcendé par la musique d’un Hans Zimmer qu’on a rarement connu aussi inspiré. Nolan a également l’intelligence d’exploiter à fond les ressorts dramatique permise par la physique quantique. Sous sa plume, et celle de son frère, les différences de temporalité ou les trous de ver deviennent des objets narratifs d’une puissance folle. On est frappé en plein cœur par le voyage sur la planète qui coute à l’expédition des années entières écoulées en minute. Le temps, thématique essentielle chez Nolan, trouve ici une dimension inhumaine au premier sens du mot. C’est aussi un voyage émotionnel au rythme impeccable entre calme avant la tempête, émotion pure, tension, explosion puis résonnance calme. La scène d’amarrage sur un vaisseau tournant à toute allure en orbite est, par exemple, un modèle de montée de tension. On a beaucoup parlé de la fin, critiqué par beaucoup pour incohérence, mais « Interstellar » reste un film, pas un exposé scientifique. Aussi, il n’est pas régi tout entier par la logique, mais par la force de son récit. Et à ce niveau, c’est un modèle.

La scène : Tout le passage sur la planète des vagues géantes (« ce n’est pas une montagne », quelle réplique !) jusqu’au déchirant moment où le personnage de Matthew McConaughey regarde ses enfants grandir par vidéo.

44. Mon Voisin Totoro (Hayao Miyazaki, 1988) :

Un p’tit coin d’parapluie.

Miyazaki once again, et on ne s’étonnera plus (si c’était encore possible) de me voir participer à un spectacle d’improvisation d’histoires à la manière du grand maître japonais. D’autant plus que, vous vous en doutez, ce n’est pas le dernier à trouver sa place dans le classement. Ici, c’est la magie de l’enfance, la saveur des instants en famille, qui fait toute la force de ce récit. Dans « Mon Voisin Totoro », le quotidien touche au sublime de la poésie. Peu d’éléments irréels, mais quels éléments ! Les noiraudes, les totoros, le chat-bus, pas une de ces trouvailles n’a pas atteint le statut culte ! Le reste du temps, c’est une masterclass de « vide plein » ce fameux « Ma » japonais dont s’inspire tellement Miyazaki. Il ne se passe pas grand-chose, pourtant on est scotché. Touché par l’humanité, émerveillé par le fantastique. Il y a une famille qui rit dans les bains, un déménagement, l’amour de deux sœurs, un gamin timide, une mère malade et on s’y retrouve tous. Il y a un chat qui transporte des gens, et on applaudit tous comme des enfants face à cette grandiose surprise. Et puis la nature, toujours, en majesté tranquille, avec un respect érigé en règle, qui n’a pas besoin de grands discours. Si jamais vous faites des gosses, foutez-les fissa devant Totoro. Vous prendrez de l’avance sur l’éducation poétique et sensible de vos marmots. Et bien entendu, regardez avec eux. Mon Héros Hayao.

La scène : L’inoubliable première arrivée du chat-bus, véritable choc visuel.

43. Qui veut la peau de Roger Rabbit (Robert Zemeckis, 1988) : 

« Mais t’avais dit qu’on ferait des knackis ! »

Grand classique de mon enfance, le bijou de Robert Zemeckis se déguste pour autant à tout âge. Bien entendu, la première prouesse notable réside dans le mélange entre animation et prise de vue réelle. Si ce n’est pas le seul film à avoir relevé ce défi, c’est en tout cas l’œuvre qui l’a poussé le plus loin. On ne peut que s’émerveiller de la fluidité avec laquelle ces deux mondes cohabitent à l’image. C’est l’occasion de mille trouvailles, visuelles et scénaristiques. De plus, le film va encore plus loin en faisant de cette cohabitation le centre du film. Imaginant un Hollywood où les vedettes seraient dessinées, l’œuvre de Zemeckis donne encore plus de force à ce mélange de style.  Peuplé de personnages délirants et marquants (un bébé fumant le cigare, une bimbo amoureuse d’un lapin…) en plus des références à la culture populaire qui se dégustent comme des petits gâteaux (on croise de très nombreuses stars du genre !), « Qui veut la peau de Roger Rabbit » est un exemple de fun. Pastichant les codes du polar avec bonheur, c’est l’occasion pour Bob Hoskins de faire des merveilles en privé grincheux face à l’extraordinaire Christopher Lloyd en méchant très, tréééés traumatisant. Et, une fois n’est pas coutume, je ne vous décommande pas particulièrement la VF, qui est de qualitey (j’ai beau être un bolchevique de la VO, le talent des doubleurs français est tout de même notable, voilà c’est dit, je l’ai dit). « Retour vers le Futur », « Forrest Gump », « Seul au Monde » et donc « Qui veut la peau de Roger Rabbit », il n’est pas exagéré de dire que Zemeckis a porté le film familial en majesté, sur la fin des années 1900. Dans cette vague de nostalgie des années 80 et 90, on ne peut qu’espérer que ce bon vieux Robert viendra bientôt rappeler qui est le daron du genre, lui qui se contente depuis de succès modestes.

La scène : Si l’arrivée dans la ville des Toons, assez drogue friendly pour faire un euphémisme, est un feu d’artifice, le passage le plus marquant du film est à mes yeux (et je pense ne pas être seul sur le coup) la terrifiante révélation concernant le Juge DeMort. « Pas n’importe quel toon ! ».

42. Le Cercle des Poètes Disparus (Peter Weir, 1989) : 

Chat perché.

Il en est de certains films qu’on regarde en se disant qu’on nous les a trop survendus. Qu’à force d’avoir dit « c’est génial », qu’à force d’avoir énoncé « tu ne peux que ressentir » telle émotion, notre exigence sera telle qu’on ne pourra pas en goûter toute la saveur. On sera forcément déçu. Et malheureusement, c’est vrai dans la plupart des cas. Mais il suffit qu’un film parvienne à vaincre cette attente démesurée, à nous toucher malgré tout, et ce film devient inoubliable. C’est un peu mon histoire personnelle avec « Le Cercle des Poètes Disparus ». Une œuvre dont je m’étais convaincu, sans doute bien aidé, qu’elle ne pouvait pas ne pas me plaire. Et malgré tout, elle m’a plu. Film du trop sous-estimé Peter Weir (le mec du « Truman Show » et de « Master and Commander » tout de même), il m’a offert le choc que j’attendais. Cette ode à la liberté de vivre l’existence qu’on souhaite, cette déclaration d’amour à l’art et à la littérature, pourrait être un énième poncif niais et sirupeux. Il n’en est rien. Il n’en est rien car l’histoire présentée n’est pas si rose que cela. Il ne s’agit pas vraiment d’un feel good movie. Le drame de « Le Cercle des Poètes Disparus » nous atteint en plein cœur et propulse son message dans le sublime. Bien sûr, tout cela a son côté simple, réducteur si on tient à être grincheux, mais si on y tient pas et qu’on se laisse simplement porter, la chialade est assurée. La bonne chialade, celle où on pleure de tristesse et de beauté. Et puis bien sûr, il y a Robin Williams.

La scène : La fin bien sûr. O capitaine, mon capitaine.

41. Jurassic Park I&II (Steven Spielberg, 1993 et 1997) : 

« Hé ben j’espère que ça va être cool ce Fyre Festival ! »

Revenons aux classiques de l’enfance, aussi surprenant que cela puisse être quand on parle de Jurassic Park (ce n’est pas exactement le « Roi Lion » tout de même, ou alors un « Roi Lion » très vénére). Nul besoin de chanter les louanges des qualités de ces excellents films, qui apparaitront évidents au lecteur qu’il s’agisse de la musique, des scènes cultes, de Jeff Goldblum, du coup de génie narratif incroyable de cette histoire (le retour des dinosaures putain !) ou de Jeff Goldblum. Parmi ceux qui me lisent, nombreux sont ceux, j’imagine, qui ont dans leur filmographie cette œuvre qu’ils adoraient regarder encore et encore avec leurs amis d’enfance ou leurs familles. Une délicieuse habitude dont on se souvient ensuite autant pour la qualité du film que pour le moment passé ensemble à l’époque. Et bien moi, il s’agit des deux premiers « Jurassic Park », regardé de très nombreuses fois notamment avec mon frère et ma cousine (le p’tit big up à eux), jusqu’à compter et comparer les morts de chacun des volets (comment ça c’est macabre ?). Le plus drôle c’est qu’à l’époque, le moindre couteau sorti dans un film pouvait me faire partir en courant (true story) tant je ne supportais pas la violence au cinéma (il a fallu « Le Seigneur des Anneaux » pour me calmer comme il faut). Et pourtant, je regardais encore et encore « Jurassic Park ». Absurde. Le troisième film a tenté maladroitement de relancer la vibe, mais sans succès, la magie n’y était plus. Aussi, pour la conserver, je n’ai pas voulu voir les récents films. Pour moi « Jurassic Park » ce sont des clôtures électriques, pas des grosses bouboules surtechnologiques. Qu’on me permette de faire mon fan rageux et sorry, pas sorry. Bisous bande de diplodocus.

La scène : Outre « Bienvenu à Jurassic Park » source incroyable de gag, la scène qui m’a sans doute le plus marqué est celle où les gens fuient T-Rex vers les hautes herbes où se trouvent les raptors, allant au carnage. « N’allez pas dans les hautes herbes » (dixit le mec qui s’y retrouve deux minutes après).

40. Black Swan (Darren Aronofsky, 2010) : 

Il suffira d’un cygne (air connu).

« Black Swan » fait partie de ces films capable de réconcilier l’espace d’un instant public et critiques, presque tous réunis dans une même acclamation. Faisant parti des chocs cinématographiques majeurs du début des années 2010, « Black Swan » est de ces films dont on sort fiévreux, tremblant. D’un genre indéfinissable, ni tout à fait thriller, ni tout à fait film d’angoisse, et dont le meilleur qualificatif reste le flou « film psychologique », il résonne longtemps après son visionnage. Illustration brûlante de la folie auquel peut mener l’art, « Black Swan » est à l’image du ballet qu’il présente : mythique et tragique, au sens que peut prendre par exemple un opéra. Se déroulant dans un milieu, la danse au plus haut niveau, propice aux pires rivalités et ambition, c’est une fable mordante et terrible sur la démesure, que ce soit celle de la perfection, ou celle de l’orgueil. Sublimé par la musique de Tchaïkovski, magnifié par la réalisation d’un grand spécialiste de l’histoire torturé, ce film a des allures de magma autant que de banquise : on en sort glacé autant que brûlé. Cette œuvre c’est aussi l’histoire de la mue de Natalie Portman. L’actrice, déjà vedette internationale grâce à « Star Wars », est devenue à cette occasion une référence du cinéma mondial, prouvant à tous qu’elle pouvait tenir haut la main la tension d’un film d’auteur ambitieux et grand public. A l’image de son personnage, elle se transforme à l’écran, pour terminer en majesté une hallucinante performance. Il est des films qui, dans une carrière, marquent un « avant » et un « après ».

La scène : la fin du film est un grandiose moment de cinéma et lorsqu’arrive le générique, on reste hébété, groggy.

39. Brazil (Terry Gilliam, 1985) : 

Il a changé Schwarzie.

Pour la plupart des réalisateurs célèbres, la quête du film phare obsède. Le débat est généralement sans fin, mais il arrive qu’une forme de consensus émerge pour quelques noms. Jugement à distinguer, par ailleurs, de la recherche du meilleur film (pour mon cas d’ailleurs, un autre Gilliam se trouve plus haut). Terry Gilliam, donc, fait partie de ces artistes pour qui l’on se met généralement d’accord pour identifier l’œuvre en forme de trait d’union. En dehors de sa prodigieuse carrière avec les Monty Pythons, l’américain connait en effet une carrière solo solide. Et dans celle-ci, pour beaucoup, l’évidence est la suivante : le film référence, c’est « Brazil ». Car « Brazil » c’est une symbiose, symbiose entre la folie visuelle de ce dessinateur génial et son appétit pour la satire, symbiose entre son obsession pour l’opposition onirisme / réalité et son goût évident pour le non-sens. Tristement comique, dramatiquement hilarant, cette réécriture absurde de « 1984 », conte dément de l’individu broyé par l’illogisme du totalitarisme, est un chef d’œuvre. Qu’on en juge par le pitch : un fonctionnaire sans histoire tente de corriger une erreur bureaucratique où une mouche tombée dans une machine à amener à l’arrestation de la mauvaise personne. Bourré de références, c’est un foisonnement de trouvailles visuelles et scénaristiques. Dans ce plat finement travaillé, la sauce est bien sûr l’incroyable musique, passée à la postérité. On y croise un casting délicieux avec pour les noms les plus célèbres : Jonathan Pryce parfait quidam dépassé, Robert de Niro en plombier fou, Michael Palin, Ian Holm ou Jim Broadbent. Grinçant, terrible, jouissif, sublime, fou dans beaucoup de sens du terme, « Brazil » est une merveille.

La scène : Cette fin émouvante aux larmes, affreuse et magnifique.

38. Monty Python : La Vie de Brian (Terry Jones, 1979) : 

« -Attention, c’est une chaussure tueuse !
-Mais non, tu te trompes de film ! »

On vient de parler du père Gilliam, reparlons-en mais cette fois en compagnie de ses illustres compères, j’ai nommé les génialissimes Monty Pythons. Est-il exagéré de dire que le génie de ces hommes est immense, à tel point qu’il a marqué l’humour comme peu ? Je ne pense pas. Est-il exagéré de dire que cette bande a tellement œuvré pour le bonheur humain qu’elle mérite tous les honneurs possibles ? Bon, c’est peut-être un peu trop, mais qu’on me pardonne. Les Monty Pythons m’ont offert tellement de fous rires que je ne peux m’empêcher de leur dresser des louanges hyperboliques à la première occasion. Si beaucoup de choses me font rire, leurs sketchs, leurs œuvres, elles, peuvent littéralement me faire tomber de mon fauteuil, de mon canapé, ou du quelconque meuble où je me suis posé pour les regarder. On en a dit beaucoup sur leur sublimation du fameux « nonsens », d’autant plus fort qu’il a atteint l’universel, il ne reste plus qu’à savourer. Savourer par exemple « La Vie de Brian », hilarante aventure d’un homme pris pour un messie dans un pastiche de la Galilée sous domination romaine. Les moments cultes sont innombrables et leur lecture suffira sans doute à donner le sourire aux fans : « Bigus Dickus », les kamikazes, la lapidation, « wooden spoon »… Satire mordante mais pas tant blasphématoire comme certains détracteurs aiment à le penser, « La Vie de Brian » est plutôt une charge comique contre les religieux et les institutions religieuses que contre l’idée de religion elle-même. Reste que c’est un film délicieux, qu’on savoure encore et encore jusqu’à connaître par cœur les innombrables situations loufoques et répliques exquises que nous offrent les facétieux anglo-saxons.

La scène : « Always look on the bright side of life » est un coup de maîtres.

37. La Trilogie Marseillaise (Alexander Korda, Marc Allégret et Marcel Pagnol, 1931, 1932 et 1936) : 

« -Et même qu’il y avait au moins un million de personnes dans ce magasin !
-Oh fatche, tu m’emboucanes ! »

On ne se refait pas, ou alors difficilement. Si l’on vient d’une ville qu’on aime éperdument, alors on aime éperdument l’œuvre qui en parle de la plus belle des manières. Qu’on pardonne donc au provençal que je suis la flamme de cette déclaration énamouré, mais « La Trilogie Marseillaise » est un monument trop méconnu du cinéma français, encore plus que sudiste. Loin de la carte postale que certains pisse-froids aimeraient dépeindre, cette œuvre est la quintessence d’un esprit marseillais dont subsistent encore aujourd’hui les traces, n’en déplaise à certains. Bien sûr l’ambiance est presque mythologique, et on serait fou de penser qu’on vit à Marseille aujourd’hui comme à l’époque de Pagnol. Mais dans ces personnages forts en couleurs, au verbe haut, comédiens de vie quotidienne, aux sentiments démesurés, il y a quelque chose qui est resté et qui fait en partie la saveur de cette ville complexe qu’est Marseille. Attention, néanmoins, on se tromperait en pensant que « La Trilogie Marseillaise » ne s’adresse qu’aux habitants de la cité phocéenne ou à ceux voulant les connaître. Si certains parleront avec dédain de pagnolade, dans un élitisme qui les regarde, d’autres verront tout le sublime qu’il y a dans ces répliques imagées, toute la drôlerie tendre et humaine qu’il y a dans ces situations. Et puis, ils verront aussi que derrière cette comédie, se cache un mélodrame magnifique qui les émouvra aux larmes. Un mélodrame rempli de pudeur et de cœurs gros comme le Vieux Port, de déchirures et de réconciliations, de sacrifices, d’amours et de tendresses. Derrière le masque de la comédie, pleure celui de la tragédie. N’oublions pas également les monuments d’acteurs à l’œuvre devant la caméra de Pagnol, au premier rang desquels le géant Raimu, dont Orson Welles (qui n’était pas le dernier des pégus) dira qu’il était le meilleur acteur au monde. In fine, « La Trilogie Marseillaise » est beaucoup plus profonde qu’elle ne le laisse présumer. C’est la force d’un opéra, déguisé en opérette. Et celui qui n’est pas content, tant pis pour sa tronche de gobi.

La scène : le moment où Marius revient pour réclamer son fils et se heurte à la déclaration de César qui fait l’éloge du père que fut Panisse.

36. Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964) : 

Posey sur la cheminey.

Disney ce ne sont pas que des dessins animés (même s’il y a de l’animation dans « Mary Poppins ») ! Et dans le panthéon des longs métrages en chair et en os du studio, « Mary Poppins » se taille la part du lion. Film qu’on qualifiera aisément de magique, ayant révélé l’incroyable Julie Andrews et offert l’un de ses plus beaux rôles au délicieux Dick Van Dyke (ça ne s’invente pas), il fait partie de ces œuvres qui filent la banane, donnent envie de chanter, de danser, de rire, de serrer des gens dans ces bras. Sorte de « feel good movie » ultime, « Mary Poppins » se glisse dans nos yeux comme un bonbon extraordinaire le ferait dans notre bouche. Autre classique des classiques de mon enfance, c’est avec un incroyable bonheur que je découvrais et redécouvrais à l’époque les aventures de cette nounou pas comme les autres. Et puis, que serait « Mary Poppins » sans ses chansons ? Dans toute la filmographie Disney, qui pourtant en a produit de belles, c’est à elles que je décerne la palme. Et notamment à l’entrainante « Chem Cheminée », à la motivante « Un morceau de sucre », à la mélancolique « Nourrir les petits oiseaux » et à la légendaire « Supercalifragilisticexpialidocious ». « Mary Poppins », une valeur sûre. Dédicace à l’américain que j’ai fait rire comme un fou en chantant en français « A spoonful of sugar » / « Un morceau de sucre ». C’est bon de rire, c’est bon de rêver !

La scène : Difficile de choisir, mais il me semble bien qu’à l’époque « Nourrir les petits oiseaux » (par ailleurs l’une des chansons préférés de Walt Disney) était mon moment préféré.

35. Watchmen : Les Gardiens (Zack Snyder, 2009) : 

« -Salut, c’est ici le rendez-vous de danse freestyle ?
-Ouais, rejoins nous, c’est trop cool ! »

Œuvre controversé, comme l’est d’ailleurs le comic d’origine, « The Watchmen » n’en est pas à mes yeux, si on excepte Batman, ce que le film de super-héros a produit de mieux. Certes, les ressorts de pensée sont parfois difficilement lisibles, voire bien « far right » sur les bords selon la grille de lecture, certes la vision de l’humanité et des sociétés humaines dépeinte est franchement déprimante. Certes le film est d’un cynisme noir, certes il s’évertue à tuer tout espoir idéaliste. Mais, même si ce sont des composantes indéniables (qui par ailleurs ne sont pas toujours dénués d’intérêt) ce serait faire injure que de le résumer à cela. En réalité, « The Watchmen » est bien plus complexe qu’un simple pamphlet désabusé tirant vers l’extrémisme. Bien avant la mode actuelle, c’est une déconstruction en règle passionnante du mythe du super-héros, auquel participent chacun des personnages, que ce soit l’ordure autoproclamé à la solde du gouvernement, le milliardaire pragmatique jusqu’au crime de masse, le vengeur solitaire, l’inventeur perdu et le seul surhomme complétement déshumanisé. « The Watchmen » imagine les super-héros avec toute la complexité morale propre au reste de l’humanité, et pousse le raisonnement jusqu’au bout, jusque-là où ça fait mal. C’est l’une des grandes forces de l’histoire, aller jusqu’au bout des choses, quitte à tourner encore et encore un couteau dans une plaie. On pense aussi au spectaculaire dilemme moral de la fin du film. Toute cette force dramatique est exploitée de manière impeccable par un Zack Snyder consciencieux. Son amour des ralentis et des grosses punchlines, ses chansons pop balancées pleins tubes, toute la patte magnifiquement sans finesse du réalisateur de « 300 » (on adore ou on déteste) aurait pu être complétement à l’opposé de ce dont avait besoin le film. En réalité, ce délire pop assumé à 200% ne fait que souligner encore plus cet abattement de statues. Reste à signaler le meilleur personnage du film : l’incroyable Rorschach, superbement interprété par la révélation Jackie Earle Haley.

La scène : « C’est pas moi qui suis enfermé avec vous… c’est vous qui êtes enfermé avec moi ! ».

34. Hercule (Ron Clements et John Musker, 1997) : 

« Tia vu le bibi avé la veine ? C’est parce que j’ai mangé beaucoup de dinde ! »

Avant dernier classique d’animation Disney du classement (ooooouh mais qui sera le dernier, suspense) « Hercule » est un film qui a énormément marqué mon enfance en étant à l’origine de ma passion pour la mythologie grecque. Constatant mon goût pour ce dessin animé, ma mère a en effet résolu de m’offrir l’histoire d’origine (il est vrai plutôt différente). De là est parti un appétit immense et le point de départ d’incroyables découvertes. C’est dans un sens, à partir d’ « Hercule » que j’ai commencé à connaître tous ces mythes, toutes ces histoires qui me fascinent et me nourrissent encore aujourd’hui. C’est en grande partie la raison de sa présence aussi haute dans ce classement. Mais rendons à « Hercule », ce qui est à « Hercule ». Ce dessin-animé comporte des qualités propres indéniables. L’histoire est passionnante, le méchant, Hadès, est d’une coolitude incroyable, Peine et Panique sont la définition même des side-kicks bêtes et méchants Disney réussis, Megara initie la période des personnages féminins un peu plus complexes, Philoctète est un mentor trop chouette, les références à la mythologie sont savoureuses, il y a des scènes badass à souhait (l’hydre !), des rebondissements, du bon gros fun comme on les aime et puis il y a des fucking titans trop giga impressionnants (étoiles de gosse dans les yeux) ! Sans oublier que tout cela a donné un jeu vidéo légendaire. Allez, emballé c’est pesé, on kiffe, c’est un grand bravo messieurs dames.

La scène : la libération des titans, parce que c’est trop giga cool comme moment (étoiles de gosse dans les yeux) !

33. L’Armée des Douze Singes (Terry Gilliam, 1995) : 

« Ah oui effectivement, c’est une belle conjonctivite ! »

Ce ne sera plus un secret pour vous en lisant ce classement, j’apprécie intensément les films denses, aux retournements de situations imprévisibles, aux suspenses impeccables, aux histoires originales, aux ambiances prenantes. A cet égard « L’Armée des Douze Singes » fait partie des modèles. C’est sans doute le film le plus « sérieux » et le moins absurde des plus grand succès de Terry Gilliam, même si l’esthétique des scènes futuriste n’est pas sans rappeler « Brazil » et que l’histoire en elle-même comporte une très grande part de folie. Le scénario, adaptation libre de « La Jetée » de Chris Marker, est tout bonnement hallucinant. Alors que l’humanité a été décimée par un virus mortel, un homme hanté par un souvenir récurrent est envoyé dans le passé pour récolter des informations. Rassurez-vous rien autour des pangolins et du coronavirus, il s’agit ici plutôt de singes et notamment de « L’Armée des Douze Singes », organisation supposée responsable de la propagation de la maladie. Mais bien évidemment, les choses ne sont pas si simples. Offrant à Brad Pitt, bien avant « Burn After Reading » l’occasion de casser son image et prouver son talent, ce film est pour votre cerveau un voyage qu’il n’oubliera pas (personnellement j’ai bien eu du mal à dormir après coup). Exploitant magnifiquement des paradoxes temporels vertigineux, « L’Armée des Douze Singes » est une œuvre maitresse, s’achevant sur une conclusion dont on a du mal à se remettre.

La scène : La fin donc, successions de twists incroyables.

32. Le Parrain II (Francis Ford Coppola, 1974) : 

« -Ouais du coup ça te dérange pas si je fais une sieste sur ton épaule ?
-Non, non du tout ! »

Désolé pour ses ardents défenseurs, que j’imagine nombreux dans les lecteurs, mais « Le Parrain » premier volet, n’est pas dans ce classement. Si je reconnais sans souci ses immenses qualités cinématographiques et son statut de film phare, il n’a que peu réussi à me toucher. Je l’ai regardé comme on admirerait une toile de maître en se disant : « c’est superbe mais moi ça ne me fait pas grand-chose ». C’est d’ailleurs quelque chose qui m’arrive réguliérement en tant que spectateur et qui expliquera l’absence de nombreux classiques dans ce classement. « Le Parrain », deuxiéme volet, en revanche a réussi sur les deux tableaux. C’est une œuvre de cinéma monumentale et c’est un film que je me suis passionné à regarder. Pourquoi celle-ci plus que l’autre ? Il y a sans doute beaucoup de mystère. En tout cas, depuis le passé de Vito Corleone porté par De Niro (plus que solide) jusqu’aux actes sanglants de Michael Corleone porté par Al Pacino (hallucinant), je suis resté scotché devant ce chef d’œuvre. Quel souffle, quelle force. L’ascension de Vito Corleone est magistrale. La descente inexorable de Michael Corleone vers la pire violence est impeccable. C’est un récit comme il y en a peu. Ni apologie ni moralisation niaise, « Le Parrain II » est une démonstration implacable sur le cercle sans fin de la violence mafieuse, qui finit par emporter jusque sa propre famille. Si beaucoup ont tenté de s’inspirer des compères Coppola et Scorcese dans les films sur le grand bandistime, bien peu sont arrivé à la cheville du « Parrain II ». On comprendra qu’après cela, je n’ai toujours pas regardé le dernier volet. Vu ce qu’on en dit, je crains trop la déception.
La scène : le meurtre de Fredo, moment digne des plus grands opéras tragiques.

31. No Country For Old Men – Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme (Joel et Ethan Coen, 2007) : 

« Bonjour Monsieur, je cherche le festival des sosies de Mireille Mathieu s’il vous plait ? »

Quel film. Quelle claque. Jusque-là connus surtout pour leurs films barrés de loosers plus ou moins sublimes, les frères Coen démolissent le game avec « No Country For Old Men », adaptation sensationnelle d’un roman de Cornac McCarthy. Ici, pas de répliques décalés, pas vraiment de situations acides à la « Fargo » mais de la violence contemporaine, brute de décoffrage, râpeuse, dense, âpre. Un peu comme si les Coen, le temps d’un film, avaient quitté leur filtre « rire jaune » pour ne présenter que ce que celui-ci camoufle d’habitude. Western moderne donnant ses titres de noblesse au genre, à la photographie épousant magnifiquement l’histoire, « No Country For Old Men » est l’histoire de deux traques en une. La première, c’est Llewelyn Moss, pourchassé sans relâche par le terrible Anton Chigurh. La deuxième, c’est l’histoire du Shérif Bell, suivant cette course folle à retardement, ne pouvant que constater, désabusé, cette traînée de violence. Le casting est tout bonnement hallucinant, et on a là une des plus belles interprétations collectives du 21éme siécle. Josh Brolin, révélation du film, est nickel, Tommy Lee Jones est incroyablement touchant en vieil homme dépassé, Woody Harrelson et Kelly McDonald ne sont pas en reste. Et puis bien sûr, il y a Javier Bardem, dont la composition démente en forme de nitroglycérine balaye tout sur son passage (un peu comme Chigurh) et place d’un coup d’un seul son personnage au panthéon des plus grands méchants de toute l’histoire du cinéma. Sa gueule, son arme culte, ses répliques, son ton de voix… tout est immense. Il y a tant que scènes extraordinaires qu’il serait trop long de toutes les citer.

La scène : puisqu’il faut en citer une : la scène avec la pièce dans la station-service, qui achève une bonne fois pour toute de planter toute la force terrible du personnage d’Anton Chigurh.

30. La Saga James Bond (Terrence Young, Guy Hamilton, Lewis Gilbert, Peter Roger Hunt, John Glen, Martin Campbell, Roger Spottiswoode, Michael Apted, Lee Tamahori, Marc Forster, Sam Mendes,  1962, 1963, 1964, 1965, 1967, 1969, 1971, 1973, 1974, 1977, 1979, 1981, 1983, 1985, 1987, 1989, 1995, 1997, 1999, 2002, 2006, 2008, 2012, 2015) : 

Pourvu qu’on soit les seuls dans cet ascenseur (air connu).

Et bim, plus d’une vingtaine de films d’un coup ! Oui, c’est vrai, il y a de tout dans les films James Bond niveau qualité : depuis le désastreux jusqu’au génial. Oui, c’est vrai, de nombreux passages des films font honte aujourd’hui pour le côté machiste voire parfois culture du viol qu’ils dégagent. Il fallait le dire et, si je ne prétends pas l’occulter, on remarque néanmoins qu’il y a du mieux depuis l’arrivée de Daniel Craig.  Malgré tout, la saga James Bond reste une de mes sagas cultes, un rendez-vous de spectateur incontournable à chaque sortie. Et si je suis loin d’être seul, ce n’est sans doute pas pour rien, tant ces films d’actions comportent un attrait incroyable. Commencé par « Casino Royale » (le meilleur de tous à mes yeux) avant de prendre les choses dans l’ordre, ce fut tout une expérience de les découvrir les uns après les autres. Car au-delà de chaque film, voir l’évolution avec l’époque, la différence de ton entre chaque acteur principal, est passionnant pour un cinéphile. On y retrouve toujours des repères comme les gadgets ou les méchants (prodigieuse galerie de salopards soit dit en passant) entre autres. On savoure chaque opus pour son style unique. On débat avec ses amis de ses préférences. On voit les scénarios évoluer avec leur époque. Regarder toute la saga James Bond, outre ses indéniables défauts comme celui déjà évoqués, c’est suivre un voyage sans équivalent dans l’histoire du cinéma. Bien sûr, il y en a des très mauvais, bien sûr, il y a beaucoup de kitsch, mais tout ça se savoure comme dans un joyeux nanar. Et puis il y a aussi du très lourd, notamment « Casino Royale » et « Skyfall » pour les plus récents. Depuis la classe à l’ancienne de Connery jusqu’à la complexité de Craig, en passant par les gags d’un Clooney, le style d’un Brosnan, la densité d’un Dalton et sans oublier Lazenby, acteur inconnu auteur d’un sans-faute dans « Au service secret de Sa Majesté », James Bond est plus qu’un personnage, c’est un mythe. Restée personnellement sur une terrible déception avec « 007 Spectre », j’attends le prochain pour me rassurer (Contre : il y a toujours Léa Seydoux. Pour : Hans Zimmer fait la musique).

La scène : difficile d’en trouver une seule parmi vingt-quatre films, mais s’il fallait n’en retenir qu’une, après avoir fortement hésité avec la partie de poker de « Casino Royale » qui a relancé le jeu pour le grand public, la scène de torture dans le même film qui offre l’opportunité à Bond de sortir sa meilleure repartie, la tirade de Silva dans « Skyfall » ou le premier « Bond, James Bond », je pars sur la dernière scène de Desmond Llewelyn dans inoubliable interprète de « Q », dans « Demain ne meurt jamais », qui résonne après coup en déchirants adieux.

29. La Famille Indienne (Karan Johar, 2001) : 

« Je lâche un pouce ! »

S’il y a des gens pour ne pas reconnaître le génie de Bollywood, qu’ils regardent « La Famille Indienne » pour se calmer vite fait. « Kabhi Khushi Kabhie Gham » en version originale, comporte certes tout ce qui fait à mes yeux le charme des films de cette industrie, notamment un kitsch tellement assumé qu’il en devient magnifique et des chorégraphies en chanson géniales. Mais ce n’est pas tout. « La Famille Indienne » est aussi un fabuleux mélodrame de 3H31 sur la vie d’une famille, ses déchirements et ses réconciliations portés au sublime. C’est la thématique classique : un homme tombant amoureux d’une femme pauvre est renié par son père. Bien entendu, tout s’arrange à la fin, mais on a tellement été happé qu’on vit cette conclusion heureuse d’une manière incroyable. Mais pour parler au mieux de « La Famille Indienne », il faut je raconte la fois où je l’ai vu. A Marseille, une association émérite organisant régulièrement des projections en plein air (gloire à eux) avait comme souvent pris place sur la place d’un quartier populaire où des escaliers en pierre permettaient à chacun de s’installer à condition d’apporter son coussin. Et comme souvent nous nous y étions rendus en famille. Un écran géant gonflable, du couscous maison à un prix défiant toute concurrence : voilà de quoi achever le tableau de ce qui était déjà en soi une splendide expérience de cinéphile. Au vu de la durée du film, un entracte était prévu. Etant moi et mon frère, fort jeunes et peu habitués d’un spectacle aussi long, ma mère s’était promise de vérifier à ce moment-là si nous souhaitions continuer, sans doute résolue à nous ramener. Mais à l’entracte la réponse fut unanime : impossible de ne pas voir la fin. Et nous sommes restés, et j’ai rarement autant pleuré devant un film.

La scène : la réconciliation finale, qui m’a transformé en fontaine à larmes.

28. Cinema Paradisio (Giuseppe Tornatore, 1988) : 

« Là, ça fait les durs, mais attend la mort de Mufasa et ça va se transformer en fontaines ! »

Comment résister à « Cinema Paradisio » ? Tourbillon d’émotions d’une beauté pure et noble, le film de Giuseppe Tornatore est capable de vous arracher les plus chaudes larmes, tout en gardant un sourire dans le coin de votre bouche. On ne sait plus si on pleure parce que c’est triste ou parce que c’est beau et à la vérité, c’est souvent les deux ensembles. Déclaration d’amour intense et brûlante au cinéma, merveille de film sur l’enfance, « Cinema Paradiso » est un must. Ajoutez à cela une musique sublime, œuvre de Morricone père et fils (rien de moins), et vous comprendrez encore mieux la réputation de ce film. Ajoutez en plus l’un des plus beaux rôles, si ce n’est le plus beau, du monument Philippe Noiret et vous comprendrez aisément pourquoi cette œuvre est aussi haute dans mon classement. On suit avec enchantement son tutorat de projectionniste bourru sur le jeune garçon qui deviendra un réalisateur célèbre. « Cinema Paradisio » est aussi un film sur le retour. Un homme revient quelque part et retrouve ses souvenirs, on a vu cela mille fois mais qu’importe. Lorsque c’est bien fait, cela touche à l’universel, cela touche au sublime. Et ici, bien fait est un euphémisme. Si jamais vous n’avez toujours pas visionné cette splendeur, allez-y, craquez. C’est un délice. Il s’agit d’un immense succès public comme critique, vous ne prenez pas trop de risques. A noter qu’on y croise aussi Jacques Perrin, réalisateur de magnifiques documentaires comme « Océans » en tant qu’acteur. Voilà, c’était la p’tite anecdote, merci, bonsoir.

La scène : la scène finale, merveilleuse.

27. Autant on emporte le vent (Victor Fleming, ainsi que George Cukor et Sam Wood non crédités, 1939) : 

« -Bisous, bisous sur la joue !
-Houla, alerte au gogol ! »

Il est des films qui définissent de manière incroyable l’expression « grand spectacle ». « Autant on emporte le vent » est un de cela. Il est de ces œuvres qui rappelle que le cinéma est aussi fait pour le grandiose et l’épique. Il est de ces expériences qui nous transportent bien au-delà de notre siège de spectateur. Rarement j’ai été autant embarqué par un film, du début jusqu’à la fin, malgré sa durée à la hauteur de sa démesure (4H03 tout de même). Et pourtant, c’est sur un écran de télévision que je l’ai découvert. Je n’ose imaginer le choc que cela a dû être à l’époque devant un grand écran de cinéma. « Autant on emporte le vent » est une geste hallucinante, une histoire d’amour fabuleuse et complexe. Les personnages sont passionnants, le déroulement de l’intrigue haletant. C’est un incontournable du mythe hollywoodien, démonstration de force symbolique incroyable de cette industrie. Plus gros succès de l’histoire après correction de l’inflation, cette œuvre est à raison une sorte de passage presque obligé (puisqu’on est jamais obligé de rien) dans une vie de cinéphile. Bien sûr, il faut la regarder en conscience. La défense du Sud Confédéré, présenté comme un perdant magnifique, le racisme soft (même si paradoxalement, le film permis à une actrice noire d’être pour la première fois récompensée aux Oscars) est à analyser avec distance. Mais, de la même manière que pour d’autres œuvres références, ce serait trop dommage de priver de ce choc cinématographique pur pour autant. Si le débat à propos de l’homme et de l’artiste enflamme les discussions, on peut considérer que regarder une œuvre en conscience de ses caractères datés ne fait pas de mal. Certains ne seront pas d’accord et c’est leur bon droit. Moi, je continue d’en penser que « Autant on emporte le vent » a sa place au panthéon des légendes cinématographiques.

La scène : La conclusion d’un film étant un excellent révélateur de qualité, on ne s’étonnera pas de croiser de plus en plus de scènes finales à l’heure de décerner pour moi la palme de la meilleure scène, alors que le classement va vers ses hauteurs. Ici encore, c’est la conclusion qui s’impose, ne serait-ce que parce que les dernières répliques sont restées parmi les plus légendaires de l’histoire du cinéma.

26. Cyrano de Bergerac (Jean-Paul Rappeneau, 1990) : 

Avoir du nez.

« Cyrano de Bergerac » c’est tout simplement ma pièce préféré. Du monde entier. De tous les temps. Voilà pour poser les bases bien comme il faut. C’est une pièce que je relis à intervalle régulier, et qui me donne à chaque fois les larmes à yeux. Le style déployé dans cette œuvre est à mes yeux ce que la langue française a donné de plus sublime. L’histoire est la définition même du mot panache. A l’image de son fabuleux personnage principal, cette pièce est tout ensemble démesure grandiose, noblesse d’esprit, art de la répartie, refus du compromis, sens du sacrifice… La liste est bien longue. On y trouve une somme de moments de bravoures extraordinaire : la première apparition de Cyrano, la tirade des nez, à la fin de l’envoi, non merci, l’aveu à Le Bret, la déclaration soufflée aux balcons, la mort de Christian, la rédemption de De Guiche, la fin bien sûr… Nombre de ces moments ont rejoint la légende. Chaque acte à son style, chaque acte est une prouesse, échevelée et épique, achevée par une dernière réplique qui résonne comme la superbe note finale d’un morceau magnifique.  Au détour de chaque page peut sonner une réplique pouvant nous atteindre en plein cœur, en pleine âme. Qu’on me pardonne l’emphase, mais tous les qualificatifs sonnent petit en parlant de Cyrano. A tel point que la première elle-même, marquée par des applaudissements à n’en plus finir, a fait histoire. On comprendra donc mon attente pour le moins forte vis-à-vis d’une adaptation cinématographique. Celle-ci est impeccable, de la musique jusqu’au casting. Et en parlant de casting, en premier lieu bien sûr Gérard Depardieu. L’un des plus grands acteurs du cinéma français (voire mondial) et tant pis pour ceux que ça agace, est ici dans un des sommets de son art. On pardonne même à cette adaptation la suppression de certains passages pour garder une durée cinématographique pas trop effrayante. Un magnifique exemple de passage de la scène à l’écran réussi.

La scène : Alors qu’on attendrait Depardieu plutôt dans les moments bravaches comme la tirade des nez, qu’il joue avec beaucoup d’application, c’est dans les moments sensibles qu’il touche au sublime, et notamment dans cette fin de la tirade des non merci, monument de jeu d’acteur.

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place.

De la 150éme à la 126éme place. 

De la 125éme à la 101éme place. 

De la 100éme à la 76éme place. 

De la 75éme à la 51éme place. 

Cette année aura été paradoxale. Plutôt homogène dans l’ensemble, chaque période de celle-ci m’aura offert son quota de très bons films, dans des genres extrêmement différents. C’est d’ailleurs probablement mon « Top 10 » avec le plus de diversité, de la comédie musicale au blockbuster en passant par le documentaire et le biopic historique, sans oublier le policier, le film engagé ou le film de science-fiction. Rien que pour cela, l’année 2017 est notable. Le paradoxe c’est que cette homogénéité m’aura offert de rares fulgurances capables de passer un cap à mes yeux. En bref, il y a eu de bons moments, mais peu d’extraordinaires. D’ailleurs, les deux derniers films du top 10 n’y figureraient sans doute pas une autre année. Attention, ne me faites pas dite ce que je n’ai pas dit : tous les films de ce classement sont au moins de très bons films, y compris le 9éme et le 10éme, en tout cas à mes yeux. Il y eut aussi quelques rendez-vous manqués, comme vous le verrez plus bas. Bref, une année fort agréable, mais à qui il aura manqué un petit quelque chose pour devenir magnifique.

Mais cela, vous n’en jugerez pas vous-même que plus loin dans l’article, car avant le « top 10 », il y a les traditionnelles mentions spéciales aka « les films qui ne sont pas dans le top 10 mais dont j’avais envie de toucher un mot parce que c’est mon blog et c’est moi qui décident ».

Mention « Il a la palme » : The Square.

Et on fait tourner les serviettes !

On peut reconnaître les grandes qualités cinématographiques d’un film et ne pas totalement y accrocher pour autant, aussi étrange que cela puisse paraître. Cela m’est arrivé quelques fois, et ce fut le cas pour « The Square ». Ce film est extrêmement bien filmé, avec des audaces de plans très bien vues. Il possède une véritable singularité qui le distingue et fait sa force, notamment dans son ton pince sans rire extrêmement poussé. Et pourtant, « The Square » ne restera pas à mes yeux comme un de mes moments forts de spectateurs, si ce n’est pour cette incroyable scène du singe (ceux qui ont vu le film comprendront), absolument glaçante. Malgré tout, je ne lui nie pas le mérite de sa palme et conseille de le regarder (ne serait-ce que pour la scène que je viens d’évoquer), un autre que moi, plus sensible à l’humour et à l’esprit du cinéma nordique, y trouverait un chef d’œuvre que cela ne m’étonnerait pas.

Mention « Je ne remercie pas la bande-annonce » : Au-revoir là-haut.

« - Ah, un volontaire pour la corvée de chiottes !
-Mais je…
-J’adore les volontaires ! »

J’aurai pu vraiment aimer ce film. La réalisation de Dupontel y passe un véritable cap, accédant à la beauté, tout en gardant son état d’esprit canaille. Les comédiens sont impeccables, avec en majesté un de mes chouchous (Niels Arestrup) et la révélation Nahuel Pérez Biscayart. L’histoire est prenante. Les décors sont très beaux. Alors, quoi ? Alors, la bande-annonce. Cette foutue bande-annonce qui, comme beaucoup de bande-annonces, eut le mauvais ton de trop en dire, trop en dévoiler. Le mal était fait et je ne m’en rendis compte qu’en regardant le film : il me manqua un ingrédient essentiel de la découverte, la surprise, pour véritablement être conquis. Si regarder des bande-annonces est un plaisir, il faut parfois prendre garde à certaines d’entre elles, de véritables pièges et c’est pourquoi je refuse obstinément d’en regarder pour certains films. Celui-ci me conforte dans mon choix.

Mention « Pop-Corn » : Spiderman : Homecoming.

Van Damme a fait mieux.

Un bon petit plaisir bien geek comme on les aime ! Cela en surprendra peut-être certains (et peut-être l’ai-je déjà dit sur ce blog) mais je ne suis pas si friand de films de super-héros (pas au point d’aller mater tous les « Marvel » d’une année par exemple), à l’exception de Batman (parce que c’est Batman), des Avengers, des X-Men et de Spiderman, mais outre le Chevalier Noir, l’Araignée est le seul dont j’ai vu tous les films récents. Bien déçu par les deux volets d’Andrew Garfield (ce mec est un super comédien et sort avec Emma Stone, on peut pas tout avoir non plus !), je me demandais bien ce que ce reboot avec Tom Holland allait donner, un peu inquiet de ne pas trop accrocher à l’esprit résolument « teenage » de l’ensemble (après tout, il se pouvait parfaitement que je me découvre « trop vieux pour ces conneries »). Mais non, « Spiderman : Homecoming » fut une très bonne surprise. Certes, il n’arrive pas au niveau de l’époque Raimi. Certes, barder Spiderman de technologie enlève une bonne dose de charme au personnage. Mais si on excepte ces deux écueils, l’état d’esprit très plaisant du film, entre vannes plutôt réussies et ambiance pas prise de tête, et des seconds rôles bien écrits (notamment le meilleur ami de Peter Parker et un Hibou convaincant joué par Mickael Keaton, qui kiffe décidément les hommes-oiseaux) rendent l’ensemble très cools et surtout, une qualité très importante à mes yeux, honnête.

Mention « Blockbuster bourrin » : Le Roi Arthur : La Légende d’Excalibur.

Pour peu qu’on aille voir un film avec de bonnes dispositions d’esprit, on est parfois agréablement surpris. Certes, cette réinterprétation sur-vitaminée de la vie du Roi Arthur avait de bonnes chances de se transformer en nanar. Mais Guy Ritchie l’a déjà prouvé : il sait comment faire du bon bourrin. Réalisation bien énervée maitrisée, musique excellente, montage parfois astucieux, acteur principal qui paraît y croire à fond, pour peu qu’on le regarde sans trop de réticences et qu’on se laisse porter, ce film vous offrira un très bon divertissement. Si, bien sûr, vous abandonnez avant même le début l’idée d’une grande fidélité au mythe arthurien. De toute façon, vous vous rendrez compte dès la première de bataille que ce n’est pas la peine de l’espérer.

Mention « Séance foirée » : Dunkerque.

Les p’tits bateaux qui vont sur l’eau.

C’était LE rendez-vous de mon année cinéma. La sortie d’un nouveau film de Nolan, mon réalisateur actuel préféré et le deuxième de tous les temps derrière Kubrick. Un nouveau genre pour voir si le bonhomme était vraiment capable d’envoyer du pâté dans toutes les catégories. Hans Zimmer évidemment de la partie. Un casting avec des habitués et des petits nouveaux. Un événement historique dont l’ambiance étouffante semblait parfaitement convenir à la maitrise de Nolan et à l’une de ses obsessions : les différents niveaux de temporalité (encore une fois magistralement menés d’ailleurs). Bref, tout était réuni pour une séance mémorable. Mais non. Car à côté de moi avaient décidé de s’assoir une mère et son fils adolescent, dont les disputes incessantes me firent complétement sortir du film. Changer de siège, leur demander plusieurs fois le silence fermement ne changea rien, je ne parvins plus à m’y replonger. Voilà donc comment une séance qu’on a tant attendue peut se gâcher magnifiquement. Malgré mon caractère patient, je fus à deux doigts d’aller m’engueuler avec les responsables à la fin de la séance, mais un seul regard sur la fatigue perdue de la mère et sur la stupidité bornée de l’adolescent, me convainquit que c’était un combat qu’il ne servait à rien de mener.

Mention « Feel Good » : A voix haute : La Force de la parole.

Un hommage à Jean-Pierre Coffe ?

Petit documentaire pas piqué des hannetons, « La Force de la parole » s’intéresse à un concours d’éloquence dans le département de la Seine Saint-Denis. Des entraînements jusqu’aux différentes étapes du concours, on suit différents candidats, tous plus attachants les uns que les autres, chapotés par leurs trois coachs, un impressionnant prof de slam, une metteuse en scène et un avocat grande gueule. Ici, contrairement au « bullshit » et aux effets de manches qu’on peut trouver dans certains concours d’éloquences, l’occasion est belle de redonner, redistribuer la parole à des gens, des profils qu’on n’entend pas ou peu. De cette libération de la parole naît un film plaisant, avec certains discours en forme de morceaux de bravoure, et nécessaire. L’ensemble reste malgré tout un peu trop convenu et « gentil » pour être véritablement magnifique et d’ailleurs, plus que les phrases bien écrites, plus que les exercices, je retiendrai avant tout le moment où l’on découvre la vie de famille des deux finalistes, un véritable moment d’humanité au naturel, extrêmement touchant.

Mention « Petit mais costaud » : Petit paysan.

« Un p’tit café ? »

Film sans prétentions, « Petit paysan » est de ses œuvres qui conquièrent son public par son mélange de force et de modestie. Porté par un impressionnant Swann Arlaud, César du meilleur acteur archi-mérité, c’est l’histoire de la lutte perdue d’avance d’un petit agriculteur pour préserver son troupeau d’une maladie. Plongée sans fard et concession dans le quotidien des éleveurs d’aujourd’hui, « Petit paysan » raconte, au travers du destin du personnage principal, un monde où la logique d’un individu et celles des institutions se confrontent violemment et parle en toile de fond de la fatigue profonde d’un univers où le rapport entre le travail et les récompenses devient de plus en plus injuste et où vivent à côté exploitations familiales et fermes informatisées, des gens qui ne font presque plus le même métier. Aux portes de mon top.

Le top 10 maintenant :

10- Star Wars : Les Derniers Jedis.

Haters gonna hate. Lovers gonna love.

Warhammer 40 000, un peu.

« Les Derniers Jedis » est sans doute l’épisode de « Star Wars » qui aura le plus divisé son public, plus encore que la prélogie ou « Le Réveil de la Force », ce qui est déjà en soi un bel exploit. D’un côté, ce qui ont été séduits par ce nouvel opus, y trouvant une belle revitalisation de certains aspects du mythe et un spectacle fort convainquant. De l’autre, ceux qui l’ont purement et simplement détesté, bien souvent les puristes, au point de même exiger pour certain un bannissement pur et simple de l’œuvre du « Star Wars Universe ». Les voix « contre » criant beaucoup plus fort que les voix « pour », comme souvent d’ailleurs, notamment car on trouvera plus facilement quelqu’un qui hait « Star Wars VIII » que quelqu’un qui l’adore, j’en suis même venu à douter de mon premier jugement sur le film, qui était plutôt positif. Je suis donc retourné le voir, pensant que j’allais me rendre compte des grossiers défauts qui m’avaient échappé. Mais non. Mieux, certaines critiques que j’avais contre le film ce sont adoucies en deuxième visionnage. Les fans les plus inconditionnels de « Star Wars », dont certains vont même jusqu’à rejeter « Le Retour du Jedi » (parce que les Ewoks c’est un truc commercial), étant pour quelques-uns des gens assez fermés d’esprit (pas tous heureusement) que je n’inviterai pas à ma table, j’abandonne l’idée de les convaincre de revoir leurs jugements. Pour les autres, voici l’explication des deux raisons principales qui font que j’ai aimé « Les Derniers Jedis ». Primo, c’est fun et c’est quand même aussi ce qu’on demande à un « Star Wars » : l’histoire, et la course poursuite qui tient presque tout le film nous tient bien en haleine et les combats sont très badass (même le non-combat de fin). Secundo c’est intéressant : en étant un peu iconoclaste, le film redonne des forces au mythe au lieu de l’affaiblir par une trop grande fidélité qui le ferait tourner en rond. Le personnage de Luke Skywalker en est le meilleur exemple, lui qui accède enfin à une grande profondeur et lui avoir donné un côté torturé est une excellente idée. Tertio : c’est un film qui fait la part belle à des personnages féminins variés et originaux, et putain ça fait du bien ! Quarto : c’est très bien réalisé et visuellement très beau à quelques moments (mamma mia, la scène où le vaisseau résistant détruit la flotte du Premier Ordre en passant en vitesse lumière). Bon, bien sûr qu’il y a aussi des mauvais côtés : l’humour passe bien moins bien que dans l’épisode précédent, l’intrigue Finn / Rose est naze (mais vraiment naze) et en plus elle sert globalement à rien à part jouer du violon avec la subtilité d’un éléphant dans un magasin de porcelaine, les quelques révélations sont plutôt décevantes et il y a quand même un côté foutage de gueule sur certains trucs qui passe mal (genre la mort de Snoke, bordel, ce mec sort de nulle part, il est censé être super fort et il meurt avant même qu’on connaisse le prénom de son chien !). Il y a aussi des critiques que j’ai du mal à comprendre : genre les pouvoirs de Leïa, d’accord la scène est plutôt mal mené, mais il était quand même temps qu’on voit les pouvoirs jedis de ce personnage dont on nous parle depuis « Le Retour du Jedi ». Ah, et ne me sortez pas l’argument du réalisme, vous étiez en train de regarder un film où des vaisseaux vont en vitesse lumière, il ne semble pas que ça vous posait souci. Bref « Les Derniers Jedis » a ses défauts, mais reste un très bon divertissement. Il faut croire que je défendrai contre vents et marées tous les opus Star Wars sans exceptions (bon, pas trop à fond « Rogue One » et pas « Solo », faut pas déconner non plus mais c’est des « spin-offs » donc c’est différent).

9- Wind River.

Rester sur sa fin.

Froide tension.

Jusqu’à ses dernières minutes, « Wind River » avait tout fait pour me convaincre. Déjà, le film cochait avec brio toutes les cases du bon polar moderne bien ficelé : un environnement véritable personnage de l’intrigue (les neiges du Wyoming) et un contexte social bien amené en toile de fond (les communautés amérindiennes) pour surligner une enquête prenante et une ambiance bien travaillée. Ensuite il y avait des acteurs convaincants à l’heure de prouver qu’ils peuvent faire autre chose que des blockbusters (Jérémy Renner et Elizabeth Olsen) et une partie du film franchement puissante, qui prend aux tripes, avec un (spoiler, ne lisez pas plus loin si vous voulez voir le film, vous êtes prévenu) flashback complétement inattendu, véritablement glacial car on comprend très bien la lente montée en tension qui va amener au drame. Mais voilà, plutôt que de rester sur ces belles intentions et de chiader la fin, v’là t’y pas que « Wind River » me pond quelque chose qui me fatigue grandement dans le cinéma américain, à savoir un moment de justice expéditive « œil pour œil, dent pour dent » en mode « t’es un connard de toute façon, tu l’as bien cherché ». Cette fascination peu subtile pour la vengeance privée de beaucoup de productions américaines commençant à me saouler (parce qu’outre son côté dérangeant moralement, ce qui est le gros point noir, elle est en plus une manière beaucoup trop facile de terminer une histoire), cela m’a presque gâché mon plaisir, mais par égard pour les quatre cinquième restant, vraiment très très bons, je met « Wind River » neuvième.

8- Patti Cake$. 

Nine Mile.

« Que toutes les crèmes hydratantes lèvent le bras ! »

Une très bonne séance, voilà ce que je retiens de « Patti Cake$ » dont l’enthousiasme communicatif m’a véritablement conquis. L’histoire ? Une fille en surpoids veut devenir rappeuse, et les deux mots que j’ai employé pour la qualifier vous font bien vous douter que ce n’est pas simple, surtout si on ajoute à cela un milieu social bas et une mère en roue libre. Oui, mais voilà, à la force de son flow et de son immense détermination, aidé par son crew improbable, Patricia ne va pas se laisser faire. Bien sûr, c’est du « feel good movie » classique et c’est toute la limite assumée du film, à savoir un côté prévisible dans le cheminement du « un personnage en difficulté arrive à faire des trucs que tout le monde pensait qu’il pouvait pas faire, et bah si, il peut, cheh ! » et « on s’entend pas bien avec ma famille, mais en fait si, on s’aime ». Voilà, c’est du classique, mais honnête et bien fait. De plus quelques trucs donnent à « Patti Cake$ » ce supplément qu’il faut pour marquer les esprits : une actrice incroyable, Danielle MacDonald, pour laquelle on ne peut avoir que du respect rapport au travail demandé par le rôle, des personnages originaux et / ou badass, quelques moments surprenants (la rencontre avec la star O-Z, complétement à l’opposé de ce qu’on attendrait d’un « feel-good movie » classique) et des morceaux de rap franchement chant-mé, comme ne disent plus les jeunes, dont certains ont même rejoint ma playlist globale Spotify.

7- 120 battements par minute. 

Rainbow warriors.

Gai Pride.

Comme je l’ai déjà dit à propos de « Winter Sleep » autre part sur ce blog, on se rend parfois compte d’à quel point un film a été fort après la séance, dans le métro ou en quittant le cinéma. C’est en marchant dans la rue après « 120 battements par minute », en ayant du mal à revenir à la normalité, presque en décalage avec les gens autour de moi, presque hébété, que je me suis rendu compte que j’avais vraiment été marqué par ce film. Peut-être pas autant que par d’autres, mais tout de même, ce fut une expérience notable de cinéma. Tout a été dit, ou presque sur « 120 battements par minute », qui restera l’un des films événements de l’année précédent, alors il ne me reste presque plus qu’à confirmer ce qui a déjà été exprimé : oui, c’est très bien joué oui, c’est très puissant, oui, c’est un film nécessaire qui nous ramène à une époque pas si lointaine où des gens crevaient dans la presque indifférence, oui, c’est un film qui fait réfléchir sur le « pourquoi du comment » de la lutte par l’exemple et qui se révèle très intelligent dans sa manière de présenter la lutte « coup de poing » non-violente mais énergique, comme quelque chose de nécessaire dans certains combats. Il y a ceux qui sont pour moi les acteurs des deux sexes les plus prometteurs de leur génération (l’incroyable Nahuel Pérez Biscayart et l’intense Adéle Haenel), c’est sans tabou mais sensible, notamment dans sa manière de présenter le sexe entre deux hommes, quelque chose qui, si on y réfléchit, n’est pas non plus si courant au cinéma. Bref, c’est une belle réussite qui mérite la grande majorité de ses éloges et de ses récompenses.

6- Visages Villages.

Voyages, voyages.

Au Nord, c’était les chorons…

C’est l’histoire de JR qui rencontre Agnès et ils décident de faire un film en partant un peu partout sur les routes françaises, poser leur caméra et faire des photos. Ce film, que j’ai eu la chance de voir en avant-première, avec d’autres intentions, aurait pu n’être qu’un délire d’artistes en goguette en décalage complet avec ce qu’ils filment dans une ambiance de malaise social prenante. C’est ce dont j’avais un peu peur. Mais pas du tout. Loin d’être une expédition boboïsante dans le mauvais sens du terme et aux bonnes intentions faciles et mièvres, le voyage de Varda et JR se révèle une franche réussite et qu’ils me pardonnent d’avoir un instant douté de cela. On les sent franchement concerné par les territoires qui visitent et pas simplement en représentation. L’impression d’une déambulation presque au hasard, loin de faire fourre-tout, donne au film une grande fraîcheur et permet une grande diversité d’histoires et de témoignages humains, tous plus beaux les uns que les autres. Sans oublier Jean-Luc Godard dans le rôle de l’absent, dans une séquence mémorable. Et même quand les deux se filment simplement entre eux, on ne sent quasiment pas d’artificiel, mais bien un laisser-faire naturel et une sincérité qui fait du bien. La rencontre entre les deux artistes fait de sublimes étincelles, malgré ou grâce à l’écart de génération, c’est selon, et la conférence qu’ils donnèrent après l’avant-première confirma l’esprit de cette rencontre, drôle et touchante. JR chambre Agnès, Agnès râle pour faire genre, et leur duo provoque une belle dose de bonne humeur. On en sort conquis.

5- Patients.

Et longueur de temps font plus que force ni que rage.

Posé avec les fraté.

Inspiré de l’histoire de Grands Corps Malade et d’ailleurs co-réalisé par le slameur avec Mehdi Idir, « Patients », l’histoire de la rééducation d’un jeune homme dans un centre pour handicapés,  pourrait être un énième « feel good movie » sur la reconquête du bonheur face aux aléas de la vie et sur la tolérance, une œuvre gentillette qu’on regarde déjà d’accord et qu’on oublie vite. Seulement, « Patients », dans la présentation de ce sujet qu’on ne connaît pas si bien, a le grand mérite de chercher une véritable singularité, dans son ton, dans son naturel. Pas de gros sabots, pas de grands violons, le film ne cherche la démonstration que par l’exemple, laissant faire ses situations et ses personnages, incarnés par des acteurs inconnus au bataillon mais franchement attachant. Dézinguant tout misérabilisme et toute pitié mal placée sur le sujet du handicap, c’est un film cru, souvent très drôle, très émouvant, juste. Les messages passent sans besoin de trop en faire et à cet égard, ce film est un exemple. On s’attache beaucoup à ses personnages, bourrés d’émotions, certaines mal dissimulées par une pudeur maladroite et brusque. Hymne à l’amitié, à l’amour, déclaration enflammée à la vie, présentations de luttes qui nous font relativiser comme il faut et nous rendre compte de notre chance, « Patients » est presque passé trop inaperçu par rapport aux mérites de ce film bourré d’une humanité « cabossée » mais évidemment pas moins humaine. Cela va sans dire, mais cela va mieux en le disant.

4- Blade Runner 2049. 

On s’était donné rendez-vous dans 30 ans.

Orange Dynamique.

Ce n’est pas un secret pour ceux qui suivent mon blog : Denis Villeneuve est un de mes chouchous, le genre de réalisateur dont je suis avec attention chacune des sorties. C’est donc peu dire si j’étais emballé à l’idée de le voir réaliser une suite du grand classique « Blade Runner » et je pense que j’étais l’un des rares à aller la voir avec beaucoup de confiance. Je ne fus pas déçu. Visuellement hallucinant, c’est le sommet à ce niveau d’un réalisateur dont le travail sur l’image est une force et dont les films sont toujours marqués par une superbe photographie. « Blade Runner 2049 » a de plus le grand atout de chercher des images qui resteront, à travers le jeu des couleurs et des maquettes, plutôt qu’une orgie de CGI qui vieillira sans doute mal. Si cet aspect visuel magnifique, de l’impressionnant blanc-gris jusqu’au très marquant ton orange en passant par le bleu-noir de la pluie et le déluge des couleurs des publicités, avec des décors très inventifs et parfois sublimes (l’appartement en bois très épuré de Wallace notamment) est vraiment la grande qualité du film, l’histoire n’en est pas moins vide d’intérêt. Tout à la fois respectueux de l’original et cherchant son propre apport, le scénario de « Blade Runner 2049 » continue d’interroger sur les thématiques classiques de la science-fiction (les robots à conscience humaine, la destruction de l’écosystème…), développe intelligemment certains thèmes du premier film (les souvenirs par exemple), amène d’autres pistes à certains d’entre eux même plus intéressantes (l’histoire d’amour avec l’hologramme est autrement plus passionnante que celle, très « culture du viol », du premier opus, déso pas déso) et révèle des choses potentielles qu’on ne soupçonnait même pas (une possible révolte politique des répliquants). Bref, le challenge était très grand, mais il est relevé de très belle manière, et ce n’est pas toujours qu’on voit la suite d’une œuvre culte en être à la hauteur.

3- Battle of the sexes.

Jeu, set et match contre le patriarcat.

Non sans forcer.

Le biopic historique est un exercice périlleux qui, souvent, ne comporte pas un grand intérêt cinématographique. L’histoire est connue, les acteurs ont du mal à dépasser la simple imitation, bref il manque souvent un supplément d’originalité, voire même une véritable vision artistique, pour en faire une œuvre notable. « Battle of the sexes » est un excellent contre-exemple. Déjà, c’est le duo de « Little Miss Sunshine » (Jonathan Dayton et Valerie Faris, un homme et une femme, tiens, tiens !) aux manettes, ce qui pose sacrément les bases quand on connaît le talent des deux pour faire des histoires incroyables d’émotions et d’humanité, ce qui se vérifie magnifiquement ici. Les sujets (l’égalité des sexes et l’homosexualité) sont évidemment très forts et surtout pris à travers un angle original (le match entre le clown machiste Bobby Riggs et la militante Billie Jean King). De plus vu que beaucoup de combats féministes et homosexuels sont encore loin d’être gagnés et absolument pas acquis, ils résonnent encore aujourd’hui malgré les années passées. Ensuite le casting est brillant : savoureuse Sarah Silverman en Gladys Herman, véritable meneuse de revue, délicieux Alan Cumming en Ted Tinling, découverte d’Andrea Riseborough (récemment éclante dans Black Mirror) et bien sûr Emma Stone, mais qui n’est (attention les yeux) même pas la plus éclatante, même si elle est formidable (et oui, je l’ai dit). Non, les deux plus extraordinaires performances du film sont celles de Steve Carell en Bobby Riggs et de Austin Stowell en mari, et qu’on ne me fasse pas l’injure de penser que j’écris cela parce que ce sont des hommes. Carell, dont on sousestime la subtilité du jeu, réussit magnifiquement à ne pas faire de Riggs une caricature mais bien un homme, certes souvent énervant, mais aussi touchant, dont on comprend bien que ce n’est pas lui le vrai problème (ce que dit d’ailleurs Billie Jean King). Quant à Stowell il campe un des plus beaux personnages que j’ai pu voir à l’écran (c’est dit), ce mari magnifique, conscient que sa femme l’a épousé par convention, mais qui continue à l’aider, vaille que vaille. Il y a une scène dans le film, et c’est d’ailleurs la plus belle, qui est une leçon de cinéma et qui mérite à elle seule le détour : c’est celle où, après avoir compris que Billie Jean l’a trompé, mais sans lui avoir rien dit, il attend un instant, dans la pénombre, les mains sur les hanches avec ses valises, avant de repartir vers une autre chambre. C’est simple et c’est émouvant aux larmes. Reste à dire que la musique est géniale, que le match de fin est filmé nickel, que le film comporte pleins de touches subtiles pour renforcer son propos (l’attitude paternaliste, main sur l’épaule, du journaliste mâle envers sa collègue femelle), que l’ambiance de l’époque est très bien rendue et que la fin m’a donné des larmes aux yeux. Nécessaire et sublime.

2- Le Concours.

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Heure de pointe.

Sorti en 2016, mais vu en 2017 (et oui, c’est comme ça que ça marche ici), « Le Concours » est l’un des documentaires les plus forts et les plus fascinants que j’ai vu dans ma vie. Pourtant, son sujet, le concours de la Fémis, principale école de cinéma française n’est pas particulièrement un sujet-choc. Mais qu’importe. « Le Concours » est passionnant parce qu’il s’attaque à un sujet original et dont beaucoup d’entre nous ont eu une expérience en tout cas approchante (car les logiques du concours, quel qu’il soit, sont souvent similaires). Il provoque donc un grand intérêt à la fois par la curiosité et l’indentification, faisant de certaines scènes des moments de malaise presque éprouvants, tant on a de la peine pour les candidats. De plus, le film de Claire Simon, bien sûr, ne se contente pas d’avoir un bon sujet. Il le traite très bien. La caméra, ultra-discrète qui paraît filmer de manière clinique et sans filtre la face visible comme les coulisses du concours, le très bon choix des scènes, avec un déroulé chronologique attendu mais justifiée, tout cela questionne avec une grande intelligence la logique de cet événement socialement complétement admis mais en même temps si particulier. Car c’est là le grand mérite de cet œuvre, montrer ouvertement les limites du concours, limites notamment humaines, du fait de la subjectivité inhérente à la correction (d’autant plus dans un concours artistique), tout en amenant à ce qui paraît être une impasse : certes le concours est imparfait, mais quelle alternative ? Comme la démocratie, dont la citation dit qu’elle est le plus mauvais système à l’exception de tous les autres, on est forcé de se demander si malgré ses défauts, le concours n’est pas inévitable, mais ce film a le mérite d’aussi nous faire réfléchir sur le fait qu’il est sans doute possible de l’améliorer. Les questions sont posée, et c’est le rôle d’un bon documentaire que d’en ouvrir et non d’asséner des solutions dogmatiques. A charge pour le spectateur de se faire penseur.

1- La La Land.

Musique ! Et que chacun se mette à chanter !

« Un phare breton ? »

Même si j’étais passablement saoulé par les affiches proclamant en gros « le film de l’année », reprise d’une critique de presse quelconque, alors que nous n’étions qu’en Janvier, « La La Land » me paraissait être un « must see » de ce début d’année pour de nombreuses raisons, les principales étant la présence d’Emma Stone (oui, je suis une groupie) au casting et le fait qu’il s’agissait là de la nouvelle œuvre de Damien Chazelle, qui m’avait totalement conquis avec « Whiplash ». J’y allais donc avec des amis, me demandant si ce film dont on me promettait « monts et merveille » allait vraiment réussir à m’emporter. C’est peu, très peu dire, que je ne fus pas déçu. Emporté par une tornade d’émotions et de beauté, j’en sortais carrément en larmes, époustouflé par ce que je venais de voir. Un contexte de fatigue rajouta sans doute à ce « lâcher-prise », mais il ne fit que l’amplifier, le vrai responsable était « La La Land ». Tant pis pour tous ceux qui trouveront cela exagéré, ce film est un de mes plus grands moments de cinéma passé dans une salle obscure. Dès le départ, « La La Land » nous entraîne pour ne plus nous lâcher, depuis cette scène d’ouverture incroyable et déjà culte, jusqu’à cet épilogue extraordinaire et déchirant. Les atouts de cette œuvre sont immenses. Commençons par la musique évidemment, puisqu’on parle là d’une comédie musicale : Justin Hurwitz, ex-coloc’ de Chazelle devenu son collaborateur privilégié et l’homme qui l’a révélé (les rencontres d’une vie, c’est parfois quelque chose) signe en collaboration avec les paroliers « Pasek and Paul » une BO de malade, dont je suis capable d’écouter les chansons des dizaines de fois sans me lasser (et je sais que je ne suis pas le seul). « Another day of sun », « Someone in the crowd », notamment, mais aussi « City of Stars », « Audition », « Start a fire » (par John Legend) ou « A Lovely Night » sans parler de cet « Epilogue » reprenant quasiment tous les thèmes du film… c’est fou à quel point toutes ces musiques donnent la pèche, émeuvent… Bien sûr, la capacité de ses musiques à durer ne peut par définition se juger tout de suite et il est trop tôt pour savoir si « Another day of sun » atteindra le niveau culte de « Singin’ in the rain ». En tout cas, dans mon cœur, c’est déjà le cas. Ensuite, il y a le travail sur l’image. La réalisation de Damien Chazelle, virevoltante, met parfaitement en valeur un soin du détail impressionnant, permettant de composer des tableaux visuels sublimes et souvent pleins de références. Continuons notre éloge en parlant du rythme, un thème cher à l’auteur du film (qui l’a écrit alors qu’il avait 25 ans soi-dit en passant !) qui dose parfaitement folie des chorégraphies et tranquillité des moments d’émotions. Et puis il y a ce duo d’acteur, Ryan Gosling et Emma Stone, dont l’alchimie impeccable donne toute sa saveur à l’histoire d’amour et dont il faut saluer l’immense travail préparatoire en chant et danse (mais aussi piano pour Gosling), pour que l’ensemble sonne crédible. Enfin, « La La Land » n’est pas que du fun. C’est aussi une très belle œuvre sur la confrontation des rêves avec la réalité, sur la célébrité, sur les idéaux artistiques et sur parfois la trahison qu’on leur inflige, sur les artistes, sur le quotidien qui abîme les histoires d’amour, un très bel éloge aux idéalistes et un film qui a l’intelligence de construire une relation de couple moderne qui (spoiler, attention !) nous brisera le cœur en ne terminant pas en conte de fée. Extrêmement triste et surprenant, mais d’autant plus fort et beau. Voilà donc « La La Land », ma merveille de 2017. L’année commençait fort.

Voilà, je vous dis probablement à l’année prochaine !

75. Pinocchio (Hamilton Luske et Ben Sharpsteen, 1940) : 

« Mais c’est de la Kro’ ?! »

Coucou, revoilà un Disney ! Oui, mais là, on commence à toucher à la crème de la crème car à mes yeux, le travail réalisé sur l’adaptation du conte de « Pinocchio » est tout bonnement incroyable. Déjà, le film date de 1940 (c’est seulement le deuxième « classique d’animation » du studio), autant dire que pour l’époque le travail d’animation est à se taper le cul par terre (ensemble, réhabilitons les expressions désuètes). Ce dessin-animé est encore aujourd’hui, presque 80 ans après, une merveille du genre et ce n’est pas pour rien qu’il est considéré par beaucoup comme LE chef d’œuvre technique de Disney. Voilà pour l’aspect visuel, ce qui pose déjà bien les bases. Ensuite l’histoire. Certes, elle est édulcoré par rapport au conte originel, mais elle n’en reste pas moins extrêmement marquante et avec des passages d’une grande noirceur, surtout si on compare à la jauge « Disney » classique. Il y a le terrifiant Stromboli bien sûr, la baleine qui n’est pas mal non plus, mais le summum reste la scène de l’Ile des plaisirs, un moment absolument terrible et ô combien traumatisant. Rajoutons à cela qu’il est presque impossible de ne pas ressentir de sympathie pour Gepetto, son chat et son poisson, que Jiminy Cricket est quand même un super personnage, que la fin est super touchante et que « When you wish upon a star » est juste sublime (il fut un temps où je ne pouvais pas l’écouter sans verser une larme, si, si !), voilà pourquoi « Pinocchio » mérite vraiment d’être aussi haut dans ce classement !

La scène : celle de l’Ile des plaisirs donc, quand tous les enfants se transforment en âne. Difficilement soutenable même aujourd’hui, alors imaginez quand on était gosses !

74.  Hunger (Steve McQueen, 2008) : 

Le moment de discuter.

L’audace cinématographique n’est pas morte, ça se saurait, et s’il faut une nouvelle preuve pour s’en convaincre, il suffit de regarder « Hunger ». Film de Steve McQueen (pas l’acteur, l’autre, le réalisateur, celui de « 12 years a slave ») à propos de la grève de l’hygiène des membres de l’Armée Républicaine irlandaise provisoire, suivie par la grève de la faim de Bobby Sands, « Hunger » est le premier long de son réalisateur et c’est un coup de maitre. Film coup de poing, l’œuvre enchaîne les audaces et les prises de risques, sans que jamais elles ne paraissent gratuites. Plan fixe de 17 minutes sur une discussion ( !), plan fixe sur un homme en train de nettoyer l’urine renversé par les grévistes et autres originalités cinématographiques… Vous vous dites que c’est ennuyant, que c’est snob ? A mes yeux, vous avez tort.  C’est là toute la force d’ « Hunger » : refuser le conformisme, mais pas pour rien, au service d’une véritable puissance narrative et visuelle. Et en plus, c’est le film qui a révélé Michael Fassbender. Du très grand cinéma.

La scène : Qui l’eut cru ? On peut être hypnotisé et chamboulé par un long plan d’un homme au lointain, nettoyant de la pisse, sans que cela fasse de nous un snob.

73. Les Feux de la rampe (Charlie Chaplin, 1952) : 

« Salut toi ».

C’est l’un des derniers films de Charlie Chaplin, et c’est peut-être ce qui clôture le mieux une telle carrière. Empreint d’une mélancolie sublime, cette histoire d’un vieux comédien désabusé qui tente d’aider une danseuse de ballet ne vaut pas que pour le duo entre Chaplin et Buster Keaton (la seule collaboration audiovisuelle de ces deux génies !), même si ce moment est évidemment mémorable à plus d’un titre. « Les Feux de la rampe », avec son parfum d’adieux déchirants (c’est plus ou moins le film des adieux à son personnage fétiche, Charlot), prouvent à quel point l’immense Chaplin était un artiste de tous les sentiments, pas seulement comique, et une illustration que souvent l’humour est « la politesse du désespoir ». Film magnifique sur l’art de la scène et le succès qui est là, puis qui s’en va, autobiographique à bien des égards, « Les Feux de la rampe » montre que Charlie Chaplin pouvait aussi sublimer une ambiance de fin de règne.

La scène : la rencontre entre Charlie Chaplin et Buster Keaton, un moment de cinéma comme il y en a peu.

72. Ressources Humaines (Laurent Cantet, 1999) : 

« -Et celle du manchot qui veut se gratter, vous la connaissez ?
-Roh putain… »

Faire du cinéma social est une chose, bien souvent louable. Le transcender en est une autre. C’est ce que parvient à faire Laurent Cantet (le réalisateur d’ « Entre les murs »), avec « Ressources Humaines ». Pourtant, l’histoire est toute simple et les moyens du film sans prétention. Mais qu’importe, car l’œuvre a l’essentiel : l’humanité. Une humanité criante, brûlante, réaliste, bouleversante. C’est l’histoire d’un jeune qui après de brillantes études, choisit de travailler dans l’usine du coin où bosse son père, plutôt que d’aller dans un grand groupe. Cet idéalisme va se retrouver bientôt mis à mal lorsqu’il découvre un plan de licenciement. Histoire extrêmement crédible, psychologie des personnages subtile, interprétation magnifique, réalisation sans chi-chi, la recette est belle et le résultat magnifique. Un film à l’heure actuelle plus que jamais nécessaire et d’une grande beauté.

La scène : La confrontation entre le fils, qui a rejoint la grève, et le père pourtant licencié qui refuse de la faire : une friction qui donne des étincelles capables d’immensément me chambouler. Une scène qu’on pourrait qualifier de toute simple, et pourtant sublime.

71. Snatch : tu braques ou tu raques (Guy Ritchie, 2000) : 

« -Vous devez prendre une tasse de thé !
-Oh oui une tasse de thé, du bon thé bien préparé ! »

Guy Ritchie, que l’on a croisé plus haut dans le classement pour sa version survitaminé de Sherlock Holmes, est un homme qui aime les films pleins de peps, avec montage énervé, personnages déjantés, répliques d’allumés et rythme enlevé. A cet égard, « Snatch » est à mes yeux sa masterpiece. Véritable œuvre maitresse du « cinéma pop-corn », ce film enchaîne les moments cultes avec un tempo qui laisse groggy de plaisir. On y croise Brad Pitt en gitan bagarreur, des surnoms improbables, un méchant avec des grosses lunettes qui aime nourrir les cochons, des punchlines mémorables (« Mary fuckin’ Poppins »), Jason Statham qui fronce les sourcils, l’ancien footballeur Vinnie Jones en gros bras, des gros zooms et ralenti qui tâchent et pleins d’autres plaisirs. A déguster sans modération, et s’il vous reste de l’appétit, « Arnaque, crime et botanique », du même auteur, est moins mémorable mais franchement pas mal non plus.

La scène : « Do you like dagz’ ? ».

70. Winter Sleep (Nuri Bilge Ceylan, 2013) : 

« -Bah reviens, Gégé, il pleut et tu vas louper la meilleure partie !
-Je préfère la pluie à ta soirée diapo’, Patrick ! »

Il m’arrive souvent de dire que selon les moments, je suis capable aussi bien d’apprécier un blockbuster bien foutu qu’un film d’art et d’essai contemplatif. « Winter Sleep » est une très belle manière d’illustrer cette déclaration. La Palme d’Or de Nuri Bilge Ceylan, c’est plus de trois heures de film, une histoire qui prend son temps, des plans sur des paysages, de longs dialogues, un rythme tranquille. De quoi en rebuter plus d’un, et je le dis sans jugement. Mais pas moi. Plongée magnifique dans la psyché humaine, tourné dans un cadre sublime qui donne envie de faire le tour du monde, inspiré de Tchekhov, « Winter Sleep » est une merveille de film. Une œuvre majeure, qui mérite amplement sa Palme. Je me suis rendu compte à quel point ce film m’avait marqué lorsque j’ai senti une larme couler de mes yeux dans le métro du retour alors que sa musique résonnait dans ma tête. C’est parfois sur le chemin du retour qu’on se rend compte qu’on vient de passer une séance de cinéma mémorable.

La scène : Le grand dialogue entre le frère et la sœur.

69. Inception (Christopher Nolan, 2010) : 

Encore un coup d’Hidalgo pour bloquer la circulation parisienne.

On le pressentait depuis ses premiers films, on en avait eu la démonstration éblouissante avec « The Dark Knight », « Inception » fut la confirmation définitive : Christopher Nolan est un véritable maître et un homme capable de donner aux films très grands publics une profondeur et une noblesse incroyable. On le savait depuis « The Dark Knight », « Inception » nous montra que ce n’était pas une réussite isolé. N’en déplaise aux grincheux et aux méprisants, Nolan en a apporté la preuve : blockbuster ne veut pas forcément dire action sans cervelle, et rien que pour cette démonstration, on peut lui dire un grand merci. Le reste, nombreux sont ceux qui le connaissent avec entre autres : le casting impeccable (c’est tout de même le film qui a révélé Joseph Gordon-Levitt et Tom Hardy au grand public), la musique époustouflante d’Hans Zimmer bien sûr, la montée en tension mémorable de l’histoire (le moment où l’histoire se démultiplie en plusieurs strates est juste fabuleux, il vous attrape pour ne plus vous lâcher) et la fin devenu mythique.

La scène : La dernière scène bien sûr.

68. La Classe Américaine : Le Grand Détournement (Michel Hazanavicius et Dominique Mézerette, 1993) : 

Jean-Michel Classe.

« La Classe Américaine » c’est une des histoires les plus savoureuses de l’histoire du cinéma. Rembobinons : pour ses 70 ans, la Warner refile à Canal + tout son catalogue (à l’exception des films d’Eastwood et de Kubrick) et commande un petit film promotionnel. Malheureusement pour le studio et heureusement pour l’humour, à l’époque un certain patron n’a pas flingué l’esprit Canal, et le tout tombe entre les mains de Dominique Mézerette et un certain Michel Hazanavicius. Et là, ça part en couille. Voyant là une occasion unique de s’affranchir du copyright pour faire un joyeux n’importe quoi, les compères récupèrent la plupart des doubleurs des stars des films du catalogue et par la magie du re-doublage et du montage, tout ce beau monde va créer une histoire improbable avec l’homme le plus classe du monde, des indiens, des dinosaures partouzeurs de droite, Julien Lepers en black et j’en passe et des meilleurs. Et voilà une comédie extraordinaire, aux dialogues et aux citations cultissimes. C’est simple « Le Grand Détournement : La Classe Américaine » semble fait pour se balancer les répliques entre potes. Un bijou.

La scène : « Bonjour, c’est Orson Welles… ».

67. Little Nemo : Adventures in Slumberland (William Hurtz et Masami Hata, 1989) : 

La fine équipe.

De tous les dessins-animés cultes de mon enfance, il s’agit sans doute du plus original. « Little Nemo : Adventures in Slumberland » est en effet un dessin-animé scénarisé entre autres par Chris Columbus, réalisé par un japonais, Masami Hata, et un américain, William T. Hurtz, à partir d’une bande-dessiné américaine du tout début du 20éme siècle, crée par Winsor McCay (à laquelle je vous conseille de jeter plus qu’un coup d’œil, si vous tombez dessus, elle est géniale). L’histoire est la suivante : Little Nemo, un petit garçon rêveur, est invité au pays des rêves par le Roi Morphée. Mais, mal influencé, il ouvre la porte des cauchemars et plonge le pays dans le chaos. A lui d’aller, accompagné d’une petite équipe, dans le royaume des cauchemars pour réparer son erreur. Voilà pour les bases. Si je suis si sensible aux aventures oniriques, c’est sans doute en partie grâce à ce dessin-animé magique, à l’histoire incroyable et aux scènes très marquantes (le début, l’arrivée dans le monde des rêves, l’invasion des cauchemars, tout le passage dans le monde des cauchemars….).

La scène : la confrontation finale avec le Roi des cauchemars.

66. La Guerre des Mondes (Steven Spielberg, 2005) : 

L’invasion.

J’ai du mal à comprendre ce que certains reprochent à ce film. C’est à mes yeux une des pièces maitresses de la filmographie de Spielberg. En termes de réalisation, et plus particulièrement d’immersion, il est absolument incroyable. On est happé dans cette course pour la survie d’un père et de sa fille, entraîné au plus près d’eux, et on en sort abasourdi, presque fiévreux, tant on était comme avec eux. En terme de « film coup de poing », d’ « immersion totale », c’est pour moi une réussite incroyable et le talent de Spielberg y est pour beaucoup. Photographie magistrale, Tom Cruise dans un de ses meilleurs rôles, « La Guerre des Mondes » est un must du « survival movie ». Son gros point fort est de suivre obstinément un cap intimiste, pour ne nous faire que deviner le chaos global, ce qui rend subtilement son ressenti encore plus fort, car au cinéma, parfois, ne rien dévoiler, c’est beaucoup dire. Certes, le film se termine en « happy end » presque convenu, mais le reste est d’une noirceur folle et, étant un peu « maso » niveau film et série (comprendre que j’aime bien ce qui me retourne la tête), je ne pouvais que l’apprécier.

La scène : Le moment dans la cave, climax du film en terme de drame.

65. Là-Haut (Pete Docter et Bob Peterson, 2009) : 

« Non, je ne vais pas adopter ce gros oiseau ! »

L’histoire de mon visionnage de ce film suffirait presque en terme de commentaire. A l’époque, ma mère me propose de venir au cinéma voir ce film. Je n’ai pas encore 18 ans et un dans un moment de bêtise adolescente je refuse, arguant que « les dessins-animés type Disney / Pixar, c’est plus de mon âge ». Oui, je sais, c’est une réflexion absolument stupide, mais il nous arrive à tous d’en avoir. L’essentiel, c’est que je finis finalement par y aller, peut-être par désœuvrement, peut-être parce que je pressens que quand même, c’est idiot d’agir de cette façon. On va au cinéma et là, je me mange une grande claque. Dès la première scène, je suis en larmes. Moi, l’adolescent qui faisait le malin pas si longtemps avant, je pleure comme une madeleine. De quoi me servir de durable leçon. Merci donc à « Là-Haut », merveille d’humanité et de poésie, l’un des plus grands chefs d’œuvres de l’animation, de m’avoir remis les idées en place.

La scène : l’histoire d’amour du début donc, tout bonnement extraordinaire en termes de sensibilité et d’émotions. Dire qu’elle est touchante est un gros euphémisme, c’est une merveille qui prouve qu’on peut raconter une sublime histoire d’amour sans être cliché ni « nian-nian ».

64. Léon (Luc Besson, 1994) : 

« Allez, ouvre la bouche : une balle pour papa, une balle pour maman… »

Que t’est-il arrivé, Luc Besson ? Que s’est-il passé pour que tu ne sois aujourd’hui capable que de nous vendre des bouses à la « Lucy », étron de première catégorie ? Tu étais pourtant capable de faire de très bons trucs dans le temps. « Léon », Luc, tu te souviens de « Léon » ? Là, c’était du lourd, du solide. Une bonne grosse dose de fun, mené sans se prendre la tête, porté par un Jean Reno impeccable dans le rôle-titre et un Gary Oldman plus que fabuleux en policier ripou et camé. Une véritable performance de dingo pour l’ami Oldman, avec moult moments et répliques cultes (« I haven’t got time for this Mickey Mouse bullshit », putain, mais qui a écrit cette réplique ? C’est du génie), depuis sa première apparition jusqu’à la fin. Il y avait là un talent certain pour le fun, pour le divertissement, c’était bien mené, on suivait le tout avec kiff’. Qu’est-ce qui s’est passé ? A défaut de le savoir on peut revoir « Léon », en étant averti sur son côté provocateur, et aussi un peu limite, limite aussi sur certains aspects moraux (la relation entre Léon et Matilda notamment), il faut quand même le dire.

La scène : l’extraordinaire première apparition de Gary Oldman, une apparition de méchante bien puissante et badass comme on les aime.

63. Paprika (Satoshi Kon, 2005) : 

« On est pas là pour se faire engueuler, on est venu pour voir le défilé… »

Pour ceux qui en douteraient, les dessin-animés japonais ne se limitent pas à Ghibli. « Paprika » en est la preuve. J’ai vu cette œuvre pour la première fois dans un contexte particulier : une séance du soir, en solo et c’est peu dire que je suis rentré dedans. Bourré d’invention et de détail, c’est un petit bijou à l’animation impeccable et à l’histoire complétement folle. Le principe ? Des scientifiques ont inventé une machine pour soigner les gens à partir de leur rêve, mais celle-ci est volée et les ennuis commencent. Avec ses voyages oniriques si prenants et son excellente musique, « Paprika » est à découvrir, avec des mises en garde néanmoins : il faut parvenir à rentrer dans ce foisonnement cherchant à restituer au mieux l’ambiance des rêves (avec ce que cela comporte de WTF) et plusieurs visionnages sont nécessaires pour comprendre bien tous les tenants de l’histoire et les nombreuses références. Si cela ne vous arrête pas, foncez, vous allez probablement vous régaler ! Seul point noir, une fin qui dénote un peu en terme de simplisme par rapport au reste du film, mais rien de dramatique non plus ! Au fait, « Paprika » a inspiré « Inception » (et oui !) !

La scène : L’arrivée dans l’appartement d’Himuro, très marquante à mon goût.

62. Requiem for a dream (Darren Aronofsky, 2000) : 

Le calme avant la tempête.

Une bonne grosse tarte dans la gueule. Voilà ce qu’est « Requiem for a dream ». C’est simple à la fin du film, je suis resté en état de choc, tremblant et des larmes coulant sur mes joues, tandis que résonnait cette musique de Clint Mansell malheureusement trop utilisé aujourd’hui, mais qui pourtant a gardé toute sa force. Difficile de rester insensible face à cette descente aux enfers impitoyable subie par les personnages. Bien plus efficace que n’importe quel spot gouvernemental, « Requiem for a dream » ne retient pas ses coups pour dénoncer l’horreur des phénomènes d’addiction et de manque et le côté extrêmement vicieux de ce qui les provoque. Difficile de dire ce qui est le plus traumatisant dans toutes ces histoires sordides mêlés, mais celle de la personne plus âgé est tout de même particulièrement affreuse, parce qu’elle touche un type de personnage qu’on voit rarement touché par l’addiction. Ceci dit, en terme de choc, la scène finale du personnage de Jennifer Connelly est difficile à battre. Bref, à voir, mais préparé.

La scène : la fin du film, d’une hallucinante noirceur.

61. Orange Mécanique (Stanley Kubrick, 1971) : 

Lui aussi sort de nulle part une frappe de bâtard, mais c’est pas le même type que celle de Pavard.

Quand on dit d’un film qu’il est l’un des plus grands chefs d’œuvre de Stanley Kubrick, on a déjà beaucoup dit. « Orange Mécanique » étant un des films les plus commentés de l’histoire, il est difficile d’en parler sans tomber dans la redite de chose déjà dites maintes fois. Oui, le film est une claque aussi profond que perturbant. Oui, la performance de Malcom McDowell en Alex est démentielle et va chercher très haut au panthéon des interprétations de « méchant ». Oui, la musique est dingue. Oui, la réalisation est impeccable (en même temps on parle de Kubrick quand même !). Oui, certaines scènes sont éprouvantes, même selon les standards d’aujourd’hui. Bref, on en ressort K.O debout, fortement marqué par cette réflexion sans concession sur la violence, sociale comme individuelle. Si vous ne l’avez toujours pas vu, il est temps de prendre votre courage à deux mains, tant « Orange Mécanique » fait figure d’indispensable.

La scène : Le travelling arrière du début qui pose les bases.

60. Ran (Akira Kurosawa, 1985) : 

Ceci n’est pas une version vintage des Power Rangers.

Chef d’œuvre du maître japonais Akira Kurosawa, « Ran », s’il est pourtant moins connu que « Kagemusha, l’Ombre du guerrier » ou « Les Sept Samouraïs », n’en reste pas moins une merveille. A la manière de ce qu’il avait réalisé presque trente plus tôt avec Macbeth dans « Le Château de l’araignée », Kurosawa adapte ici la tragédie du « Roi Lear » dans un Japon plutôt médiéval. Force de l’histoire shakespearienne mêlé à l’esthétique japonaise, le combo est magnifique. « Ran » est un film d’une puissance hallucinante, un tour de force cinématographique. On comprend aisément en le voyant pourquoi de nombreux réalisateurs extrêmement talentueux comme Lucas ou Coppola. Si l’on en croit Wikipédia, Akira Kurosawa l’aurait même qualifié comme son meilleur film, lui qui avait l’habitude de répondre « le prochain » quand on lui posait la question. De quoi poser les choses.

La scène : la bataille de fin avec le roi fou perdu.

59. Le Ruban Blanc (Michael Haneke, 2009) : 

En cage.

Après avoir vu ce film avec ma mère, il nous fallut de longue minutes avant de pouvoir échanger un mot. C’est dire l’effet produit par « Le Ruban Blanc ». Pourtant, rien de visuellement horrible, pas vraiment de moments d’angoisse. Juste une ambiance, malaisante et oppressante,  avec ce « noir et blanc » si fort, pour raconter l’histoire de ce village, où pèse la chape de plomb d’une morale et d’une hypocrisie rampante. Haneke, que j’ai un jour qualifié de « cinéaste de la joie », est un génie pour restituer des atmosphères étouffantes et sordides. Ici, le cinéaste autrichien raconte un monde de privations et de violence sourde, face auquel l’enfance se pervertit et même si Haneke ne l’a jamais clairement admis, beaucoup ont justement commenté qu’il y avait une partie de terreau qui allait mener au nazisme et aux totalitarismes des années 30. Eprouvant à voir, mais terriblement intelligent.

La scène : le moment où l’on devine les violences sexuelles subies.

58. Le Nom des Gens (Michel Leclerc, 2010) : 

« Oh ben, vous ici ! »

Quel plaisir ce film ! Quel kiff’ ! Un bon gros « feel good movie » comme on les aime. Le pitch en soi est déjà très savoureux : une femme a sa propre de l’engagement politique, à savoir coucher avec des gens de droite pour les faire devenir de gauche. Quand elle rencontre Arthur Martin (oui, comme l’électroménager, c’est d’ailleurs une blague du film) qu’elle considère chiant comme la pluie, elle en est sûr : le mec est de droite et c’est pour elle le client parfait. Manque de bol, le type est socialiste et fan de Lionel Jospin, et peut-être plus intéressant qu’il en a l’air de prime abord. Originalité du scénario, enchainement de moments délicieux, réquisitoire malin contre les préjugés, acteurs au top (notamment Jacques Gamblin, magnifique), c’est une petite pépite et la preuve que le cinéma français sait encore faire des œuvres pleines de sens mais pas trop pédantes non plus. Et en plus, y a Lionel Jospin en guest dans une scène magique !

La scène : Celle avec Lionel est bien sûr incroyable, mais la plus belle scène du film reste le moment où Arthur Martin, qui est resté d’une grande retenue tout le long du film, péte un câble face aux questions inquisitrices à propos de sa mère.

57. Prisoners (Denis Villeneuve, 2013) : 

Sous tension.

« Prisoners » fut ma découverte du réalisateur Denis Villeneuve et après son visionnage, il ne me fallut pas longtemps pour comprendre qu’il y avait là un homme à suivre, un futur grand. « Prisoners » reste relativement méconnu, pourtant presque tous les gens que je connais à l’avoir vu le dise : c’est un film incroyable. Au rang des thrillers et des films qui retournent la tête, il est très haut. Enquête sur une disparition d’enfant, doté d’une ambiance incroyable, souligné par une photographie impeccable (un classique de Villeneuve, on le sait maintenant), il nous prend à la gorge pour ne nous lâcher qu’après un direct du droit dans l’estomac. Porté par un Jake Gyllenhaal qui est probablement un des acteurs actuels les plus sous-estimés, je le maintiens, et par un Hugh Jackman qui trouve ici la redoutable occasion de prouver qu’il n’est pas seulement « Monsieur Wolverine », porté aussi par des seconds rôles au diapason (dont le toujours marquant Paul Dano), « Prisoners » est un récit glaçant sur ce dont sont capables les hommes ordinaires en état de détresse, et comment traquer des monstres peut nous changer en monstre. Car « quand tu regardes au fond de l’abîme, l’abîme aussi regarde en toi ». Un film puissant et magistral.

La scène : la terrible torture du personnage de Paul Dano.

56. Birdman (Alejandro González Iñárritu, 2014) : 

Chemise versus slip, le duel au sommet.

J’ai eu la chance d’aller voir ce film en avant-première et je ne me suis pas privé de dire à de nombreuses personnes que sortait dans quelque temps un film incroyable. J’ai eu la chance de le voir de nouveau en ciné-concert, une superbe expérience. A chaque fois, j’en suis sorti plus que conquis. L’histoire ? Un homme qui a connu la célébrité avec une série de films de super-héros tente de reconquérir le succès par une pièce beaucoup plus sérieuse à Broadway. Les thèmes abordés par le film (rien de moins que l’art et la gloire, notamment) sont traités avec une très grande justesse, les comédiens, dans une sorte de semi-parodie d’eux-mêmes, sont saisissants, Michael Keaton en premier lieu évidemment. Et que dire de cette réalisation, avec ce « vrai-faux » travelling qui paraît durer presque tout le film et qui nous embarque de manière extraordinairement virtuose ? Que dire, à part que c’est un coup de génie ? Et puis il y a ces dialogues, ciselés, acérés, qui relève le tout comme de bonnes épices. Ajoutez à cela Emma Stone et n’en jetez plus, je suis conquis. Bref, une recette impeccable et un de mes plus grands plaisirs cinéphiliques récents.

La scène : le dialogue avec la critique, savoureux au possible.

55. La Saga Toy Story (John Lasseter, 1995 et 1999, Lee Unkrich, 2010) : 

« Je ne vois que l’herbe qui verdoie… »

On dit souvent qu’il est difficile de réussir une suite, surtout quand elle n’est pas prévue. On estime régulièrement que faire une trilogie où tous les films sont bons est un bon gros challenge. De tout ceci, la saga « Toy Story » s’en fiche comme de sa première chaussette. Ce n’est même pas que les trois sont impeccables, c’est que chacun d’entre eux est meilleur que le précédent, ce qui paraissait presque impossible au visionnage de chacun. Mais voilà, les « Toy Story », de dessin-animé fun, ont réussi à accéder au statut de meilleure représentation de l’esprit Pixar, avec un quatuor plaisir-profondeur-références-beauté qui calme bien comme il faut. Et au-delà des aventures géniales de toute la bande, c’est aussi une magnifique évocation de l’enfance, à travers le concept universel du jouet, jusqu’au déchirant troisième, qui arrachera de chaudes larmes à quiconque un peu sensible. Vous voulez savoir comment faire du pathos sans faire du pathétique ? Matez un bon Pixar et si vous voulez un excellent exemple, matez un « Toy Story ».

La scène : la scène finale du troisième, un mélange fabuleux de tristesse et de joie qui réveillera bien des souvenirs à n’importe qui.

54. RRRrrrr !!! (Alain Chabat, 2004) : 

Le meilleur morceau c’est la trompe, ne vous y trompez pas (ah ah).

Que les rageux ragent, puisque c’est leur rôle, je vais lancer une bombe qui fera hurler tous ceux qui trouvent « « RRRrrrr!!!  » débile : ce film est ce que les français ont fait qui se rapproche le plus d’un film des Monty Pythons. Oui, messieurs, dames. « RRRrrrr !!! » est un petit bijou d’absurde, que ce soient dans les répliques ou dans les situations : le mec qui dit que ça va être tout noir, « vous connaissez ma femme ? », les mecs qui s’appellent tous Pierre, « donne pas la patte », « tous à l’Hippopotamouth »… Et comme certains Monty Pythons, la base du fun est de prendre une situation historique précise, pour la parodier joyeusement avec un esprit de folie jouissive quasiment sans limites. C’est culte que ça n’en peut plus et certes, il y a quelques temps morts, mais quand c’est bon, et c’est souvent bon, c’est à en tomber du canapé de rire. Alors laissez-vous faire et emporter par ce bon gros délire en compagnie des Robins des Bois et de leurs compères, Alain Chabat s’y connait, vous pouvez lui faire confiance. A mes yeux une des meilleures comédies françaises, et si vous êtes pas contents, c’est pareil.

La scène : « On lui a cousu tous les orifices ! –Même les doigts de pieds ? – C’est pas des orifices. –Ah oui, et pourquoi on dit ‘se faire coudre les doigts de pieds par tous les trous’ ? –On le dit pas, ça. – Ah. »

53. Shutter Island (Martin Scorcese, 2010) : 

Tout ne va pas se passer comme prévu.

La crème de la collaboration Scorcese / DiCaprio (rien de moins !) est à mes yeux « Shutter Island ». L’occasion de parler du grand paradoxe qui anime mes goûts de spectateur : si j’ai beaucoup de mal à apprécier les films d’horreurs purs, j’adore en revanche énormément les thrillers qui retournent le cerveau, même quand ils flirtent avec le genre horrifique, comme c’est le cas ici. Dites « scénario mindfuck », « twist bouleversant », « ambiance travaillée », « dédales psychologiques » et pour peu que ce soit bien fait, vous avez toutes les chances de me voir conquis, quand bien même je dois passer certains moments difficiles en terme d’angoisse (oui, je suis un grand fragile et assumé). Question de dosage sans doute et à condition de ne pas avoir trop de « jump scare », cet effet qui cherche à faire bondir le spectateur. Bref, dans les quatre atouts évoqués, « Shutter Island » se pose là et bien là : le scénario est impeccablement mené, la (les) révélation(s) vous mettront presque en état de choc, l’ambiance est magistrale et ce film est autant une torture qu’un plaisir pour votre cerveau. L’illustration, s’il en fallait une, que Scorcese n’est pas seulement excellentissime pour les films de truands.

La scène : la scène finale, une bonne grosse claque qui vous fera réfléchir longtemps sur le vrai sens du film.

52. Fantasia (James Algar, Samuel Armstrong, Ford Beebe, Norman Ferguson, Jim Handley, Thornton Hee, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Bill Roberts et  Paul Satterfield, 1940) :

Un film magique.

L’idée même à la base de « Fantasia » est déjà merveilleuse et c’est peu dire que d’affirmer que le résultat est plus qu’à la hauteur. Mettre « en animation » des chefs d’œuvres de la musique classique, c’est-à-dire les « illustrer » par des dessins-animés, il fallait y penser ! Et voilà donc « Fantasia », cette œuvre de génie complétement à part dans la mythologie Disney en particulier et dans l’histoire du cinéma en général, un bijou d’imagination et de poésie, d’une qualité visuelle qui, encore aujourd’hui (à l’exception peut-être du tout début), laisse pantois et encore plus quand on sait que tout cela a été fait en 1940 ! Des moments magiques s’enchaînent et s’enchaînent, sous le son sublime de morceaux incroyables, à tel point que certains d’entre eux (« L’Apprenti sorcier » et une « Une Nuit sur le Mont Chauve », notamment) sont intimement liés à mes yeux à leur passage dans « Fantasia » et je ne peux presque pas les écouter sans en revoir des images. Une suite, « Fantasia 2000 », a fini par sortir mais, si elle reste très belle, elle n’en atteint pas moins le degré d’émerveillement du premier, comme s’il manquait un « je ne sais quoi » de magique. En tout cas, le talent visuel de Disney et la beauté des grands morceaux classiques, cela reste l’un des plus beaux mariages qu’on puisse imaginer.

La scène : Il est incroyablement difficile de choisir entre quasiment tous les fragments (les dinosaures, « Une Nuit sur le Mont Chauve », le ballet des animaux, « L’Apprenti sorcier »…) mais, en hommage au jeune mordu de mythologie grec que j’étais (et suis d’ailleurs en grande partie encore !), je choisi le fragment la concernant, sur la « Symphonie Pastorale » de Beethoven.

51. J’ai toujours rêvé d’être un gangster (Samuel Benchetrit, 2007) : 

Vertiges de la cafét’.

Il y a des films dont vous n’attendez rien, ou du moins pas grand-chose, et qui vous marquent énormément. Il y en a aussi qui vous attirent d’instinct, et vous n’êtes pas déçu. Cette dernière affirmation s’illustre parfaitement, à mes yeux, par « J’ai toujours rêvé d’être un gangster ». Des souvenirs que j’en ai, j’avais vu juste une bande-annonce ou peut-être même pas, une affiche, mais j’avais envie de voir ce film. Et, parfois, certaines de nos plus belles aventures de spectateur se font avec un être cher. Je convainquis ma mère de le regarder avec moi et ce fut extraordinaire. Aux moments de fous rires immenses (comme j’en ai rarement eu !) ne succédait que des instants touchants. Nous en sortîmes tous les deux plus que conquis et nous nous en souvenons encore aujourd’hui avec un sourire aux lèvres. Films à « fragments », qui vont du savoureux au sublime, reliés par une cafétéria, « J’ai toujours rêvé d’être un gangster » est une pépite, rempli d’humour absurde et d’un délicat mélange de « doux-amer ». On y croise une escouade de choc : Jean Rochefort, Bouli Lanners, Serge Larivière, Laurent Terzieff, Edouard Baer, Anna Mouglalis, Alain Bashung, Arno, entre autres, qui épousent parfaitement l’ambiance de film. Après une telle réussite, j’ai surveillé les autres productions de Samuel Benchetrit mais aucune d’entre elles ne m’a paru à la hauteur de « J’ai toujours rêvé d’être un gangster » et j’ai préféré ne pas le voir, par peur d’être trop déçu.

La scène : le passage avec notamment Jean Rochefort est sublime mais le plus génial de tous reste celui avec Bouli Lanners et Serge Larivière et particulièrement une conversation téléphonique à tomber de son canapé de rire.

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place.

De la 150éme à la 126éme place. 

De la 125éme à la 101éme place. 

De la 100éme à la 76éme place. 

100. La Cité de la Peur (Alain Berbérian, 1994) : 

Quand ce n’est pas un tango, ni un cha cha.

Autre comédie française culte de ce classement, « La Cité de la Peur » est pour moi comme pour tant d’autres, une mine à moments et répliques légendaires. Si je l’ai vu relativement tard par rapport à d’autres membres de ma génération, il ne m’a pas fallu longtemps pour prendre le train en marche et partager avec mes amis le délice de lancer ici et là des lignes du film. « Vous voulez pas un whisky d’abord ? », « monsieur est commissaire de police », « meurs, pourriture communiste », « c’est une véritable boucherie à l’intérieur », « barrez-vous cons de mimes », « quand je suis content, je vomi », « prenez un chewing-gum Emile » et bien sûr la plus célèbre d’entre toutes, la tirade sur « on peut tromper », il est extraordinaire de constater à quel point les répliques de « La Cité de la Peur », malgré leur côté franchement décalé et absurde, parviennent à trouver leur place dans nos vies quotidiennes. Bref, le talent d’écriture et l’interprétation tout en merveilleusement « trop sérieux »  des « Nuls » est à son apogée et le public, ravi.

La scène : très très difficile de choisir, mais on va dire la scène où Kara’ va chercher Odile à l’aéroport.

99. Pirates des Caraïbes : La Malédiction du Black Pearl et Pirates des Caraïbes : Le Secret du coffre maudit (Gore Verbinski, 2003 et 2006) : 

« Putain, j’crois qu’il y a un mec dans mon dos… »

On a tendance à l’oublier aujourd’hui (le premier volet est tout de même sorti il y a quinze ans… outch le coup de vieux) mais à l’époque, l’arrivée de « Pirate des Caraïbes » sur les écrans fut une énorme claque en terme de fun et un dépoussiérage bienvenu dans le monde des blockbusters. On découvrait émerveillé ce mélange si réussi entre action et humour, cette musique incroyable, cette histoire réveillant habilement des mythologies si prenantes comme les pirates, ces décors qui nous faisaient voyager dans les Caraïbes et surtout, surtout, cet anti-héros sublime, Jack Sparrow, à la fois merveilleux et ridicule, incarné avec une maestria immense par un Johnny Depp habité. Alors certes, la série s’est perdue dans les suites (seul le deuxième accompagne le premier dans mon classement, car il est à mes yeux le seul à en être digne, même si le troisième comporte sa dose de fun) et « Sparrow » a parfois du mal à quitter un Johnny Depp désormais bien enclin au cabotinage, mais tout de même, quel kiff’. Comme quoi, ce peut être une bonne idée de faire un film sur une attraction de parc.

La scène : la première arrivée de Jack Sparrow au port.

98. Chicken Run (Nick Park et Peter Lord, 2000) : 

« Salut ma poule, moi c’est la poule ! »

A travers l’excellentissime « Chicken Run », « grande évasion » des poules ultra-savoureuse, c’est ici l’occasion pour moi de rendre un hommage appuyé et ému aux studios Aardman Animations, ces génies qui, avec de la pâte à modeler et beaucoup de patience, créent du rêve, image par image. Les courts-métrages « Wallace et Gromit » ne pouvant être présents dans ce classement (il a en effet fallu me limiter aux longs-métrages, sans quoi la tâche aurait été trop dure et les longs de « Wallace et Gromit », s’ils restent excellents, n’atteignent pas pour moi le niveau de génie des courts et de « Chicken Run »), voilà les poules en porte-drapeau du travail extraordinaire de ce studio. Car tout de même, continuer le pari de la pâte à modeler à l’heure du « tout numérique », continuer à nous apporter des univers vibrant de singularités, toujours remplis de références passionnés au reste de la culture audio-visuelle, c’est un magnifique courage d’artiste. Alors bravo et merci.

La scène : l’évasion volante.

97. 20 000 lieues sous les mers (Richard Fleischer, 1954) : 

Quand t’as pété et que tout le monde t’as cramé, sauf un mec.

Un grand classique VHS de ma jeunesse, m’émerveillant enfant et jeune adolescent et présentant aujourd’hui à mes yeux la douce poésie « vintage » de ces vieux films qui ont su captiver notre jeunesse, ces vieux films avec tout leur rituel : le magnétoscope, les bandes annonces d’avant film qu’on connaissait par cœur, le rembobinage ou l’avance rapide avec les raies sur l’écran, ces cassettes qu’on manipulait avec précaution… Et ici, cette histoire de sous-marin si forte : la tension lorsqu’on pense encore qu’il s’agit d’un monstre marin, l’enterrement sous-marin, ces décors magnifiques, l’orgue du capitaine Nemo, la classe de Kirk Douglas… Un must.

La scène : le très connu combat contre la pieuvre géante, un souvenir très fort pour moi.

96. La Vie est belle (Roberto Begnini, 1997) : 

« Dis papa… »

Ce film est extraordinaire ne serait-ce que parce qu’il existe. Il repose en effet sur un pari fou : faire rire au sein des camps de la mort nazis. Le résultat : une comédie qui fait pleurer, un mélodrame qui fait sourire, où un père courage tente de divertir son fils en plein milieu d’un camp, en lui faisant croire que tout ceci n’est qu’un jeu. Film résolument à part, mêlant violence et tendresse, c’est un déchirement qui nous fait du bien, un irrésistible cri d’optimisme et d’amour s’élevant depuis le plus profond de l’horreur. Benigni est merveilleux, la fin nous laisse en larmes comme rarement. « La Vie est belle », de par son risque immense, a instauré un incroyable précédent et a rappelé que oui, envers et contre tout, le rire peut être médecin, le rire peut être sublime, si on l’amène bien. Puissant et nécessaire.

La scène : la découverte du charnier, incroyable ascenseur émotionnel où le spectateur prend en pleine figure le rappel du contexte dans laquelle se déroule l’histoire entre ce père et son fils.

95.  L’Illusionniste (Sylvain Chomet, 2010) : 

« J’aime les panoramas. Celui-ci est magnifique. »

Dès son premier long-métrage, « Les Triplettes de Belleville », Sylvain Chomet a su imposer avec une audace tranquille une patte franchement singulière dans le monde de l’animation. A l’époque, peut-être encore un peu jeune, j’avais été respectueusement intrigué par cette bizarrerie qu’était « Les Triplettes de Belleville » mais pas non plus si transcendé. Des années plus tard, « L’Illusionniste », deuxième long animé du même Chomet, m’emporta en revanche véritablement. Je me souviens encore de cette journée où j’avais convaincu un ami d’aller tenter l’aventure. Nous sortîmes tous deux ravis, émerveillé par ce film d’une immense tendresse, sublimement nostalgique. Basé sur un inédit de Jacques Tati, c’est l’histoire d’un vieil illusionniste qui, se sentant dépassé, tente de continuer sa carrière en Ecosse. Là-bas, une petite fille le prend pour un vrai magicien. Magique, c’est un qualificatif qui convient plutôt bien à ce petit bijou de dessin animé aux images magnifiques, sans prétention et si touchant.

La scène : l’arrivée dans le petit village écossais.

94. 4 mois, 3 semaines, 2 jours (Cristian Mungiu, 2007) : 

Merci Simone Veil.

Une ahurissante claque, aussi froide et implacable que ce titre segmenté et chirurgical. Dans la Roumanie de Ceaucescu, deux jeunes colocataires. L’une doit aider l’autre à avorter clandestinement. Bien sûr, tout ne va pas fonctionner parfaitement, c’est le moins qu’on puisse dire. C’est donc un film sur l’avortement bien sûr, mais aussi sur le dévouement à autrui. « 4 mois, 3 semaines, 2 jours » prend aux tripes comme peu de films peuvent le faire, de manière glaciale. Témoignage d’une force immense pour balayer la rhétorique de « l’avortement de confort » et un bon paquet des arguments anti-IVG, le film de Cristian Mingiu sait être choc tout en restant d’une très grande subtilité. A l’image de cette réalisation virtuose de simplicité, maniant magnifiquement l’art du détail. Ainsi, par exemple, dans « 4 mois, 3 semaines, 2 jours », l’arrière-plan n’est jamais anodin. Reste à saluer l’interprétation ultra-puissante des deux interprètes principales, chacune dans leur style, pour incarner ces deux figures de femmes aussi fortes que peu clichés.

La scène : la difficilement soutenable scène avec l’homme chargé de l’avortement.

93. La Belle et la Bête (Gary Trousdale et Kirk Wise, 1991) : 

Let’s dance !

On continue donc ce classement avec un autre petit Disney des familles. On y retrouve tous les ingrédients qui font la force des meilleures œuvres du studio d’animation, comme par exemple une histoire solide aux thématiques universelles ou des personnages secondaires amusants, avec un supplément d’épique et de force qui le place à mes yeux dans le peloton de tête des films Disney. Autres grands atouts de « La Belle et la Bête » : des chansons géniales, même pour les standards de la bande à Mickey, et un univers graphique, certes dans la pure lignée des créations du studio, mais avec un quelque-chose en plus en terme de puissance visuelle. Bref, un classique et pas pour rien.

La scène : « C’est la fête », peut-être ma chanson Disney préférée.

92. Habemus Papam (Nani Moretti, 2011) : 

Discussion « privé ».

La fumée est blanche : après de nombreux jours de conclave, le cardinal Melville a été élu pape. Mais celui-ci ne veut pas de ce rôle et est pris d’une attaque de panique avant de se présenter à la foule. Le collège des cardinaux, bien que sceptique, accepte de demander l’aide d’un psychiatre. Voilà donc la base du scénario (et quel scénario !) d’ « Habemus Papam ». Porté par un Michel Piccoli absolument extraordinaire, l’œuvre de Nanni Moretti aborde de très belle manière des thèmes pourtant très complexes, sans jamais verser dans la caricature. Film à l’ambition rare mais tranquille, « Habemus Papam » est une petite merveille d’humanité et de subtilité. Où il arrive que, l’espace d’une scène (celle de « Todo Cambia », la sublime chanson de Mercedes Sosa ou celle où on demande innocemment à Melville ce qu’il fait dans la vie), la beauté irradie de l’écran, à tel point que j’en ai été par deux fois ému aux larmes, non pas parce que c’était triste, mais parce que c’était beau.

La scène : difficile de choisir justement entre les deux qui m’ont faites pleurer, la première étant le moment où Melville est élu de manière inattendu et tous les cardinaux applaudissent alors qu’un gros plan sur le visage de Piccoli révèle de si belle manière le trouble intérieur du cardinal, la deuxième étant le moment du tournoi international de volley entre cardinaux, où ceux de l’Océanie, qui ne sont que trois, réussissent finalement à marquer un point. A choisir, je dirai la deuxième, pour son côté surprenant et incroyable d’émotions.

91. La Vie et rien d’autre (Bertrand Tavernier, 1989) : 

« -On s’fait un beer pong ? Cette table est super !
-Ecoutez monsieur, je ne suis pas sûr que ce soit le moment et je ne sais même pas si on a déjà inventé ce jeu. »

Philippe Noiret est à mes yeux un acteur immense. Une légende. Un monument. C’est d’ailleurs mon acteur français préféré, toutes époques confondues. Alors comment ne pas aimer « La Vie et rien d’autre » de son vieux complice Bertrand Tavernier, où il fait une véritable démonstration de son talent dans le rôle de ce vieux commandant chargé du recensement des soldats disparus après la Première Guerre Mondiale et troublé par deux femmes à la recherche de leurs amoureux perdus. Extrêmement touchant de rude pudeur, il illumine ce film fort sur l’après de cette boucherie insensée que fut cette guerre. César du meilleur acteur à l’époque, évidemment.

La scène : le sublime monologue final avec la voix chaude de Noiret qui résonne en voix off.

90. Les Nouveaux Sauvages (Damián Szifrón, 2014) : 

« -Non pas Patrick Sébastien, noooooon !
-Et on fait tourner les serviettes tralala… »

Revoir un film peut pousser à l’apprécier encore plus. C’est exactement ce qui s’est passé dans mon cas avec « Les Nouveaux Sauvages », juste aimé au premier visionnage et dont je n’ai réalisé le caractère franchement génial qu’il avait à mes yeux qu’en le revoyant avec des amis. C’est une pépite pleine de fureur et de sauvagerie (sans déconner !) enchainant plusieurs fables sur la violence contemporaine quotidienne, non pas celle du crime, mais celle de tous les instants, une violence amplifiée jusqu’à devenir grotesque. C’est souvent hilarant, parfois cruellement jouissif, parfois juste malaisant et même touchant de temps à autre. Comme souvent dans ce genre de films, le côté « film à sketch » rend les segments au final assez inégaux, mais la moyenne est très haute et les meilleurs moments sont franchement extraordinaires (Pasternak, Bombita, l’accident de voiture dans un style tout à fait à part et surtout l’incroyable mariage, bouquet final génialissime). L’autre coup de génie du film est de parler de l’Argentine contemporaine avec des thématiques qui frapperont quiconque connaît bien ce pays, tout en gardant suffisamment d’universalisme pour parler à beaucoup de monde.

La scène : le final du mariage, meilleur segment du film.

89. The We and the I (Michel Gondry, 2012) : 

« -Quoi, elle te plaît pas ma frange ?
-Gros, c’est chaaaaaud. »

Avant tout connu pour « Eternal Sunshine of the Spotless Mind », Michel Gondry poursuit sa carrière tranquillou depuis, en affirmant film après film une patte faite d’hommages au bricolage, d’effets spéciaux souvent volontairement enfantins, de ton humaniste et de bonnes musiques. En 2012, Mich’ réalise un film passé plus ou moins inaperçu : « The We and the I ». C’est un véritable bijou discret. On y voit le (long) parcours d’un bus ramenant chez des élèves d’un lycée du Bronx pour le début des vacances. Au fur et à mesure que le bus se vide, les comportements évoluent, se font plus sincères. Démonstration implacable mais aussi très touchante du changement des comportements humains selon qu’on soit en groupe ou solitaire (le titre du film annonçant bien la couleur), « The We and the I », porté par ses acteurs amateurs, avec son huis-clos original (puisqu’il s’agit d’un bus, l’intérieur est évidemment connecté à l’extérieur) et sa bande-son géniale, est une pépite de subtilité. Avec en cerise sur le gâteau, un faux Donald Trump en guest du récit mythomane d’un des passagers, savoureux à regarder aujourd’hui.

La scène : l’inattendue nouvelle finale.

88. Le Loup de Wall Street (Martin Scorcese, 2013) : 

« -Hubert Bonisseur de la Bath, mais ici je suis Lucien Bramard. »

Quand Scorcese s’attaque au monde de la finance en adaptant l’autobiographie de Jordan Belfort, cela donne un film de fou furieux de presque 3H quasiment sans temps mort, une œuvre sur-vitaminé, une déflagration déguisée en cinéma, une bombe. Une véritable folie, à la hauteur du monde qu’elle dépeint, cette finance démiurgique, en roue libre, où les Jordan Belfort de tous styles s’en donnent à cœur joie. Le seul reproche qu’on pourrait éventuellement faire à ce film, c’est d’un peu noyer sa dénonciation dans la démesure, mais en terme de pur plaisir de spectateur, quel pied ! L’une des meilleures perf’ de DiCaprio pour laquelle il méritait largement plus un Oscar que pour sa démonstration masochiste et baveuse dans « The Revenant ». Manque de bol, cette année-là, McConaughey (présent aussi au générique du « Loup de Wall Street ») faisait très fort dans « Dallas Buyer Club » et le voir remporter le prix n’avait rien de scandaleux. Reste donc à réapprécier cette performance démente de Léo’ non pour les récompenses, mais pour ce qu’elle est : hallucinante.

La scène : celle, culte, où Matthew McConaughey fait sa fameuse musique en se frappant le torse.

87. Aladdin (John Musker et Ron Clements, 1992) : 

Mister Tiger is not amused.

Un nouveau Disney pour poursuivre, avec donc « Aladdin », le chef d’œuvre de 1992, l’un des plus beaux porte-étendards du « nouvel âge d’or » du studio, auquel les enfants des 90’s dont je fais partie, doivent une enfance dont les classiques sont pour beaucoup estampillés « Mickey » (même si j’ai la chance d’avoir pu m’ouvrir à d’autres dessins-animés comme vous le constaterez tout au long de ce classement). Histoire entraînante, animation chiadé, méchant charismatique, personnages secondaires excellents, tout y est pour passer un super moment. Mention spéciale au délirant Génie, peut-être le meilleur personnage de Disney, ce qui n’est pas peu dire, messieurs dames !

La scène : « Prince Aliiiii, oui c’est bien lui… ». Une chanson qui fait partie de la crème de la crème de la musique Disney.

86. Soyez sympas, rembobinez (Michel Gondry, 2008) : 

Maïté et l’anguille, le remake suédé.

Autre pépite de l’ami Michou’ Gondry, « Soyez sympas, rembobinez » a de attirer l’attention rien que par son pitch délirant : suite à un accident, l’ami du fils d’un propriétaire de magasin de location efface toutes les VHS dudit magasin. Sans se démonter des genoux, les deux compères décide de masquer la catastrophe en « suédant » tous les films perdus, c’est-à-dire en les tournant avec les moyens du bord. SOS Fantômes, Rush Hour 2… tout y passe pour notre plus grand bonheur, émerveillé que nous sommes par ce bricolage tout à la fois ridicule et magique. C’est évidemment un délicieux hommage au cinéma, qui a lancé la souvent savoureuse mode du « suédage », le remake amateur de films.

La scène : les événements finaux, pleins d’émotions.

85. Spartacus (Stanley Kubrick, 1960) : 

Quand ton prof de peinture t’aime pas trop.

A l’heure de dresser la liste des chefs d’œuvres de Kubrick, il ne faut pas laisser de côté « Spartacus ». Porté par la plume d’un Trumbo et la force évocatrice de son inspiration historique, habité par le charisme immense d’un Kirk Douglas et le génie artistique de Stanley, « Spartacus » est un film immense, un sublime péplum bien sûr, mais également bien plus que cela : une épopée aux valeurs superbes, qui malgré tout, semblent ne pas avoir pris une ride. Un film d’une incroyable force mais aussi d’une terrible dureté, où la destinée individuelle vient rejoindre l’histoire pour affirmer, qu’importe les siècles, le combat au nom de l’humanisme. On en sort groggy et pensif. L’épique au service des valeurs, tout « simplement ».

La scène : la scène finale.

84. The Truman Show (Peter Weir, 1998) : 

Marcher sur les nuages.

Si aujourd’hui, nous sommes tous familier avec le célèbre pitch du « Truman Show » (pour ceux qui ont passé les vingt dernières années à chasser les manchots en Antarctique, c’est l’histoire d’un mec dont toute la vie n’est en réalité qu’un show TV), il faut imaginer la déflagration que ce film a représentée à sa sortie. Certes, le ton est plus tragicomique que véritablement dramatique au sens âpre du mot, mais cela n’enlève rien au côté incroyablement glaçant de cette histoire, d’autant plus marquante qu’elle reste malgré tout plutôt crédible (ce qui amène d’ailleurs l’écrasante majorité des spectateurs à se poser des questions, quasiment tout le temps seulement pour rire, certes, mais tout de même). Film d’un impact immense, dénonciation ultra bien-vue des dérives de la télé réalité et de la publicité et en même temps plaidoyer touchant pour la liberté de l’homme, avec un Jim Carrey prouvant au monde entier qu’il n’est pas seulement un pitre, certes génial, « The Truman Show » garde, vingt ans après, toute sa force.

La scène : celle où Truman atteint pour la première fois les limites, peintes, de l’immense studio.

83. Mulan (Tony Bancroft et Barry Cook, 1998) : 

« Hop, hop, hop, test d’alcoolémie surprise ! Combien j’ai de doigts ? »

Au sein des Disney, on commence à toucher à mes chouchous parmi les chouchous. Si « Mulan » me plait autant, ce n’est pas seulement pour l’inénarrable Mushu, pour son héroïne attachante et forte, pour son récit si prenant, pour sa chanson « Comme un homme » qui rentre dans le crâne, pour le charisme des ennemis, pour l’incroyable scène finale mené à un rythme trépidant, pour le fait que Disney casse son stéréotype de princesse pour mon plus grand bonheur, pour l’animation encore excellente, pour les répliques savoureuses… en réalité, si « Mulan » me plait autant, c’est tout simplement pour tout cela à la fois, et quelques autres choses encore.

La scène : le fabuleux combat contre les Huns dans les montagnes.

82. Sound Of Noise (Ola Simonsson et Johannes Stjärne Nilsson, 2010) : 

« -Ceci est un métronome, que personne ne bouge ! »

L’un de mes OFNI (Objet Filmé Non Identifié) préféré, un bijou de chez bijou, dont je serai probablement passé à côté si lors d’un festival de court-métrage organisé par l’association TILT à Marseille (j’en profite pour rendre un hommage extrêmement appuyé à cette association, responsable de projections en plein air mémorables et de découvertes d’une grande somme d’extraordinaires courts-métrages) ne m’avait pas fait visionner « Music for One Appartment and Six Drummers », le court qui a inspiré le long, qui m’avait à l’époque beaucoup marqué. Voyant au hasard d’une critique de presse ou d’Allo Ciné, que sais-je, qu’un film tout entier par la même équipe et sur un principe semblable, sortait confidentiellement dans les salles françaises, j’y ai trainé quelques amis et nous sommes tous sortis enchantés. Le scénario est délirant : une bande de bandits musicaux sème la terreur dans une ville au hasard de concerts improvisés avec des objets du quotidien, comme par exemple dans une banque. Ils sont traqués par un inspecteur qui déteste la musique. C’est iconoclaste, jouissif, c’est un hommage canaille à la liberté de l’art et un manifeste contre le conformisme, c’est méga-punchy, bref on se rrrrrrégale.

La scène : au milieu de toutes les scènes plus marquantes les unes que les autres, je détacherai celle dans la banque, qui lance véritablement le concept du film.

81. Robin des Bois (Wolfgang Reitherman, 1973) : 

« Mais euh, j’avais dit pouce ! »

Disney encore, grand classique de l’enfance again (et oui, je suis un kid d’une génération plutôt biberonné à Disney, faut-il le rappeler ?), au point de demander des tonnes de jouets venus du film au Père Noël (en étant évidemment déçu), voilà donc ce génial « Robin des Bois » animalier, ses personnages savoureux, son air musical entêtant, son histoire entrainante et son état d’esprit très gentiment voyou. Pourquoi « Robin des Bois » aussi haut par rapport à d’autres Disney ? Sans doute parce que pour le gosse que j’étais, il y avait là, outre les ingrédients Disney classiques, quelque chose de très attirant dans cette rencontre entre un monde médiéval qui, comme beaucoup d’enfants, me fascinait et la représentation des personnages en animaux. Voilà pour l’explication partielle, car tout non plus ne s’explique pas dans les coups de cœurs, ce serait un peu dommage.

La scène : la fin du tournoi de tir à l’arc.

80. Match Point (Woody Allen, 2005) : 

« -Et là, c’est un lift !
-Moui, continue…
-T’écoute ce que je dis ?
-Moui, continue… »

C’est le premier Woody Allen que j’ai vu de ma vie, autant vous dire que je n’ai pas commencé par un film véritablement représentatif de l’état d’esprit du bonhomme. Mais c’est aussi mon film préféré de ce réalisateur. Thriller sensuel et asphyxiant, au suspense dément, révélant au passage Scarlett Johansson (au passage, hein), « Match Point » est un film à la mécanique implacable, qui emporte son spectateur dans une lente escalade parfaitement maitrisé, le prend soudainement à la gorge pour ne plus le lâcher ensuite. Œuvre amère sur l’hypocrisie et l’arrivisme (le personnage de Jonathan Rhys Meyer agit exclusivement pour sauvegarder son nouveau statut social) c’est un coup d’éclat en forme de thriller remarquable.

La scène : la scène finale.

79. Duel (Steven Spielberg, 1971) : 

« Dans cette situation :
A- Je freine brusquement.
B- J’accélère.
C- Je change de voie.
D- Je maintiens mon allure. »

Dès son tout premier film, Spielberg frappait fort. Très très fort. La réussite de « Duel » est prodigieuse. Rendre passionnant le duel entre un immense camion dont on ne voit jamais le conducteur et un simple quidam au volant de sa voiture ? Pour un bon court-métrage, passe encore, mais pour un long… Entre d’autres mains, tout cela tournait facilement au nanar. Et pourtant, avec trois fois rien, Steven, en exploitant incroyablement bien toutes les ressources de son terrain de jeu (la route) parvient à créer une ambiance incroyable de suspense et de tension, prouvant dès son premier film sa capacité impressionnante à transporter son public. Il ne se passe rien d’hallucinant visuellement, le budget est dérisoire par rapport à n’importe quelle production grand public actuel, et on est tenu en haleine du début jusqu’à la fin par ce combat de David et Goliath routier. Plus qu’un excellent film, une démonstration de cinéma.

La scène : celle avec les gosses dans le car scolaire, révélateur de la relation pas toujours si tendre que Spielberg entretient avec l’enfance.

78. Chantons sous la pluie (Stanley Donen et Gene Kelly, 1952) : 

« Et sauter dans les flaques, pour la faire râler… »

Le classique des classiques de la comédie musicale, et ce n’est pas peu dire que ce n’est pas pour rien. Ultra-divertissant au sens noble du mot, « Chantons sous la pluie » enchaîne les numéros devenu culte avec une aisance superbe, tout en développant, derrière son bon esprit agréable, une histoire loin d’être inintéressante sur une période charnière de l’histoire du cinéma : le passage au parlant, qui brisa véritablement la carrière de certaines stars du muet. De « Good Morning » au cultissime « Singin’ in the rain », en passant par le démentiel « Make ‘em laugh », le public est pris dans une danse génialissime, et ne reprend son souffle que le temps d’être touché par la belle histoire entre les magnifiques Gene Kelly et Debbie Reynolds. Un film enchanteur.

La scène : le véritable génie de « Chantons sous la pluie », c’est Donald O’Connor, il suffit de regarder le moment de « Make ‘em laugh » pour s’en convaincre, et de rester bouche bée et les yeux écarquillés pendant un long moment, face à une performance aussi démentielle (et le mot est faible), qui tint d’ailleurs l’acteur alité quelque temps après au moment du tournage. Haut, très haut, dans le palmarès de mes scènes cultes.

77. Le Livre de la jungle (Wolfgang Reitherman, 1967) : 

« -Mais y a pas d’ours dans la jungle…
-Roh chut, espèce de rabat-joie ! »

Oh tiens, un Disney ! Cela faisait longtemps ! Et bien sûr, on parle ici d’abord d’un grand classique de mon enfance, spammé un fort grand nombre de fois par mes yeux de bambins. Pour « Le Livre de la jungle », la base de la recette du succès est la même, mais avec une qualité globale encore au-dessus que ce soit dans les personnages secondaires forts (Colonel Hathi, Kha, le Roi Louie…) et les chansons trop stylés (« Un homme comme vous », « La Patrouille des Eléphants »…). La diff’ ? Ce combat haletant avec Shere Khan (un méchant qui impose), une fin émouvante, le nombre de scènes cultes et surtout Baloo. Vive Baloo. Baloo forever. Le moment où on croit qu’il meurt, j’étais en PLS. Heureusement que c’était faux, putain.

La scène : « Il en faut peu pour être heureux », pardi !

76. Dumbo (Ben Sharpsteen assisté de Norman Ferguson, Samuel Armstrong, Wilfred Jackson, Bill Roberts et Jack Kinney, 1941) : 

« I believe, I can fly ! »

Nooooon, un Disney ? Incroyable, il n’y en a pourtant pas beaucoup dans ce classement ! Mais blague à part, et sans faire injure aux productions de ce studio déjà évoquées, je dois dire qu’il y a dans « Dumbo » à mes yeux, un petit quelque chose en plus par rapport à elles. Comme un supplément d’âme dans l’histoire si touchante de cet éléphanteau volant, décrié pour ses grandes oreilles, qui cherche sa mère enfermée pour avoir rossé un gamin qui se moquait de son petit. Pour un peu, il y aurait là comme une critique du traitement animalier… Alors certes, dans « Dumbo » les cigognes apportent les bébés, mais l’histoire de ce pauvre éléphanteau moqué qui finit par se servir de son handicap pour imposer le respect, ce moment où sa mère lui chante cette chanson déchirante, « Mon tout petit », toute cette histoire, tout cela me fait un grand quelque chose. On a peine à croire que ce dessin animé date de 1941.

La scène : Le moment des éléphants roses et de leur chanson délirante, « La Marche des Eléphants », une de mes scènes Disney les plus cultes et par ailleurs assez osée pour l’époque.

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place.

De la 150éme à la 126éme place. 

De la 125éme à la 101éme place. 

125. Flubber (Les Mayfield, 1997) : 

What a catch !

Le film culte de mon enfance, tout simplement. Impossible de compter le nombre de fois où j’ai spammé ce VHS. Cette histoire de pâte à modeler qui prend vie, c’est l’œuvre à l’origine de mon amour pour Robin Williams. Ai-je envie de le revoir aujourd’hui ? Non, pas vraiment, car à chaque fois que j’en parle avec un ou une pote qui l’a revu avec des yeux d’adultes, la réaction est la même : « en fait, c’est assez naze ». Alors tant pis, je préfère préserver la magie. Et me rappeler avec tendresse de cette canaille de boule vert fluo rebondissant dans tous les sens devant ce bon vieux professeur et son robot volant. Oui, y avait un robot volant.

La scène : Celle où Robin Williams confond sa classe avec celle de peinture : « je remercie celui ou celle qui m’a offert ce faisan mort… ».

124. Le Bon, la Brute et le Truand (Sergio Leone, 1966) : 

« Coucou, tu veux voir mon flingue ? »

LE classique des classiques du genre western spaghetti, voire sans doute du genre western tout court. Un incontournable dont la recette fonctionne encore à 200%. Une recette à base de gueules, de punchlines, de musique exceptionnelle by Monsieur Morricone et de gros plans. Porté par la maestria de Leone et par le charisme hallucinant des trois interprètes principaux (chacun dans leur style on fait difficilement mieux), « Le Bon, la Brute et le Truand » nous embarque depuis l’apparition glaçante de la brute jusqu’à l’archi-mémorable duel final. Un film où on trouve beaucoup de poussière mais qui ne l’a pas du tout pris. Comme dirait Michel de « Faux Raccord » : « du lourd, du très très lourd ».

La scène : « Quand on doit tirer, on tire, on raconte pas sa vie ». Tuco aurait des leçons à donner à énormément de méchants de films.

123.  C.R.A.Z.Y (Jean-Marc Vallée, 2005) : 

C’est un chapeau ou un miroir ?

Si depuis quelques années, Denis Villeneuve est en train de devenir le canadien le plus trendy du grand écran (pour mon plus grand bonheur), un autre réalisateur du pays à la feuille d’érable poursuit un petit bonhomme de chemin bien sympathique : Jean-Marc Vallée (c’est le mec de « Dallas Buyer Club »). En 2005, son film « C.R.A.Z.Y » annonçait déjà la couleur.  Petite merveille « indé » à voir en québecois sous-titré français (ça ne s’invente pas), « C.R.A.Z.Y » raconte la relation entre un père très attaché à la religion et aux valeurs masculines et son fils en doute sur sa sexualité dans le Québec des sixties et seventies. On y croise David Bowie et Charles Aznavour (beau combo) dans une soundtrack excellente, c’est super touchant, bref, vous pouvez foncer. Signalons simplement que quand on connaît le goût du Québec pour la traduction française, se dire qu’un des plus grands succès de leur cinoche s’appelle « C.R.A.Z.Y » (initiales des enfants du film), c’est cocasse.

La scène : Celle avec « Space Oddity », musique que j’ai sans doute découverte grâce à ce film.

122. La Chute (Olivier Hirschbiegel, 2004) : 

« Y a forcément une amicale d’anciens nazis, un club, une association… Un mémorial nazi peut-être ? » (OSS 117)

Le cinéma, et l’art en général, ne sont pas toujours faits pour nous faire du bien. A cet égard « La Chute » est un modèle. Troublant, malaisant même, il n’en reste pas moins un excellent film. A titre personnel, je ne comprends pas vraiment le reproche qui lui est fait, à savoir montrer Hitler et ses proches sous un jour humain. J’ai bien dit « humain » et non « positif ». Impossible à mon sens d’accuser « La Chute » de sympathie à l’égard du nazisme. Il me paraît au contraire redoutablement efficace dans sa dénonciation. Car ce qui rend les crimes nazis d’autant plus horribles et qui nous appelle à la plus grande vigilance, c’est qu’ils ont été faits par des hommes et non par des monstres. Il me paraît important de se confronter à cette vérité, même si elle est terrible. « La Chute » est donc à voir, averti certes, mais à voir.

La scène : Goebbels et sa femme qui, avant de se suicider, forcent leurs enfants à avaler un cachet pour mourir aussi. Une scène absolument horrible.

121. Phantom of the paradise (Brian de Palma, 1974) : 

Fan du club de synthé.

Quand j’ai décidé de regarder « Phantom of the paradise », DVD obtenu grâce au journal Le Monde, qui fut un temps offrait de grands classiques avec son journal week-end (je dois d’ailleurs une bonne partie de ma culture cinéphile à cette idée lumineuse), je ne savais pas trop à quoi m’attendre. Une fois le visionnage effectué, je me suis rendu compte qu’il était illusoire de s’attendre à quelque chose de spécifique avec ce film, délirant et ultra-jouissif melting-pot de références littéraires (l’histoire mêle « Le Fantôme de l’Opéra », « Faust », « Le Portait de Dorian Gray » et « Frankenstein », ce qui n’est pas rien) et de clins d’œil cinématographiques divers. C’est dingo, c’est grinçant, ça envoie un gros tacle aux producteurs qui trahissent la volonté des artistes, c’est superbement porté par des acteurs qui n’ont malheureusement jamais atteint la renommée, bref c’est du grand art.

La scène : La délirante parodie de la scène de la douche de « Psychose ».

120. Dans la peau de John Malkovich (Spike Jonze, 1999) : 

La théorie du genre.

J’ai rarement vu film plus étrange. Le scénario pose bien les bases : un marionnettiste découvre un portail menant directement à la psyché de John Malkovich (joué par ce grand fou de John Malkovich himself, qui atteint ici un niveau d’auto-dérision rarement expérimenté). Ledit portail permet de prendre le contrôle du corps de la star pendant quinze minutes. Voilà. A partir de là, le film part dans une immense folie croissant de minutes en minutes où chacun essaye d’utiliser cette découverte à son avantage. Un bon gros délire, aussi barré que génial. Parfois, il ne vaut mieux pas demander « pourquoi ». Le duo à l’origine du truc, c’est Spike Jonze (fameux réalisateur de clips et plus récemment auteur du film « Her ») à la réal’ et Charlie Kaufman au scénar’ (le mec de « Eternal Sunshine of the Spotless Mind »), ce qui explique peut-être certaines choses.

La scène : « Tu trouves pas ça bizarre que John Malkovich ait une porte ? » : à mes yeux une des meilleures répliques de l’histoire du cinéma.

119. Le Dernier métro (François Truffaut, 1980) : 

On va répéter, poêle au nez.

Aaaaaah le duo Depardieu / Deneuve, on a rarement fait mieux dans le cinéma français. Un des plus grands chef d’œuvre francophone parmi les chefs d’œuvres francophones, « Le Dernier Métro » est une merveille de jeu, d’émotions, d’hommage au théâtre et de grands sentiments. C’est l’histoire d’un théâtre qui tente de continuer à vivre pendant l’occupation allemande. C’est le film où Catherine montre toute sa force et Gérard toute sa sensibilité dans un couple dont l’alchimie est hallucinante. Un bijou, on vous dit. A réserver pour les éternels critiques du cinéma français, cela devrait à priori les vacciner de leur scepticisme vis-à-vis du genre pour un petit moment.

La scène : « C’est une joie et une souffrance ». Je fonds.

118. Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre (Alain Chabat, 2001) : 

Quand tu pars niquer des mères.

A l’heure d’évoquer les comédies françaises cultes, difficile de laisser de côté « Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre ». Si celle-ci est moins chère à mon cœur que d’autres que vous découvrirez plus loin dans ce top (ceux qui me connaissent voient sans doute au moins en partie de quoi je parle), il était difficile pour quelqu’un de ma génération d’échapper à la hype « Mission Cléopâtre » (ah les innombrables fois où on a sorti une des répliques légendaires du film…). Reconnaissons-le, le père Chabat sait y faire niveau humour. En choisissant, contrairement au premier volet cinématographique de Claude Zidi, plus accès aventure, d’amplifier l’aspect comique des aventures d’Astérix pour faire de son film une véritable comédie, il frappe juste. Souvenons-nous en avec tendresse et laissons tomber un voile pudique sur les adaptations live qui ont suivi.

La scène : « C’est une bonne situation, ça, scribe ? »

117. Delicatessen (Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro, 1991) : 

« PTDR ».

Bizarre, bizarre, que cette histoire d’un immeuble dans une France parallèle en guerre, où les gens disparaissent sans laisser de traces. Bizarre mais géniale aussi, car s’y déploie tout le coté inquiétant du style Jeunet  / Caro, en même temps que la douceur poétique propre à ce duo. A l’équilibre entre l’étrange « La Cité des enfants perdus » et le bonhomme « Amélie Poulain » (les deux autres réalisations notables des deux lascars), l’onirique « Delicatessen » se dessine entre rêve et cauchemar mais toujours avec saveur, bien soutenu par son casting impeccable (mention à Jean-Claude Dreyfuss, extraordinairement monstrueux). Une patte si singulière qu’on aimerait voir plus souvent à l’affiche du cinéma français.

La scène : le tourbillon qu’est la scène finale.

116. Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain (Jean-Pierre Jeunet, 2001) : 

Nan mais allô, quoi.

Deux Jeunet pour le prix d’un (en solo cette fois) ! Car oui, comme beaucoup d’autres, j’ai été emporté, transporté par cette petite merveille qu’est « Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain ». Un exploit que ce film qui se déguste comme un bonbon avec juste ce qu’il faut de sucre. Un gramme de plus et c’était la catastrophe, mais non, « Amélie Poulain » sait être incroyablement tendre sans être niais, cliché juste ce qu’il faut. On se demande parfois comment, mais le fait est là. Polisson, optimiste, exquis, amoureux, « Amélie Poulain » incarné par une Audrey Tautou presque fondu dans le rôle, est un film qui veut faire du bien et qui y réussit, vraiment. Pour cela, on peut lui dire merci. Et puis, cette musique de Tiersen, cette musique…

La scène : celle avec les petits événements dans les lieux différents au même moment est super, mais l’histoire des nains de jardin est trop touchante pour ne pas la sélectionner.

115. Entre les murs (Laurent Cantet, 2008) : 

Que tout ceux qui sont dans la classe, lève le doigt !

Vous dites éducation, je réponds « pilier de l’amélioration de la société », n’en déplaise à ceux qui n’aime pas l’emphase. A ce titre, quel coup de maitre qu’ « Entre les murs », palme d’or archi-mérité, film brut de décoffrage sur la vie des classes d’aujourd’hui, avec les luttes, les hauts, les bas, les échecs, les réussites. Passionnant, touchant, humain, rempli de vie, le film de Laurent Cantet a, il faut bien le dire, un atout majeur : la classe (dans tous les sens du mot) de son casting. Hallucinant, les jeunes comédiens (même s’ils étaient amateurs à l’époque impossible de les qualifier autrement) explosent l’écran presque comme le ferait de la dynamite. Leur énergie, leurs mots hypnotisent littéralement le public.

La scène : le foot de fin d’année.

114. Metropolis (Fritz Lang, 1927) : 

« Hey ! Teacher, leave that kids alone ».

Monumental à plus d’un titre, « Metropolis » représente un jalon vis-à-vis duquel il y a un avant et un après dans le monde de la science-fiction. Au-delà même du genre, la réalisation de Fritz Lang a marqué la culture populaire bien au-delà du cinéma. Source d’inspiration insondable, il fait partie de ces films qui font un peu mieux comprendre ce qu’on entend par chef d’œuvre. Le plus incroyable restant malgré tous ces décors vis-à-vis duquel tout qualificatif élogieux condamne à l’euphémisme et dont on a l’impression, fait incroyable, qu’ils n’ont presque pas vieillis. Seule ombre au tableau de cet œuvre démiurge pour son époque, un fond idéologique assez confus et énigmatique qui brouille parfois l’ensemble.

La scène : le célébrissime plan sur la tour géante de la ville.

113. James et la pêche géante (Henry Selick, 1996) : 

Garde la pêche.

Bien que traumatisé gamin par le début de ce film (cette histoire de rhinocéros d’orage, brrrr, terrible), je n’en garde pas moins dans mon cœur « James et la pêche géante », réalisation du trop sous-estimé Henry Selick, « l’autre Tim Burton ». Fable savoureusement étrange avec ses personnages attachants, ce dessin animé à l’esthétique pour le moins particulière est une belle parabole sur l’enfance et plus spécifiquement sur le deuil à cette époque de la vie. Affrontant avec courage des thèmes pour le moins difficiles, donc, en plus d’être vraiment entraînant, « James et la pêche géante » est, si l’on me pardonne le jeu de mot, un film à croquer.

La scène : celle du rhinocéros au début du film donc, mauvais souvenir d’enfance, mais très impactante.

112. Un Prophète (Jacques Audiard, 2009) : 

Quand t’es en zonzon.

Si le cinéma d’Audiard laisse parfois transparaître un appétit pour la violence pas très bien dosé, comme dans « Dheepan » (n’est pas Scorcese ou Tarantino qui veut), force est de constater que cette fascination se marie superbement avec « Un Prophète ». Film intense au sens fort du mot, porté par un duo Tahar Rahim / Niels Arestrup (Niels <3) en état de grâce, c’est une œuvre qui emporte, qui attrape, pour ne vous libérer qu’au générique. Et encore… A conseiller pour calmer quiconque pense que le cinéma français se limite à des films parlant de cul sous couvert de philosophie.

La scène : celle du rasoir.

111. Les Infiltrés (Martin Scorcese, 2006) : 

« Y aura des cafés ? »

De la dynamite, du plaisir de cinéphile pur. Voilà en substance, ce que m’inspire « Les Infiltrés ». La patte Scorcese au meilleur d’elle-même, tout en maitrise et en coup de poing, un savant dosage de suspense et d’âpreté, une histoire fascinante de double infiltration qui vous tient en haleine tout le long du film et cerise sur le gâteau, un trio d’acteur d’exception excellentissime (DiCaprio, Nicholson, Damon, bordel de merde !). Peut-être que l’un des seuls trucs qu’on peut reprocher à Martin sur ce coup, c’est de n’avoir pas eu l’idée lui-même (et oui, le film est un remake d’un autre film coréen, que je confesse d’ailleurs n’avoir pas vu). Franchement, qu’est-ce qu’il vous faut de plus ? Alors avant de regarder, oubliez pas de vous mouiller la nuque.

La scène : l’affrontement final.

110. Les 12 travaux d’Astérix (René Goscinny et Albert Uderzo, 1976) : 

Bienvenus à la CAF.

En 1976, le duo Goscinny / Uderzo décide de réaliser un dessin animé ayant pour base une histoire non conté dans un précédent album (à l’exception d’une publication exclusive dans « Sud-Ouest »), ladite histoire reprenant à leur sauce (riche) les « Douze travaux d’Hercule ». Le résultat ? Un concentré de tout le meilleur de l’esprit « Astérix » et sans doute l’une des toutes meilleures aventures du duo gaulois. Les scènes géniales s’enchaînent dans une belle montée en puissance, certaines devenues légendaires (la maison qui rend fou bien sûr mais aussi « Tu es un sanglier »), d’autres plus sous-estimés mais tout aussi savoureuses (la lessive des Dieux, la plaine des trépassés…). Porté par un esprit subtilement voyou rarement aussi poussé dans les planches, « Les 12 travaux d’Astérix » est une superbe réussite. Un des dessin-animés les plus cultes de mon enfance.

La scène : « Midi douze » est devenu pour ma famille une réplique culte mais rien n’égale évidemment la « fabuleuse » maison qui rend fou et son « laissez-passer A38 », critique délicieuse des tracas administratifs.

109. La Saga Die Hard (John McTiernan, Renny Harlin, John McTiernan, Len Wiseman et John Moore, 1988, 1990, 1995, 2007 et 2013) : 

« Oui, c’est bouché, attendez, je vais vous faire un devis ».

Parfois l’attachement porté à un film ou à une saga dépend en grande partie du délire et / ou du visionnage presque rituel commun qu’on a avec un ou une bande de potes. C’est exactement mon cas en ce qui concerne la sage « Die Hard ». Sans enlever aux cinq films leur côté délicieusement pop-corn, sans renier le charisme tranquille de l’ami Bruce Willis, en leur laissant le fait qu’ils sont souvent au-dessus de la moyenne niveau film d’actions et en admettant d’ailleurs que les trois premiers sont de très bonnes factures, je ne sais pas si je serai allé voir le 5 au cinéma ou si j’aurai autant apprécié le 4 (qui est quand même objectivement assez « what the fuckesque » quand on y pense), premier film de la série que j’ai vu, sans l’attachement communicatif qu’éprouve un de mes meilleurs potes pour cette saga et qui l’a fait m’amener voir ledit 4 au cinoche. Comme quoi, les goûts cinématographique dépendent de beaucoup de choses.

La scène : bon, outre les « yippie-kai yeah motherfucker » (traduits pour le moins audacieusement par « youp-la boum enfoiré » en français…) ma scène préférée, n’en déplaise aux puristes, elle se situe dans le 4 : « -vous avez dégommé un hélicoptère avec une voiture ! –j’avais plus de balles ». Merci, bonsoir.

108. Océans (Jacques Perrin, 2009) : 

Viser le poisson-lune, ça me fait pas peur.

Si le documentaire animalier est généralement un genre assez uniforme, il est malgré tout certains artistes qui arrivent à le transcender. Jacques Perrin est de ceux-là. Son « Océans » est une déclaration d’amour sublimissime au monde marin et sous-marin, un hymne vibrant, souvent de beauté, parfois de dénonciation. C’est une merveille rempli d’images folles, hypnotisantes, au son d’une musique absolument fabuleuse (peut-être la meilleure partition du génial Bruno Coulais). Pour quelqu’un qui, comme moi, est autant attaché à la mer et à la vie qu’on y trouve, « Océans » ne peut être qu’un film majeur, qui m’aura touché jusque dans mon âme.

La scène : c’est absolument terrible à écrire, mais au milieu de toute cette beauté, la scène dont on se souvient le plus est celle, vraiment abominable, où l’on voit les dérives de la pêche actuelle.

107. Inside Job (Charles Ferguson, 2010) : 

La cravate.

Autre documentaire, mais d’un tout autre genre, « Inside Job » analyse un monde impitoyable : la finance. Et plus spécifiquement, la crise des subprimes de 2008, qui a si fortement secoué la planète. Le coup de génie du film ? Faire intervenir uniquement des acteurs du système financier pour mettre en lumière les dérives dudit système financier. Comme il est compliqué d’accuser des gens comme Christine Lagarde de propagande socialiste, difficile de décrédibiliser ce film en le caricaturant en manifeste gauchiste. On reste ainsi bouche bée et avec des frissons dans le dos face à ces déclarations qui se succèdent pour nous montrer petit à petit à quel point tout cet univers-là a d’immenses limites. Une oeuvre toujours d’actualité, car bien peu de choses ont au final changé depuis 2008. De plus, si on me permet d’introduire ici un chouïa de politique, avec les gouvernements actuels rien ne garantit que le peu de régularisation amené par la crise sera préservé. Avant peut-être une nouvelle catastrophe du même acabit. Mon documentaire préféré et un modèle du genre.

La scène : la partie sur le quotidien des traders est assez marquante.

106. Mary et Max (Adam Elliot, 2009) : 

Le bon timbre.

Un superbe petit bijou que ce dessin animé basé sur une histoire vraie : la correspondance entre un autiste américain et une petite australienne mal dans sa peau. Avec son esthétique type pâte à modeler qui évoque sans vraiment rappeler « Wallace et Gromit », « Mary et Max » nous happe magnifiquement à l’heure de nous conter cette fabuleuse histoire d’amitié entre deux personnes si dissemblables et qu’au début seuls rassemble la solitude et un émouvant besoin d’affection. C’est extraordinairement touchant d’humanité, ça s’attaque avec maestria à des thèmes pour le moins complexes, c’est subtil, c’est malin, bref, c’est très haut dans le panthéon des dessin-animés pour « adultes ». A découvrir d’urgence.

La scène : la fin, à la hauteur de la beauté du reste du film.

105. Kirikou et la Sorcière (Michel Ocelot, 1998) : 

30 millions d’amis.

On reste sur le dessin animé avec un tout autre style, mais pas moins beau, ni moins touchant. « Kirikou », le conte africain réalisé par Michel Ocelot, a provoqué en son temps une véritable « hype » et c’est à mes yeux plus que mérité. Franchement original, superbement dessiné, extrêmement poétique (la scène de la grotte m’a fait forte impression, petit), rempli de paraboles sans être trop moralisateur, ce film a aussi le mérite pas si évident pour une production occidentale de présenter l’Afrique sous un jour neutre, sans apitoiement, ni condescendance. « Kirikou », son héros aussi petit que charismatique et son extraordinaire méchante, voilà une franche réussite qui émerveilla mon enfance.

La scène : « tremblez d’effroi, tremblez de joie, elle arrive, elle est là. Tremblez d’effroi, tremblez de joie, car voici : Karaba ».

104. Kingsman : Services secrets (Matthew Vaughn, 2015) : 

Suit up !

Pour moi l’une des plus belles définitions du cinéma pop-corn, « Kingsman » fut au visionnage une dose de plaisir pur. Il n’y avait qu’à voir les sourires affichés par mes potes et moi à la sortie de la séance pour s’en convaincre. Passé une scène d’introduction convaincante, le film s’endort pourtant un petit peu avant, passé un certain cap (la scène des burgers) de partir sur une montée en puissance hallucinante, jusqu’à un final de dingo. La musique ? Géniale. La réalisation ? Un truc de fou furieux. L’humour ? Savoureux. L’état d’esprit ? Un délicieux mélange de classe et de provoc’ voyou. « Kingsman » c’est un punk en costard. Et dire que la bande-annonce, si peu représentative, m’avait laissé présagé un mauvais ersatz de « James Bond »… Dommage que le « 2 », s’il garde la plupart des atouts du premier (la surprise en moins), soit un cran au-dessous et n’apporte rien de vraiment nouveau (à part un fabuleux Elton John).

La scène : la course contre la montre finale pendant que le monde sombre dans le chaos.

103. Titanic (James Cameron, 1997) : 

Dessine-moi un mouton.

Oui, messieurs-dames, je l’assume parfaitement : j’ai adoré « Titanic ». Et je ne comprends vraiment pas le dédain à peine masqué que ce film évoque chez certains. Niveau « grand spectacle », il a vraiment peu d’équivalent dans l’histoire du cinéma, tant il nous en met pleins les yeux du début jusqu’à la fin. Quant à l’histoire d’amour, pas besoin d’être un groupie du film pour l’apprécier car, contrairement aux clichés, elle est extrêmement bien mené et convaincante. En lançant Titanic, je m’attendais à un mélo un peu mièvre, j’ai eu droit à un putain de bon mélo’ doublé d’une incroyable prouesse cinématographique. Comme le dirait OrelSan, méfiez-vous des apparences.

La scène : toute la partie où le bateau est à la verticale (coucou le mec qui se prend l’hélice). Terrible.

102. Whiplash (Damien Chazelle, 2014) : 

Hé, le jeu du rond c’est en-dessous de la ceinture !

Ce film est une décharge électrique, rien de moins. Histoire pleine de musique et de fureur sur la relation volcanique entre un jeune et ambitieux batteur et son prof tyrannique, « Whiplash » est une troublante parabole sur la réussite et le génie, la folie qu’ils provoquent, les sacrifices qu’ils nécessitent, la violence qu’ils peuvent supposer, les méthodes extrêmes que certains pensent indispensables pour y arriver. Porté par la prestation hallucinante de J.K Simmons en maître impitoyable, un brasier parfaitement contrebalancé par le jeu froid mais extrêmement maîtrisé de son élève, Miles Teller, c’est là un film choc, mais au sens noble et non « paris-matchien » du mot. Quelques années avant « La La Land », Damien Chazelle frappait déjà un grand coup. On en sort K.O debout.

La scène : la fin, absolument impressionnante.

101. Indiana Jones I, II et III (Steven Spielberg, 1981, 1984 et 1989) : 

« Je range ma chambre si je veux ! »

Oui, le IV n’est pas inclus dans cette liste, malgré la méchante plus convaincante qu’on a pu le dire composé par Cate Blanchett. C’est que, sans être un trop mauvais film en soi, il fait surtout pâle figure comparé aux trois précédents, modèles de cinéma d’aventure. Mention spéciale au troisième, justement considéré comme le meilleur par la majorité des fans, avec le fantastique personnage du père incarné par Sean Connery (introduire la famille d’un héros comme Indiana Jones pour le titiller sans le ridiculiser, c’était couillu quand même !). On a tout écrit sur la musique (légendaire) ou sur le charisme d’Harrison Ford, reste à saluer encore une fois avec chaleur le fun profond provoqué par ces films et noter le très bon dosage entre action et humour, une recette pas toujours si bien appliqué par les films d’aujourd’hui.

La scène : celle du « no papers » dans le dirigeable, hilarante.

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place.

De la 150éme à la 126éme place. 

150. Diamants sur canapé (Blake Edwards, 1961) :

Comment être tout en mangeant un croissant.

A chacun ses idoles. Si vous me demandez qui, selon moi, est la plus belle femme de l’histoire (du peu que j’en connaisse hein), je vous répondrai sans hésitation : Audrey Hepburn. Désolé Emma Stone. Comment donc ne pas avoir été fasciné par « Diamants sur canapé » où Madame Hepburn incarne avec un talent fou le fascinant personnage d’Holly Golightly. Naïve, extravertie, angoissé, Holly est aussi agaçante que touchante, aussi séductrice que fragile. Le film nous fait découvrir sa complexité par touches colorées, permettant au public de tomber sous le charme en même temps que Paul Varjak, son voisin. En même temps, Audrey Hepburn qui chante « Moon River », ça vous ferait fondre un iceberg. Et en plus, elle a un chat.

La scène : La fin est très jolie mais le moment de « Moon River » est un must.

149. Phone Game (Joel Schumacher, 2002) : 

« C’est pour un appel en PVC, s’il vous plait ».

Joel Schumacher est peut-être la preuve du fait qu’il ne faut jamais désespérer de personne. Après avoir souillé le personnage de Batman (offense gravissime) dans « Batman et Robin » et « Batman Forever », films proche d’être interdits par la Convention de Genève, le père Joel aurait pu arrêter sa carrière cinématographique. Oui mais en 2002, cinq ans après son forfait, Schumacher (aucun lien, il a une Twingo) réalise « Phone Game ». Et « Phone Game », pardonnez-moi l’expression, est un « putain de film ». Histoire d’un attaché de presse à la vie dissolu qui se retrouve pris en otage dans une cabine téléphonique par un sniper vengeur, le film réussit à nous tenir incroyablement en haleine du début jusqu’à la fin. Huis-clos en temps presque réel, « de plein air » qui plus est (sacré pari !), « Phone Game » est un modèle de thriller original. Comme quoi, même Roland Emmerich fera peut-être un super film un jour ?).

La scène : la toute fin du film.

148. Aviator (Martin Scorcese, 2004) :

Posey.

Je ne suis pas généralement un grand fan des « biopics », genre par ailleurs assez périlleux, par définition assez prévisible et parfois un chouïa simpliste (bla bla bla c’était quelqu’un de grand mais il avait son côté sombre bla bla bla). Mais faut bien reconnaître qu’ « Aviator », avec le daron Scorcese aux manettes, c’est du lourd. Porté par le sens évident de la mise en scène de son réalisateur, l’immense talent du duo Di Caprio / Blanchett (dans un de leurs meilleurs rôles, ce qui n’est pas peu dire quand on voit de qui on parle) et le côté captivant de l’histoire d’Howard Hugues, « Aviator » se révèle une indéniable réussite. Un film tout en démesure et en intimité, alliage paradoxal à l’image de son personnage principal dont la complexité profonde est bien rendue, avec un coup de projecteur sur un trouble mental assez méconnu, les « TOC ». Bref, un très bon Scorcese, que demander de plus ?

La scène : la savoureuse rencontre avec Katherine Hepburn.

147. Whatever Works (Woody Allen, 2009) : 

Le swag du peignoir.

A écouter la plupart des gens, Woody Allen n’a plus rien fait de bon depuis « Match Point ». Alors certes, y a du très passable dans sa filmo’ post 2005, mais c’est injuste envers « Scoop », « Le Rêve de Cassandre », « Vicky Cristina Barcelona » et « Magic in the Moonlight », très injuste envers « Blue Jasmine » et « Minuit à Paris » et d’une immense injustice envers « Whatever Works ». Parce que « Whatever Works » est à mes yeux l’un des meilleurs Woody Allen et même mon préféré derrière… « Match Point ». Porté par un exceptionnel Larry David, véritable alter-ego sombre du personnage classique de Woody Allen, et par une verve hallucinante, le film est une gourmandise douce-amère (mais surtout amère), délicieusement ironique, dont on aurait tort de se priver.

La scène : La conversation au bar entre le religieux et l’homosexuel.

146. Vol au-dessus d’un nid de coucous (Miloš Forman,  1975) :

Avec les fratés.

La musique de Nitzsche et Bogas, étrange et belle, résonne. Un homme s’éloigne en courant. C’est la fin de « Vol au-dessus d’un nid de coucous » et le spectateur l’esprit légèrement embué, se rend progressivement compte du choc. Il lui faudra sans doute quelques instants pour s’en remettre. Ode à la défense de la liberté même dans les endroits les plus coercitifs, pamphlet contre les restrictions et les contraintes, film phare de son époque, l’œuvre de Forman va bien au-delà du seul univers psychiatrique (même si les responsables actuels de ces endroits feraient parfois bien de s’y replonger) pour parler société en général. Malgré l’immense dureté de sa fin, « Vol au-dessus d’un nid de coucou » est malgré tout une histoire sur l’espoir. C’est là un film étrange et beau, comme ses personnages, comme sa musique.

La scène : la scène finale.

145. 300 (Zack Snyder, 2006) : 

Slips.

Bon, là on part sur du brutal. Du gros rouge (sang) qui tache. Du genre à faire l’effet d’une bombe à son apparition sur les écrans. Que les choses soient claires : je comprends tout à fait qu’on puisse être insensible à « 300 », son excès permanent et ultra-assumé, sa mise en scène ultra-vénère à base de ralentis des familles, sa musique explosive, ses grosses répliques dans la gueule, son esthétique claquante, son interprétation bourrine… Vraiment, je comprends. Mais pour ceux qui, comme moi, s’y sont laissé prendre, vous-même vous savez à quel point c’est bon, putain. Un plaisir coupable comme on les aime offert par le Tonton Zack Snyder.

La scène : « This is Spartaaaaaaaa !!!! ». Hum, pardon.

144. Les Affranchis (Martin Scorcese, 1990) :

Vrai-faux caméo de Micheline.

Scorcese, un film de gangster, De Niro, Joe Pesci. Je pourrais presque m’arrêter là.  Mais ce serait dommage de ne pas parler du personnage de fou furieux de Joe Pesci, justement, Tommy DeVito, de ne pas saluer l’incroyable interprétation de tout le casting, de ne pas vous dire que « Les Affranchis » collectionne les scènes mémorables, de pas vous expliquer que niveau « mythologie » du gangster au cinéma, il n’y a que « Les Infiltrés » et « Le Parrain » à avoir fait mieux, de ne pas vous assurer que l’histoire est ultra-prenante. Scorcese et les films de gangster : une alliance qui parait naturelle alors que sur sa filmo’, Martin n’a réalisé qu’un trio de films sur le crime en bande organisé. Mais quel trio : « Les Affranchis », « Casino », « Les Infiltrés ». Je m’arrête là.

La scène : « I’m funny how ? Funny like a clown ? ».

143. Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994) : 

C’est autre chose que la tecktonik.

Attention, on touche ici à du culte de chez culte. Pour évoquer « Pulp Fiction » le must est peut-être de faire une liste et de laisser les fans se remémorer les scènes en lisant, le sourire aux lèvres. C’est parti : Pumpkin et Honey Bunney, Royal Cheese, massage de pieds, la mallette, le twist, Marsellus Wallace, piqure d’adrénaline, John Travolta dans les chiottes, la montre, la musique « Misirlou », la coiffure d’Uma Thurman, Harvey Keitel en professionnel, le mug de Quentin Tarantino… Et j’en passe. Et si tout cela ne vous dit rien, il n’est pas trop tard pour vous rattraper !

La scène : « Big Mac is Big Mac but they say ‘Le’ Bic Mac ».

142. Le Crime était presque parfait (Alfred Hitchcock, 1954) : 

« Qu’est-ce qu’on va faire d’toutes ces bouteilles ? »

On peut être cinéphile et avoir de grosses lacunes. Je confesse ici une grande méconnaissance de l’œuvre de celui qui est pourtant considéré comme un des plus grands réalisateurs de l’histoire, j’ai nommé Alfred Hitchcock. C’est pourquoi vous ne trouverez dans ce top qu’un seul de ses films. Mais quel film ! Modèle de film policier en quasi huis-clos, sublimant tous les codes du genre, « Le Crime était presque parfait » est un classique de chez classique. La plus grande qualité du film est sans doute d’inverser de manière géniale le procédé habituel du policier : ici le spectateur sait qui a commis le crime et comment, l’idée est de savoir comment la vérité va éclater pour que le crime soit seulement « presque » parfait.

La scène : la résolution finale.

141. The Full Monty (Peter Cattaneo, 1997) :

Stayin’ alive, ah, ah, ah, stayin’ aliiiiiive.

Un délire entre amis peut parfois concerner des films totalement inattendus. C’est ainsi que par la grâce d’une soirée DVD inopiné avec des potes, « The Full Monty » et particulièrement la scène avec « Hot Stuff » dans la file d’attente, est pour nous devenu culte et l’occasion de nombreuses barres, en plus du fou rire original. Ajoutez à cela que « The Full Monty » est une excellente comédie sociale, au sujet d’une originalité absolument indéniable (des prolétaires anglais qui veulent devenir chippendales, sans déconner, c’est du génie non ?) et au casting impeccable, le beaucoup trop discret et super Robert Carlyle en tête. Un « feel good movie » comme on les aime.

La scène : « Hot Stuff » dans la file d’attente, évidemment.

140. Le Tout Nouveau Testament (Jaco Van Dormael, 2014) : 

Bonsoir.

Dans le genre Objet Filmé Non Identifié, « Le Tout Nouveau Testament » se pose là. D’ailleurs, l’accroche sur l’affiche du film posait bien les bases : « Dieu existe, il habite à Bruxelles ». C’est l’histoire de la fille de Dieu qui fait une fugue et qui décide de recruter ses propres apôtres. En Belgique, donc. C’est tout à la fois joyeusement iconoclaste, plein d’une poésie bizarre mais douce, extrêmement original et terriblement drôle. Un film qui ne ressemble vraiment à aucun autre, voilà qui vaut le coup d’œil.

La scène : la fin du film.

139. The Raid I&II (Gareth Evans, 2012 et 2014) :

« Suite à un incident, le trafic est ralenti sur la ligne ».

En termes de films d’arts martiaux, les deux « The Raid » sont pour moi un véritable must. Beaucoup plus nerveux et sanguin que la majorité des productions du genre, « The Raid I&II » se révèlent de véritables shoot d’adrénaline. Mené à un rythme hallucinant, ultra-violent, quasiment sans temps morts, ils incarnent à mes yeux une super forme de divertissement. Basé sur un art martial indonésien méconnu, le « pencak-silat » est porté par le charisme froid de son acteur principal (qu’on retrouve d’ailleurs dans « Star Wars VII » pour un tout petit rôle) : Iko Uwais, magnétique. Et si le premier volet est un pur divertissement « pop-corn » où le scénario tient en quelques lignes, le deuxième s’avère un peu plus étoffé et d’autant plus appréciable.

La scène : celle où les tueurs d’élite d’un clan se déchaînent contre leurs rivaux, dans le deuxième volet.

138. L’Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford (Andrew Dominik, 2007) : 

Et paf ! Ça fait des Chocapics !

Vous ne trouverez probablement jamais ce film dans aucune anthologie, ni de l’histoire globale du cinéma, ni des films du XXIéme siécle, ni même probablement des westerns ou des films de 2007 (ou alors dans une sélection très étendue). Il était même absent du dossier « chef d’œuvre oubliés » de Premiere, alors qu’il aurait pu y figurer en bonne place. Mais voilà, c’est ainsi « L’Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford » (qui pourrait aussi figurer dans la sélection des titres les plus longs) semble avoir échappé aux radars de la reconnaissance. En apparence seulement, car l’immense majorité de ceux qui l’on vu seront d’accord : ce film est un chef d’œuvre. Un western à part : il dure presque 2H40, prend le risque d’être parfois contemplatif, est d’une finesse géniale. La réalisation est audacieuse pour le genre et excellente. La photographie est extraordinaire. Brad Pitt en Jesse James est incroyable. Mais surtout, surtout, Casey Affleck, juste fabuleux.

La scène : l’assassinat.

137. Thelma et Louise (Ridley Scott, 1991) : 

Smile, it’s selfie time !

Ridley Scott a une carrière curieuse. Capable d’enchaîner quelques films pas terribles pour de temps en temps sortir un sacré chef d’œuvre dans des genres aussi différents que le péplum (« Gladiator ») ou la science-fiction (« Blade Runner »). Ridley, c’est aussi un mec capable, au milieu de ses chefs d’œuvres, de nous pondre un road-trip féministe vachement en avance sur son temps. Un film avec deux extraordinaires anti-héroïnes, où l’une devient progressivement le reflet de l’autre. Une épopée pleine de fièvre, où l’on croise Brad Pitt dans un de ses (torrides) premiers rôles, une cavalcade où l’on pose ses ovaires, bref un film qui envoie du steak.

La scène : la culte course-poursuite finale, réalisée de manière époustouflante.

136. Fight Club (David Fincher, 1999) : 

Spotted le mec qui mate le boule de Brad.

C’est l’histoire d’un mec, il va pas bien. Il prend l’avion. Dans l’avion, il rencontre un autre mec, un brin taré. En fait non, sacrément taré. A deux ils fondent un club dont il faut pas parler. Dans le club dont il faut pas parler des mecs se tabassent pour expulser leur blues. Et y a Helena Bonham Carter aussi. Puis y a une bite en image subliminale. Puis ça part bien bien en couille, entre mouvement nihiliste et twist scénaristique de taré. Et à la fin, c’est les mecs qui se sont tapés sur la gueule mais c’est toi qui est K.O. C’est « Fight Club » et c’est sans doute l’un des films les plus déconcertants jamais tourné, ne serait-ce que par le film refuse obstinément d’être clair sur le message qu’il souhaite délivrer. Chaos, confusion, savon : kestuvafaire ?

La scène : celle dans le bureau du patron.

135. Scott Pilgrim (Edgar Wright, 2010) : 

« Tu peux pas tes, j’ai une épée enflammée et un t-shirt moche ! »

Mais quel kiff que ce film ! Délire geek ultra-jouissif, bourré de références, « Scott Pilgrim vs the world » est une petite pépite, que je recommande plus que chaudement à tout fan de la pop culture. Ce film ne se regarde pas, il se déguste comme un délicieux dessert. Voici le synopsis : Scott Pilgrim rencontre la fille de ses rêves, qui l’aime aussi mais le prévient : pour sortir avec elle, il doit vaincre ses sept ex-maléfiques à travers des combats filmé comme des jeux-vidéos. C’est emmené par la bouille de Michael Ceara, abonné de ce genre de rôle, c’est drôle, ça se prend pas la tête, c’est punchy. Et en plus, c’est réalisé par Edgar Wright c’est-à-dire le mec de « Hot Fuzz ». Avouez que tout ceci donne beaucoup trop envie.

La scène : la bataille contre le dernier « ex » joué par un Jason Schwartzmann déjanté.

134. Gran Torino (Clint Eastwood, 2008) : 

« Tire sur mon doigt ».

Clint Eastwood est un homme complexe. D’un côté, on a l’homme public qui soutient sans pression les armes à feux et les républicains américains. De l’autre on a le réalisateur de « Million Dollar Baby » et de « Gran Torino ». Difficile de s’y retrouver de manière simple. Alors à défaut, on peut toujours apprécier ce très très grand « Torino », magnifique fable d’une beauté percutante sur la tolérance et le dépassement des préjugés. Un film, porté par l’indéniable charisme d’Eastwood et à l’efficacité clinique dans son déroulé, menant obstinément à son apogée qui est aussi sa conclusion, incroyable choc.

La scène : inoubliable scène finale.

133. The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson, 2013) : 

« J’ai réservé au nom de Bramard ».

Coloré façon bonbon, sucré façon goûter, savoureux façon gâteau : « The Grand Budapest Hotel » est-il une friandise ? Encore mieux, puisqu’on peut le dévorer autant de fois qu’on veut sans risque de grossir ! Merci au décalé Wes Anderson qui réussit ici l’exploit de satisfaire ses inconditionnels tout en restant plus accessible au reste du public. Merci pour ce film qui fait plaisir et dont on sort avec la banane. Merci pour cet enchainement de répliques délicieuses et de scènes exquises, drôles ou franchement touchante, mené par un casting d’enfer (Ralph Fiennes, extraordinairement comique, en tête d’un cortège qui comporte quand même une palanquée de stars) parfois dans des rôles inattendus (comme Adrien Brody) au rythme de l’excellente musique d’Alexandre Desplat. Merci.

La scène : celle où Ralph Fiennes veut échapper à la police dans l’hôtel.

132. Amadeus (Miloš Forman, 1984) : 

Allegro molto.

Plus qu’une biographie de Mozart, il faut voir « Amadeus » comme une parabole sur le génie et la rivalité. C’est là que le film est le plus intéressant, dans sa relation entre Mozart et Salieri, quand il interroge le génie, son côté propre à provoquer l’émerveillement et en même temps la jalousie, l’incompréhension et autres. Oui, « Amadeus » romance sans doute (ne serai-ce que pour ce rire complètement dingue, dont on a peine à croire qu’il soit réellement celui qu’avait Mozart), mais c’est parce qu’au-delà de l’histoire de Mozart, ce qui intéresse Forman c’est de questionner l’extraordinaire, le surhumain et son rapport aux hommes. Salieri est un excellent musicien mais Mozart est Mozart. C’est terriblement injuste et Salieri aura beau essayer de comprendre, il se heurtera toujours au mystère de cette frontière entre talent et génie. Un film fascinant avec évidemment une bande-son extraordinaire.

La scène : l’écriture du Requiem.

131. Mad Max : Fury Road (George Miller, 2015) :

Allumeeeeeeer le feeeeeeu.

Ce film est une montagne russe. On sort de l’un comme de l’autre avec la même sensation d’avoir été retourné. Ce film, c’est 120 minutes de folie furieuse sur de la grosse musique très très énervé. Ce film semble ne pas avoir de temps morts. Ce film a réussi à me faire kiffer les courses poursuites. Ce film est une course poursuite, du début jusqu’à la fin et on ne s’ennuie pas une seconde. Ce film est un pur blockbuster plus inventif qu’il n’y paraît, qui a réconcilié une bonne partie des critiques et du public d’habitude plutôt opposé sur ce genre de film. C’est « Mad Max : Fury Road », c’est un roller-coaster shooté à l’ecsta’ qui dure deux heures et qui en plus a le bon goût d’avoir une belle diversité de personnages féminins depuis l’ultra-badass Imperator Furiosa jusqu’aux mémés en scooter. Attachez vos ceintures.

La scène : le moment dans la tempête, visuellement impressionnant.

130. Usual Suspects (Bryan Singer, 1995) : 

Boum boum dans les oreilles.

Quelques minutes avant la fin du film : « Usual Suspects » était pour moi un honnête film policier, bien joué, avec un méchant charismatique et mystérieux, un bon film du genre mais sans plus. Et là, la fin. La tarte dans la gueule. Un truc de malade mental face auquel on ne peut réagir que par : « Ah oui. D’accord ». Il faut savoir que dans ma vie, je me suis fait spoiler énormément de choses : beaucoup de morts de Game of Thrones (dont une par Stephen King sur Twitter) ou « Sixième Sens » par Télérama, pour ne citer que deux exemples. Mais, au moins la grosse victime du spoil que je suis ne s’est pas fait spoiler le plus gros twist de l’histoire du cinéma, celui justement d’ « Usual Suspect ».

La scène : la fin du film, contre toute attente.

129. Le Concours (Claire Simon, 2017) : 

Bonne chance.

C’est un univers à part, rarement filmé, et qu’on découvre avec énormément d’intérêt. La jungle profonde ? Les grands fonds marins ? Non, un concours ! Et pas n’importe lequel, l’un des plus connu et les plus exigeants de France, celui de la Fémis, l’une des meilleures écoles françaises de cinéma. Aux interviews, Claire Simon préfère ici le témoignage de l’instant, ce qui nous donne vraiment l’impression assez troublante d’être présents aux côtés des candidats et des jurys. Elle a posé ses caméras à tous les tours du concours, depuis l’amphithéâtre bondé jusqu’au grand oral. On découvre à l’écran toutes ces étapes avec des sentiments mêlés, au rang desquels parfois un profond malaise face aux difficultés des candidats. On se souvient de ses propres concours bien sûr, des mémoires pas toujours agréables. Mais surtout, la qualité principale du film est de démontrer toute l’injustice, tout le drame, toute la subjectivité, toute l’humanité au sein du concours, qui plus est artistique, tout en laissant ouverte cette question terrible : le concours a ses immenses défauts oui, mais quelle alternative ? Passionnant et complexe.

La scène : terrible moment où un candidat au concours scénario s’embrouille dans ses propres personnages. Malaise TV en prime time.

128. Collateral (Michael Mann, 2004) : 

Très très NRV.

Les avis des programmes TV ne sont pas toujours à délaisser. Surtout pas ceux de « TV Cable Satellite », qui sont d’ailleurs sans doute mes avis critiques préférés (sans déconner). Une soirée TV s’annonce, on sait pas quoi regarder, on découvre que le magazine à mis « 4 étoiles » (le max) à « Collateral », on a jamais entendu parler de ce film mais on se lance. Et on est vraiment, mais vraiment pas déçu. Thriller étouffant porté de la tête et des épaules par le duo Jamie Foxx / Tom Cruise (en ce qui concerne Cruise, c’est d’ailleurs pour moi son meilleur rôle) « Collateral » est une grosse claque. L’histoire d’un taxi qui découvre que son client est un tueur à gages. Une nuit de ouf s’annonce, pour lui comme pour le spectateur, mais pas pour les mêmes raisons.

La scène : le moment à la fin du film plein de tension.

127. Persepolis (Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi, 2007) : 

Voulez-vous une tasse de thé ?

S’il y a encore des gens pour penser que le dessin-animé est un genre gentillet destiné avant tout aux enfants, vous avez le choix pour leur faire entendre raison mais commencer par leur montrer « Persépolis » ne serait pas une mauvaise idée. Inspiré de la véritable histoire de son auteure, Marjane Satrapi, « Persépolis » déploie sa magnifique esthétique particulière pour raconter à travers l’histoire particulière d’une famille, le drame de la révolution iranienne et son espoir déçu. Visuellement incroyable, très intéressant, parfois drôle, souvent touchant, très humain surtout, « Persépolis » est un super dessin-animé. Donc un super film.

La scène : la scène la plus touchante avec le magnifique personnage de la grand-mère.

126. Raging Bull (Martin Scorcese, 1980) : 

Deux poings, c’est tout.

« Raging Bull » respire quelque chose d’incroyablement puissant. Un parfum complexe, mêlé de majesté, de force, d’intensité, de viscéral, entre autres. C’est un film qui tient en respect. A mes yeux, c’est la « masterpiece » du duo Scorcese / De Niro (rien que ça, me direz-vous), encore plus que « Taxi Driver ». Le premier est magistral à la réalisation, le second hallucinant à l’interprétation, et les mots sont faibles. « Raging Bull » fait partie de ces films qui nous font sentir un peu ce que « chef d’œuvre » veut dire. Dans un noir et blanc sublime, on découvre l’histoire de Jake LaMotta, le mec qui n’aimait pas qu’on « fuck » sa « wife » (oui, cette réplique ne vient pas du tout de « Taxi Driver » et ne suit pas du tout « you’re talkin’ to me ») et on se passionne pour cette figure forte, de son ascension jusqu’à sa chute défigurée.

La scène : le combat contre Sugar Ray Robinson, incroyable.

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.

De la 175éme à la 151éme place. 

175. Le Secret des poignards volants (Zhang Yimou, 2004) : 

Coup de bambou.

Un bon film d’arts martiaux, à mes yeux, est un savant mélange de virtuosité et de force, de dureté et de légèreté, avec juste ce qu’il faut d’exagération pour provoquer l’émerveillement. « Le Secret des poignards volants » est, dans cette perspective, un de mes musts avec ses chorégraphies magnifiques autour desquelles la caméra semble évoluer tel le vent. Souvent impressionnant, parfois majestueux, succès critique et commercial en son temps, « Le Secret des poignards volants » semble pourtant tomber peu à peu dans l’oubli. C’est bien dommage. Un autre film du classement à remettre au premier plan très vite.

La scène : le combat dans les bambous, inoubliable, est sans doute l’une des plus incroyables scènes d’arts martiaux jamais tournés.

174. La Chasse (Thomas Vinterberg, 2012) : 

L’accusé et le père.

Thomas Vinterberg, avant tout connu pour le choc « Festen », une terrible histoire de viols incestueux, présente un savoir-faire certain pour mener des histoires d’une immense dureté. Il en est ainsi pour « La Chasse », film assez traumatisant, orchestré de main de maitre, où l’on nous raconte le calvaire d’un homme accusé à tort de pédophilie dans un village. Vinterberg, servi par un Mads Mikkelsen impressionnant, y interroge le rapport de la société à un de ses tabous suprêmes, l’agression sexuelle sur des enfants. Car une fois accusé, le personnage de Mikkelsen n’a plus de retour en arrière possible. Rejeté par tous, exclu à jamais malgré son innocence, il ne sera jamais totalement lavé de tous soupçons et les choses iront pour lui de pire en pire. C’est d’une violence sourde, avec une montée de la tension extrêmement maitrisée, et tragique au possible. Un drame impressionnant.

La scène : la chorale de Noël.

173. Frankenstein Junior (Mel Brooks, 1974) :

« Je vous demande pardon ? »

Des barres de rires. Voilà mon souvenir de « Frankenstein Junior ». Reprise délirante et déjanté du mythe de Frankenstein par un Mel Brooks déchaîné, c’est pour moi une comédie culte, et pourtant, à part l’inoubliable visage du serviteur (extraordinaire Marty Feldman, dont c’est d’ailleurs le vrai visage, conséquence d’une maladie), je ne parviens à ne me rappeler que d’une chose : j’ai rigolé et encore rigolé. J’ai presque envie de dire que c’est suffisant. Alors, si vous voulez visionner ce film, je vous demande de me faire confiance sur le simple fait que j’ai passé un excellent moment. Au pire renseignez-vous sur internet et/ou demandez à d’autres gens. Je ne suis pas le seul à l’avoir adoré.

La scène : la rencontre avec le serviteur.

172. Dracula (Francis Ford Coppola, 1992) : 

Dans le film les concubines de Dracula sont joués par Michaela Bercu, Florina Kendrick et Monica Bellucci.

Si le personnage de Dracula a inspiré de très nombreux films, celui de Francis Ford Coppola force le respect. Réalisé de main de maître, cette œuvre sait gérer son ambiance avec un talent certain. Très bien interprété, notamment par un Gary Oldman au sommet de sa forme, le « Dracula » de Coppola est un indispensable du genre. Le film présente en outre deux grands atouts : une qualité de conteur très forte, pour parvenir à réenchanter une histoire maintes fois présentée au public et une excellente photographie, avec un jeu de couleur parfaitement adapté au récit. Un autre mérite important du film est d’explorer à fond le rapport entre vampire et sexualité, une relation souvent analysée.

La scène : l’arrivée dans le château.

171. Fantastic Mister Fox (Wes Anderson, 2010) : 

En bombe avec la bande.

Le cinéma de Wes Anderson est si singulier qu’il ne pouvait que diviser la majorité de la population entre les insensibles résolus et les fans inconditionnels. Je dois faire partie des rares personnes se situant au milieu. En effet, je reconnais à la majorité des films du bonhomme des qualités et il m’est toujours agréable de voir chez un réalisateur une capacité à imposer son style, ce qui est à mon avis un mérite artistique fort. Et en même temps, j’ai souvent du mal à rentrer totalement dans ces mêmes films. Or, un de mes grands plaisirs de spectateurs est de me plonger à fond dans ce que je regarde. Mais pour « Fantastic Mister Fox » je me suis régalé devant ce petit bijou, où Wes Anderson parvient je trouve à très bien adopter un ton moins déroutant pour le grand public tout en préservant son état d’esprit décalé, au sens fort du mot. C’est inventif, c’est original, c’est drôle, l’aspect visuel ressemble à peu d’autres dessins animés, les personnages sont très cools, bref, on y passe un excellent moment. Mister Fox mérite son qualificatif !

La scène : la scène finale est une belle conclusion.

170. Mange tes morts : Tu ne diras point (Jean-Charles Hue, 2014) : 

C’est l’heure du barbec’.

Parfois, l’avis qu’on a sur un film évolue avec le temps. On peut sortir d’une séance conquis, pour au fil du temps perdre de l’intérêt pour cette production. C’est rare, mais ça arrive. Plus courant en ce qui me concerne : sortir d’un film en se disant « c’était pas si mal » pour progressivement se rendre compte qu’en fait on avait ce jour-là maté une bonne grosse daube. Et puis, parfois on sort d’un film en ayant aimé, l’amour grandit avec le temps et ce qu’on trouvait « bon », « honnête », sans plus, vient rejoindre nos coups de cœurs. C’est un peu ce qui m’est arrivé avec « Mange tes morts : Tu ne diras point », à l’origine 10^ème de mon traditionnel classement annuel, en 2014. Avec le temps, je me suis rendu compte de la valeur importante qu’avait en réalité à mes yeux ce film furieux, sanguin, sur une communauté de yéniches. Pour son originalité, pour son intensité, pour le jeu hallucinant des acteurs issus de cette même communauté et quasiment amateurs, c’est à mon sens un film à voir pour quiconque souhaite aller au-delà des récits communs et souvent remplis de clichés sur ces communautés, des récits communs où l’on confond souvent roms, gens du voyage, yéniches ou gitans, malgré leurs réalités très diverses. Ecouter ou lire une interview du réalisateur, un mec sacrément badass par ailleurs, en complètement du film est une très bonne chose pour comprendre un peu mieux cet objet cinématographique si particulier.

La scène : la confrontation avec la police, incandescente.

169. Amours chiennes (Alejandro González Iñárritu, 2000) : 

« Chienne de vie ».

Avant d’offrir son Oscar à DiCaprio, avant de tout fracasser avec « Birdman », avant d’accéder à la notoriété avec « Babel », Iñárritu avait commencé les longs-métrages par « Amours chiennes » et ça envoyait déjà du très lourd. Film croisant plusieurs histoires connectés par, je vous le donne en mille, les toutous, Alejandro González profite du rapport au canin pour sonder la société mexicaine dans ses diverses strates, mais aussi la psyché des hommes en général. Fables sociales furieuses et enlevées avec un je ne sais quoi à la Scorcese, « Amours chiennes » est un excellent film sur le rapport homme / animal et sur ce qu’il peut révéler de l’animalité comme de l’humanité. Très très bon.

La scène : le combat de chiens.

168. Shining (Stanley Kubrick, 1980) : 

Attention, cette scène est vraiment très très anxiogène.

Mon goût pour les films d’horreur est très limité. La raison est simple : je suis une grosse fiotte dès qu’il s’agit d’avoir peur au cinéma. Paradoxal quand on sait que je raffole des films à l’ambiance torturé et des thrillers, mais c’est ainsi : passé une certaine limite, je suis très facilement impressionnable et il me devient très difficile d’apprécier le film, surtout quand je passe la majeure partie du visionnage les yeux fermés ou détournés de l’écran. J’assume, à chacun son adrénaline et pis d’abord moi je fais des manèges dans les parcs d’attractions que plein de gens ils auraient trop peur de les faire, na ! Tout ceci pour expliquer la chose suivante : « The Shining » est le seul film d’horreur de mes 200 films préférés. En partie parce que je l’ai vu avec un groupe d’amis et donc plus dans un contexte me permettant plus de l’apprécier. Pour ce qui est des qualités du film, on ne les présente plus. A titre personnel la montée de l’angoisse distillée de main de maître et le personnage de Jack Torrance firent la différence.

La scène : celle du bar.

167. Annie Hall (Woody Allen, 1977) :  

Quand tu te rends compte que t’as oublié les places à la maison.

Ma mère étant une inconditionnelle de Woody Allen, j’en ai hérité une certaine fascination pour le cinéma de ce bonhomme à lunettes, même si dans le rythme d’un film par an qu’il s’impose, force est de constater qu’il y a quand même de nombreux films passables, surtout récemment. Mais il y a aussi dans cette filmographie prolifique quelques chefs d’œuvres et parmi ceux-là « Annie Hall » est un de mes favoris. On y retrouve la plupart des obsessions alleniennes, c’est-à-dire tout simplement des interrogations existentielles sur la vie, la mort, le rapport à l’autre, l’amour et un peu d’humour juif pour saupoudrer le tout. Un « Woody » classique mais transcendé par un ton où le dosage entre légèreté et sérieux est extrêmement réussi et surtout par des dialogues génialissimes où le sens de la formule du réalisateur new-yorkais fait mouche comme rarement.

La scène : le moment du stand-up.

166. Full Metal Jacket (Stanley Kubrick, 1987) : 

« Et on se tient le paquet ! »

Une bonne claque dans la gueule, voilà ce qu’est en substance « Full Métal Jacket ». On traverse toute la première partie, celle de l’instruction, à la fois asphyxié et fasciné. On enchaine la deuxième partie, celle de la guerre, comme hypnotisé par un rêve aux allures de cauchemar. Puis vient le générique, « Paint It Black » dans la tronche (meilleur choix de musique finale de l’histoire du cinéma selon moi) et on est K.O. L’une des plus impressionnantes dénonciations de l’absurdité de la guerre et l’une des plus puissantes critiques de l’armée par un Kubrick pour le moins sensible au sujet si l’on en croit sa filmo’. Pas un film, une grenade.

La scène : certes, le discours du Sergent Hartman est ouf’, mais la scène qui m’a le plus marqué reste celle dans les toilettes avec « Grosse Baleine ». Traumatisant.

165. Master & Commander : de l’autre côté du monde (Peter Weir, 2003) : 

« Vous avez vu capitaine ?
-Non, quoi ?
-Ma bite.
-Je devrai vous mettre aux fers. »

Voilà un film qu’à mon sens, on oublie trop souvent à l’heure de faire un palmarès des grands films de la décennie 2000 / 2009. Pourtant, dans les gens que je connais, tous ceux qui ont vu « Master & Commander : de l’autre côté du monde » s’accordent à dire que c’est du lourd. Et je suis bien d’accord avec eux. Epopée spectaculaire d’un équipage sur les mers du globe, aventure épique porté par le charisme d’un Russell Crowe impressionnant de stature, « Master & Commander : de l’autre côté du monde » est le genre de film qui vous embarque du début jusqu’à la fin dans un voyage haletant. Le cinéma est aussi un moyen de transport.

La scène : la trépanation, qui m’a beaucoup marqué.

164. Willow (Ron Howard, 1988) : 

« Cours Forest, cours ! »

Le film d’héroïc-fantasy culte de mon enfance. Il y a de l’héroïsme, une méchante reine, de la magie, des combats, c’est évidemment manichéen à souhait, bref c’est un grand classique du genre. L’histoire, une petite fille est poursuivie bébé par des armées maléfiques en raison d’une prophétie, fleure bon le déjà-vu mais l’ensemble est porté avec suffisamment de conviction et réalisé de manières suffisamment maline niveau trucages, pour que le gamin que j’étais apprécie. Et puis c’est le grand rôle de Warwick Davis, que l’on croise au détour des Star Wars pour quelques rôles en forme de silhouette et pour lequel je ne peux m’empêcher d’éprouver une grande sympathie. En plus pour une fois que la prophétie parle d’une princesse et non d’un prince, c’est quand même un chouïa original. A réserver aux amateurs du genre en tout cas, notamment pour ceux qui ont une petite envie d’ « old-school ». De temps en temps, ça peut pas faire de mal.

La scène : celle avec les trolls. Non, pas ceux d’internet.

163. Love Actually (Richard Curtis, 2003) : 

Ce moment où tu te rends compte que le gamin de « Love Actually » c’est Jojen Reed dans « Game of Thrones ».

Et oui, comme beaucoup, j’ai succombé au charme de « Love Actually ». Que voulez-vous, les bons sentiments sont tellement assumés, les acteurs s’en donnent tellement à cœur joie, l’énergie et l’humeur du film sont si communicatives, que je n’ai pu résister. Nique les cyniques, tant pis pour les insensibles, youpi pour les kikoos, vive les cœurs d’artichauts. On rigole, on est ému, on sort de là avec une patate monstre et l’envie d’aimer le monde entier. De plus « Love Actually » a prouvé qu’on pouvait être romantique et « sweet » sans être trop nian-nian et insupportable, et ça c’est non seulement très cool, mais c’est aussi un bel exploit. Comme en plus le film réunit une grosse bande d’actrices et d’acteurs  à l’immense classe depuis Alan Rickman jusqu’à Bill Nighy en passant par Rowan Atkinson, Keira Knightley, Hugh Grant, Colin Firth, Liam Neeson et Martin Freeman (excusez du peu), pour ne citer qu’eux, n’en jetez plus, je surkiffe et vive l’amour !

La scène : La scène à l’aéroport de Marseille, sisi représente. Non je déconne, évidemment celle des pancartes, irrésistible.

162. Ave, César ! (Joel et Ethan Coen, 2016) : 

Les p’tits gars d’la marine.

Qu’on aime ou pas le cinéma des frères Coen, il faut leur reconnaître une chose : les frangins ont un style bien à eux. Et à mon sens ce style, un mélange de personnages décalés, de dialogues savoureux, d’histoires absurdes et d’humour doux-amer trouve une magnifique illustration dans « Avé César ! », pastiche génial de l’Hollywood époque guerre froide. On y retrouve avec plaisir Ralph Fiennes, impayable, Tilda Swinton, Josh Brolin ou Frances McDormand, déjà rompus à la patte Coen et on se régale en découvrant les talents comiques de Scarlett Johansson et surtout Channing Tatum, magique en acteur soviétique efféminé. Cependant la révélation du film reste Alden Ehrenreich, fabuleux dans son rôle d’acteur de western. « Avé César ! » a beau être mal noté sur Allo Ciné, je m’en fiche, moi j’ai adoré.

La scène : le très très savoureux moment entre le réalisateur joué par Ralph Fiennes et l’acteur joué par Alden Ehrenreich, quand ce dernier doit jouer pour la première fois dans un autre genre que du western.

161. L’Imaginarium du Docteur Parnassus (Terry Gilliam, 2009) : 

De l’autre côté du miroir…

Un film qui a carrément inspiré le nom de mon blog ne pouvait pas être absent de ce classement. Assez injustement sous-estimé à mon sens, « L’Imaginarium du Docteur Parnassus » a pourtant de nombreux mérites à mes yeux. Le plus évident étant le magnifique hommage fait à Heath Ledger, décédé durant le tournage. En adaptant son film,Terry Gilliam a fait honneur à la dernière performance du comédien tout en prouvant que le cinéma peut se sortir des plus grandes difficultés, à condition d’avoir de l’inventivité, ce dont Gilliam ne manque pas. Le remplacement d’Heath Ledger par Johnny Depp, Jude Law et Colin Farrell (rien de moins) dans les passages oniriques si gilliamiens fonctionne parfaitement.  Les autres points forts du film : premièrement les moments dans le monde « réel », dotés d’une formidable ambiance qui respire bon les foires d’antan et les spectacles sur tréteaux, un univers poétique à souhait et deuxièmement la performance génialissime de Tom Waits en diable. Ajoutez des autres membres du casting très bons, une histoire pleine de mystères et vous obtiendrez un film qui vaut le détour et que je ne peux que vous conseiller de découvrir.

La scène : le début du film pose très bien les bases.

160. Good Morning England (Richard Curtis, 2009) : 

C’est autre chose que RTL.

Survolté, énergisant, rock n’roll, jouissif : quelques qualificatifs extrêmement adaptés à « Good Morning England ». Ode à la liberté d’expression et à la libération des mœurs, doté bien évidemment d’une bande-son qui claque sévère, ce film anglais sur l’aventure d’un bateau hébergeant une radio pirate a la classe. Comme dirait l’autre « c’est d’la bombe bébé ». Bill Nighy, Phillip Seymour-Hoffmann, Nick Frost, Rhys Ifans et surtout Kenneth Branagh, impayable en ministre autoritaire et psychorigide, le casting cinq étoile se régale aux sons des hits des Who, des Beach Boys, des Kinks ou des Turtles (pour ne citer qu’eux) et nous avec. Un film si bon pour la santé qu’on pourrait le prescrire par ordonnance.

La scène : celle au son d’ « Elenore » des Turtles.

159. La Vie des autres (Florian Henckel von Donnersmarck, 2006) : 

« -Mais qu’est-ce que…
-Despacitooooooo ! »

L’optimisme. C’est peut-être là que porte au fond le message de « La Vie des autres ». Ou comment, même au plus fort de l’embrigadement, même au sein d’un régime dictatorial, peut se réveiller l’humain. Et on le sait, l’important, c’est l’humaing’. Là où la plupart des films sur les régimes autoritaires se caractérisent par un grand pessimisme, « La Vie des autres » a le mérite de faire le pari de la lueur d’espoir, malgré tout. Extrêmement touchant, parvenant à rendre parfaitement crédible l’évolution psychologique de son personnage principal (magnifiquement incarné par Ulrich Mühe, malheureusement décédé peu de temps après le triomphe de ce film), « La Vie des autres » est un film d’une beauté triste mais puissante.

La scène : la sublime fin du film.

158. Kill Bill : volume I (Quentin Tarantino, 2003) : 

Blanche neige, mais plus pour longtemps.

Si le deuxième volet des aventures de Black Mamba s’avère globalement décevant, cela n’enlève rien aux qualités du premier opus. Car si l’histoire est aujourd’hui archi-connue, elle fit à l’époque l’effet d’une bombe, achevant l’œuvre commencée par « Pulp Fiction » à savoir faire de Tarantino une figure « pop » (une consécration pour un tel amoureux de la « pop culture ») connue et reconnue aussi bien par une partie des critiques que par le grand public. Le style de Quentin y trouve une de ses plus belles illustrations : outrance assumée, hémoglobine par litres, bande-son du tonnerre, références plus ou moins obscures en masse et surtout ce don de transcender le nanar pour en faire du très lourd. Les scènes d’anthologies s’enchainent pour une Black Mamba qui a de plus le grand mérite d’être l’une des premières grandes héroïnes badass modernes, bien avant Rey de « Star Wars VII » ou les rôles récents de Charlize Theron. C’est un plus quand même très cool, non ?

La scène : le combat contre les Crazy 88, of course.

157. Edward aux mains d’argent (Tim Burton, 1990) : 

Le prince au petit pois.

La plus belle collaboration entre Tim Burton et Johnny Depp est l’une de leur toute première. Une époque où Johnny n’avait pas encore décidé d’appliquer la recette « Jack Sparrow », ce combo grimaces, folie, poses outrancières, regards vers le haut, aussi génial la première fois que lassant à la longue, à l’écrasante majorité de ses personnages. Une époque où Tim savait encore raconter de magnifiques histoires sur la différence avec subtilité, en mêlant magie et poésie pour imposer son style détonant. Conte bizarre et extrêmement touchant, critique jouissive de la culture « pavillons de banlieues » à l’américaine, « Edward aux mains d’argent », très original à l’époque, détonne sans doute moins aujourd’hui dans un monde habitué au style Burton et où le cinéma célèbre souvent la singularité comme une force. Mais s’il le fait, c’est aussi un peu grâce aux histoires de Tim et c’est pourquoi on peut lui dire merci.

La scène : si l’ouverture avec le génial Vincent Price est très forte, le moment le plus beau reste à mes yeux la fin.

156. Sherlock Holmes I&II (Guy Ritchie, 2010 et 2011) : 

Bromance.

Les « Sherlock Holmes » de Guy Ritchie ont leurs détracteurs, qui ont pour argument principal le manque de fidélité à l’œuvre originale. Si les combats au ralenti sont difficilement étiquetables « Conan Doyle compatibles », cette analyse me semble malgré tout exagéré, tant l’ambiance sombre et mystérieuse des films et le comportement de Sherlock Holmes collent plus qu’on ne pourrait le croire aux romans. Mais une fois passé ce débat au fond assez inutile (aller voir un tel film autrement qu’en connaissance de cause, en s’attendant à un truc semblable aux bouquins, fallait quand même s’attendre à une belle déception…), je n’ai pas honte de dire que je me suis régalé devant les deux volets de ces aventures cinématographiques de Sherlock et Watson (même si la série avec Cumberbacht reste malgré tout mon adaptation favori, déso, pas déso). Le fun est immense, l’alchimie et le charisme du duo Downer Jr / Law crève l’écran, la musique est ouf’ (Hans Zimmer, épouse moi) et les films bénéficient à plein du plus grand talent de Ritchie : un extraordinaire sens du rythme. En plus, chose assez rare pour ce genre de films, le 2^ème est plutôt égal au premier, grâce notamment à un Moriarty de qualité.

La scène : la première scène de Moriarty dans le 2^ème opus, dans le restaurant.

155. Spiderman I&II (Sam Raimi, 2002 et 2004) : 

Le bisou, le bisou !

A l’origine de la « super-héros mania » qui continue encore aujourd’hui, il y a en partie les deux premiers opus de « Spiderman » par un Sam Raimi qui avait placé la barre très haut. Trop haut sans doute pour le troisième opus, mauvais comme tout et surtout coupable de ridiculiser Venom (un antagoniste vraisemblablement imposé à Raimi), le meilleur méchant des comics si on enlève évidemment les ennemis de Batman. Mais avant « Spiderman III », il y a eu évidemment « Spiderman I » et « Spiderman II » (incroyable non ?), un duo de très bons films, spectaculaires et prenants, qui ont prouvé au monde entier à quel point les super-héros pouvaient être bankables. Raimi lança d’une certaine manière la vague qui allait suivre. Pour moi, qui apprécie le genre sans pour autant être un grand fan (et oui ! Révélation !), Batman encore et toujours mis à part (parce que c’est Batman, question suivante), ces deux œuvres de Raimi auront eu le mérite de faire de Spiderman ma médaille d’argent niveau super-héros, parce que le personnage principal est cool mais surtout parce que ses méchants sont très bons. Puisqu’on parle de Spiderman, on laissera tomber un voile pudique sur l’époque Andrew Garfield (un très bon acteur par ailleurs, no offense, et puis Electro était quand même cool) et on se concentrera sur l’espoir offert par « Homecoming » qui était quand même pas mal du tout.

La scène : la schizophrénie glaçante du Bouffon Vert (excellent Willem Dafoe) dans le miroir.

154. Chicago (Rob Marshall, 2002) : 

La classe du chapeau de paille.

Aussi incroyable que cela puisse paraître, on peut parfois apprécier un film malgré des conditions de visionnage désastreuses. Bon, pas toujours, cf ma découverte de « Dunkerque » gâchée par les voisins de séance les plus stupides que j’ai jamais rencontré. Mais « Chicago » est un bon contre-exemple car c’est le seul film que j’ai vraiment aimé en le regardant pour la première fois dans un bus. Pourtant probablement l’un des pires contextes pour regarder une comédie musicale, si on mélange petite taille de l’écran et qualité sonore inversement proportionnelle à l’attrait du PS actuellement. Et pourtant, je suis resté fasciné, même sans tout comprendre, particulièrement grâce au visuel et aux numéros des chansons, au point de passer un excellent moment. Les audacieux parallèles entre cabaret rêvé et vie en prison réelle, notamment, se révèlent hypnotisant. A revoir dans de bonnes conditions pour confirmer ou infirmer, un jour, peut-être.

La scène : « When you’re good to mama ».

153. American History X (Tony Kaye, 1998) : 

« Right turn only », c’est fait exprès ?

Film choc au sens fort du terme, « American History X » vous attrape à la gorge dès son ultra-violente première scène (dites les mots trottoir et mâchoire à quelqu’un qui a vu le film, vous verrez sa réaction). Le film suit la trajectoire de deux frères l’un, néo-nazi emprisonné pour meurtre (excellent Edward Norton) sur le difficile chemin de la repentance, l’autre séduit par l’idéologie défendu par son ainé. A travers des aller-retours entre passé (en noir et blanc) et présent (en couleur), le film montre habilement la construction et la déconstruction de la haine chez des individus et porte un grand coup de projecteur sur l’extrême violence des mouvements suprématistes américains. Avec les événements de Charlottesville, c’est tristement d’actualité…

La scène : l’ouverture du film, inoubliable.

152. Premier Contact (Denis Villeneuve, 2016) : 

Un plan qui a la classe.

« Premier Contact », réalisé par un de mes chouchous actuels, le canadien Denis Villeneuve, met le projecteur sur une question au final peu posé par le cinéma : si les extraterrestres venaient nous rendre visite sur Terre, comment communiquer avec eux ? De cette question passionnante, Villeneuve tire un film à la fois intelligent et prenant, où la profondeur n’évolue jamais vers l’ennui. « Premier Contact » réussit également un exercice généralement périlleux au cinéma : mêler grand moment (fictif ou non) de l’histoire de l’humanité et drame personnel. Ajoutez à cela une photographie extraordinaire et une musique parfaitement adapté au récit, et voilà à mes yeux l’un des meilleurs films de science-fiction récent, voire tout court.

La scène : toute la séquence extrêmement prenante qui va de l’arrivée au camp militaire jusqu’à la première entrée du personnage d’Amy Adams dans le vaisseau extraterrestre.

151. Microcosmos : Le Peuple de l’herbe (Claude Nuridsany et Marie Pérennou, 1996) : 

Il se fait soif.

Peut-être le premier documentaire que j’ai vu au cinéma et un véritable choc. Une plongée incroyable dans un univers méconnu et qui a souvent mauvaise presse, celui des insectes. Tout simplement fascinant, « Microcosmos : Le Peuple de l’herbe » déploie sa poésie au rythme de la musique d’une valeur sûre, Bruno Coulais (Bruno on t’aime) et révolutionne le documentaire animalier. Grâce à une technologique spécifiquement prévu pour le film, on est immergé dans ce monde du tout petit de manière incroyable, jusqu’à rester ébahi devant des ravages de gouttes d’eau ou devant un bousier qui pousse sa boule (oui messieurs, dames, parfaitement), tour à tour subjugué, émerveillé, terrifié ou attendri. Ou comment rendre le monde des insectes attractif : un gros pari, remporté de main de maître.

La scène : celle de la sauterelle prise dans une toile d’araignée m’a tout bonnement traumatisé.

On se retrouve vite pour la suite !

Les articles précédents : 

De la 200éme à la 176éme place.